GUÍA A LA FAMA: CÓMO CONVERTIRSE EN UNA CELEBRIDAD

Ser famosa es lo más. No hay nada mejor que ser invitada a fiestas glamorosas, tener acceso VIP a todos los eventos, lucir ropas fabulosas, rodearse de lujo y codearse con los ricos y famosos. Si tu anonimato te estresa y si una vocecita interior te dice que sos especial y que el mundo entero debería saberlo, es hora que sigas esta guía a la fama para alcanzar el estrellato sin estrellarte en el intento.

1. AUTOESTIMA: Lo primero es quererse a una misma. Tener la autoestima alta es un requisito sine qua non para triunfar en tu lucha por la atención pública. La regla de oro es tener una autoestima tan alta que pueda dejar al Everest como a un patético petiso. Hacer crecer tu autoestima y treparte a ella esencial para llegar a ver al mundo desde arriba.

2. TENER UN SÉQUITO O ENTOURAGE: Para volverse famosa es indispensable contar con un séquito o entourage. Esto significa rodearse de un mundo de gente que te mime y te reafirme lo regia que sos. Una verdadera celebridad, no va a ningún lugar sin su séquito. Si no tenés a nadie que te acompañe, no dudes en llamarle a todos tus contactos del Facebook hasta dar con alguien que se prenda a la fiesta. No importa si es una amiga de infancia que te idolatre, la nerd del curso, o tu prima forifa de la campaña. Lo importante es que sea quien sea, crea que sos lo máximo. El rol de tu entourage consta de dos papeles básicos: a) levantarte la autoestima (Tu entourage tiene que apoyarte moralmente diciéndote que te ves despampanante, que todos los hombres de la fiesta te están mirando, y asegurarte que estás MUCHÍSIMO más flaca que la noche anterior); y b) cumplir pequeñas tareas como abrirte la puerta del auto, mantenerte informada de los movimientos de todos tus galanes, cebarte el tereré, etc.

3. TENER FULL ACCESS: Contar con un amplio séquito es fundamental para garantizarte la entrada a cualquier VIP. Si vas a una fiesta solita, con carita triste de desamparada, tu destino seguro será pasar desapercibida, o peor aún, que los porteros del VIP te cierren el cordoncito rojo en la cara. Cuando cualquier portero te vea llegar con un montón de gente siguiéndote, tenélo por hecho que él va a suponer inmediatamente que sos famosa. Si hay una lista y el encargado de la misma OSA preguntarte tu nombre (esto para toda famosa es un descaro ya que TODO EL MUNDO tiene que saber quien sos) jamás se te ocurra decirle tu nombre con cara de mosquita muerta. Dejále el asunto a tu séquito. Que uno de ellos lo mire con cara de ofuscado diciéndole con mezcla de asombro e indignación: “¿Acaso Vos no sabés QUIEN es ella?” Y luego dirigiéndose al resto del séquito agregue: “¡Dios mío que ignorante es la gente, acaso no leen la prensa, este vairo de cuarta seguro que NUNCA abrió una página de sociales!” Para luego volverse al portero y contestarle con arrogancia (enfatizando cada uno de tus apellidos compuestos): “ELLA es María Marta Mercedes González García de Pérez y Pérez”. Lo único que vos vas a tener que hacer es emitir un suspiro de indignación y atropellar regia la entrada, bien segura de que nadie te puede parar en tu subida al mundo VIP.

4. TENER UN AMIGO GAY: La persona más importante de tu entourage sin lugar a dudas es tu amigo gay. Toda celebridad que se repute tal, tiene que tener un amigo gay; y si es diseñador, modelo, actor, maquillador, fotógrafo, productor o cualquier profesión del ámbito de la moda y la farándula ¡MEJOR! Tu amigo gay es la única persona de tu entourage que no va a dudar en decirte que la ropa no te queda bien, o que tenés que hacer algo con tus ojeras de transnochada. Como tu amigo gay seguro entiende mucho más de moda que vos, nunca dudes en confiar en su asesoramiento.

5. APRENDER A POSAR: Porque crees que las celebridades siempre posan de la misma forma en todas las fotos. ¡Obviamente ensayaron mil veces sus poses seleccionando aquellas que les favorecen más! Han aprendido que poses las hacen verse más altas, flacas y bonitas. Saben muy bien cuál es su perfil (porque toda celebridad sabe que eso de la simetría del rostro que es una gran patraña). Fíjate en las poses de las fotografías de famosas y practícalas frente al espejo; ¡o aun mejor, frente a tu amigo gay! Jamás dejes que te saquen una foto comiendo para evitar salir con cara de Kiko. También evitá hablar mientras te sacan la foto para no salir con la boca abierta. Y jamás de los jamases poses riéndote como una tarada, ya que las risas son traicioneras y nunca sabés con qué mueca podés terminar saliendo en pleno HC Sociales. Hacé las poses más de shegua que se te ocurran y siempre pero siempre con cara de pocos amigos. Una verdadera celebridad siempre posa con cara de arisca.

6. APRENDER A SACARLE PROVECHO A LOS FLASHES: En cualquier fiesta llena de gente famosa, sin duda vas a encontrar un montón de fotógrafos socialeros. Si sos tan anónima que ni tu madre te conoce lo más probable es que estos fotógrafos te ignoren. El truco es incluir en tu séquito a su paparazzo personal. Buscáte un amigo que saque fotos de hobbie y confabúlate con él para que te acose toda la noche haciéndose pasar por notero y que se pase sacándote fotos gritándote: “¡¡María Marta… acá una foto para Gente!!” Lo fundamental es que (por más que ames los flashes, y que cada vez que relampaguea creas que Dios te está sacando fotos por lo linda que sons) tenés que negarte y RENEGARTE a las fotos. Hacete la regia diva low profile y decile: “No, no quiero fotos. Yo mantengo un perfil bajo porque tengo miedo de que me fiche el EPP” o la saturada gritándole: “¡POR FAVOOOOR, PARAÁAA DE SACARME FOOOTOS!”. Cuando finalmente te “convenza” tenés que posar con cara de pocos amigos. Al poco tiempo los otros medios van a empezar a notarte y te van a pedir fotos para toooodas las revistas y diarios del país.

7. SABER CON QUIEN FOTOGRAFIARSE: Una vez que hayas logrado llamar la atención de los fotógrafos, es fundamental que elijas muy bien con quien fotografiarte. A la hora de salir en sociales, si estás acompañada de OTRO famoso ¡MEJOR! Si no conocés a ningún famoso, no te preocupes que todo tiene solución. Olvidáte de toda timidez y ni bien se le acerque a Ruben Rodríguez o a Menchi un fotógrafo, aprovechá la técnica de Carna y coláte descaradamente a su lado como si fueras su REEE íntima. A la hora de colarte en la foto de un famoso, recuerda este tip: a mayor proximidad con la celebridad, mayor sensación de intimidad vas a generar en la foto. Osea que no te limites a estirar tu cuello o a ponerte hombro a hombro. ¡Acercate bieeen luego!

8. SER POLÉMICA: No hay camino más rápido a la celebridad que un ESCANDALO. Pero nada de andar por ahí buscando trifulcas con desconocidas. Buscá a la modelo cachaquera más polémica que encuentres en el evento y poné manos a la obra. Derramale “sin querer queriendo” el contenido de tu copa sobre su vestido. Cuando te mande a la Conchinchina (cosa que de seguro va a hacer, pues como es cachaquera SABE BIEN que con los escándalos no se escatima), respondele bien fuerte y con tono de regia indignada: “¡¡Dios míooo, pero que mujer agresiva!!” Hechale leña al fuego hasta que saques a la india que seguro duerme en el interior de aquella blonda oxigenada y antes de que ésta llegue a darte el sopapo que seguro va a querer darte, escabullite como una damisela en peligro exclamando bien fuerte para QUE TODOS puedan oírte: “¡Esta tipa está loca, está mal de la cabeeeza! ¡Me quiere pegar! ¡Le voy a demandar por agresión! ¡Que no me toque con sus garras esa vaaairaaaaaaa!!!” Asegurate de tener cerca a tu séquito para que te sirva de escudo en caso de que la cachaquera ceda a sus instintos primitivos y por supuesto también para que te sirvan de testigos, haciendo correr TU versión de los hechos por toda la fiesta. Tu amigo gay tiene que decir: “Yo ví todo lo que pasó, te juuuro que María Marta no hizo nadaaa! ¡Esa tarada de la nada se le echó en cima como un toro de San Fermín! ¡Está mal de la cabeza esa tipa, si cree que le va a agredir así a mi amiga!” Si bien, desde el escándalo de la noche anterior, todo el mundo comentará el incidente por las calles, bares, cafeterías, tiendas y peluquerías del país, es esencial que la noticia trascienda más aún. Ni bien te despiertes (cerca del medio día como toda digna diva) llamá al equipo de producción del programa de chismento de turno y decile que querés hacer unas declaraciones porque fuiste agredida por la modelo cachaquera Zutanita. A medida que pasen los días, seguí estirando la noticia como chicle hasta que ya no le interese ni a la más chusma de las chusmas.

9. HEGEMONIZAR LOS TITULARES: Lo difícil no solo es alcanzar la fama, sino también MANTENERSE FAMOSA. Esto es FUN-DA-MEN-TAL. Mientras estés en boca de todos, asegurate de generar otra noticia impactante. Ponete de novia con algún famoso (¡si es futbolista o hijo de político mejor aún!) y anuncialo en la portada de una revista con un titular que diga: “Gracias al amor de Fulanito pude reponerme de la agresión de Zutanita”. Ni bien el publico pierda interés en tu historia de amor, rompé con él, asegurándote de anunciarlo públicamente en todos los medios chismosos: “Fulanito me rompió el corazón”. ¡Luego lanzá otra bomba, revelá el motivo de tu ruptura, inventando lo más dramático que se te ocurra, como por ejemplo que Zutanita te robó a Fulanito! En las próximas notas que dés tenés que sacarle el jugo a todas las frases de mosquita muerta tipo: “Estoy muy bien solita y conmigo misma” o “Ahora voy a elegir mejor a quien entregar mi corazón”. Una vez que ya seas famosa es importante que siempre busques un titular impactante que acompañe a tus portadas, como: “Le tengo miedo a los secuestros”, “Con mis nuevas lolas me siento más mujer”, “El Sexo con Amor no existe”, “Todos los senadores son mis fans en el Facebook”, “En la cama soy la mejor”, o el infalible: “Tinelli me quiere llevar a Bailando”.

10. TENER ACTITUD: Para ser famosa es esencial tener actitud de diva. Lleváte al mundo por delante y aduéñate de tu diva interior. La vida entera tiene que ser tu pasarela, cuando entres o salgas de un evento, hacelo siempre como en cámara lenta, mantenete regia, salí arreglada hasta cuando vas al súper y nunca te olvides de tu glamur. Y recordá siempre la regla de oro: jamás de los jamases y nunca de los nuncases tenés que achicarte frente a nadie.

Nuevas Artistas del Audiovisual - Talento por partida Triple

En esta edición les invitamos a conocer a tres jóvenes artistas: Andrea González Quiroz, Esther Mendoza y Ana Ruíz Díaz. Ellas tienen en común utilizar al arte no solo como medio de expresión, sino como un medio disparador de profundas reflexiones sobre nuestro entorno y cómo nos relacionamos con él.

Tres mujeres jóvenes, tres artistas destacadas en la última edición del Premio Henri Matisse, que nos invitan, desde la instalación, la animación digital y el video arte, a ver más allá de lo obvio, encontrando en lo cotidiano una veta de reflexión.

Andrea González Quiroz (36)

Andrea González se crió en un espacio de arte. Su madre pintaba, tocaba el piano, declamaba, haciendo así que las artes siempre estuvieran presentes en su vida.  En 1992 empezó a estudiar teatro, integrando el elenco de Máxima Lugo, grupo con el cual viajó a muchos festivales. Al dejar el grupo empezó a hacer talleres y trabajos de escenografía y a enseñar teatro a chicos, incluyendo siempre en sus clases el elemento plástico. En el 2005 empezó a trabajar con el grupo Nhi-mú, encargándose del vestuario, la utilería y la escenografía para las obras y eventos.  En el 2006 empezó a estudiar arte en el ISA, donde las artes plásticas fueron ganando un espacio cada vez mayor en su vida, “algo en el ambiente me dijo que “ese” era mi lugar y cuando llegó el momento de tener que elegir entre el ISA y Nhi-mú, priorice la carrera, aunque sin abandonar completamente al grupo”.

En el 2009 se presenta al Premio Henry Matisse, obteniendo la mención de honor, y ya en el 2010 obtiene el segundo premio de este prestigioso concurso con dos obras con procesos muy distintos, pero especialmente significativas para ella, las instalaciones “Intemperie” y “Apyká”.

“Intemperie”, compuesta por 315 piezas blancas instaladas en una fila irregular, que interviene el espacio habitualmente transitado, como explica la artista “tiene que ver con la ciudad, con entrar en contacto con las personas que la pueblan, conocer sus nombres y sus historias.” Esta obra surge de una historia muy especial.

Andrea vive en el barrio San Roque, cerca de la Chacarita y Pelopincho. Como por su trabajo genera una cantidad industrial de papel, fue entrando en contacto con las recolectoras de desechos que pasaban enfrente a su casa, creando un vínculo con una de estas recolectoras y sobre todo, con la hija que siempre la acompañaba. Fue hablando con ellas y asistiéndolas en lo que podía para que la niña no dejara sus estudios. Al conocer sus nombres, dejaron de ser personas anónimas que transitan la ciudad recolectando desechos en sus carritos. Andrea recalca que entrar en contacto con su mundo, conocer las dificultades con las que viven, las enormes necesidades que tienen y simplemente observarlas en esa recolección que convierten en su forma de vida, le produjo una fascinación enorme que derivó en esta obra. Andrea no solo volvió la mirada hacia estas mujeres resignadas que trabajan a la intemperie – sin techo ni abrigo- deambulando en silencio por la ciudad para dar de comer a sus hijos; también se vio reflejada en ellas, asegurando: “Todas las mujeres somos recolectoras en cierta forma.”

Así como estas mujeres, Andrea González se convirtió en una recolectora, acopiando cosas de su casa y de la casa de sus amigos, objetos con formas interesantes para emplear en su obra. En el proceso artístico de creación de esta obra, Andrea registra a las recolectoras en sus rituales diarios, se encuentra con ellas en sus recorridos, intercambia con ellas papeles (literal y metafóricamente) y al igual que ellas: recolecta, reúne, clasifica y resignifica el desecho. Con lo recolectado dio vida a 315 mujeres de “Intemperie”, creadas de plástico y diversos desechos reciclados y enyesados. La artista crea a sus mujeres con un uniforme color blanco que las convierte en aquel colectivo de mujeres que transitan la intemperie, asegurándose también de que ninguna pieza sea igual a otra, dando de esta manera una identidad propia a cada una de ellas.  Para la artista, esta obra “habla de mujeres que van, bajo un mismo cielo, en busca de lo que son; en cada una, una “ciudad” y en todas ellas me reconozco.”

 

La segunda obra presentada, “Apyka”, compuesta por una laptop intervenida con EPS (Poliestireno Expandido) del mismo embalaje de la laptop, aborda una temática absolutamente distinta.  Con esta obra la artista nos habla dos culturas, comparándolas y uniéndolas con ingenio.  Por un lado, la de los Paï Tavyterä y su ritual de iniciación del Kunumi Pepy, que ha resistido al poder de otras culturas así como al paso del tiempo; y por el otro, la cultura del “hombre blanco”, que crea nuevos rituales, también de iniciación, aunque en un ámbito distinto: el virtual.

Esta obra se origina cuando el año pasado, Andrea entra a trabajar como guía del Museo del Barro.  Fascinada con el arte indígena, dirige su atención al ritual Paï Tavyterä del Kunumi Pepy, en el cual cada padre realiza para su hijo en manera de cedro (árbol sagrado de los Guaraní) el apyká (asiento), que será utilizado en este ritual. El día del Kunumí Pepy, rito de transición de la infancia a la adultez, al niño se le perfora el labio inferior colocándosele un labrete o tembetá, distintivo del adulto Guaraní. Tras la media noche, los niños son llevados al centro del espacio ritual para ocupar su apyka, tomando así su asiento en el mundo de los adultos. Para esta instalación, Andrea González, crea un apyká para el hombre blanco, agregando patas a una laptop, el espacio ritual del hombre hoy por hoy. La artista explica: “En ambas culturas, el ritual responde a una necesidad. En ambos rituales, se hace un paréntesis a una realidad y se ingresa a otra. En ambas realidades, una persona es una palabra alma en busca de un asiento.”

Link a sus obras: http://andreagonzalezquiroz.blogspot.com/

Esther Mendoza (27)

Esther comenzó a interesarse por el arte desde chica. Todos en su familia tenían alguna inclinación artística; pero sin lugar a duda su principal influencia fue su padre, ingeniero, muy buen dibujante y músico amateur. “Desde que tengo memoria me interesó la lectura, el teatro, la música y sobre todo la filosofía. Como no podía estudiar actuación comencé a dirigir obras de teatro en el colegio y a experimentar en la confección de escenografías y materiales de utilería. Por influencia de mi hermano, que es diseñador gráfico empecé a interesarme también por las artes gráficas y la fotografía.”

Vivió durante un año en África, experiencia que le marco la vida. Allí comenzó a interesarse con mayor fuerza por la música y a involucrarse en el mundo digital, e-commerce y diseño web. Desde muy joven comenzó a trabajar en turismo y eso le permitió continuar viajando principalmente por Sudamérica, donde fue empezando a conocer museos y galerías de arte.

Esther asegura que el artista no escoge serlo, más bien tiene una necesidad interior que está más allá de su propia voluntad. “Las artes visuales, siempre me cautivaron, pero no creía en ese entonces que llegaría a ser "mi todo" y "mi nada". Ahora ya hasta tengo nombre artístico: Ete Mendoquino. Cuando era niña, dibujaba de punta a punta las paredes de mi casa, era como si hubieran dejado las paredes en blanco para mí y ante la desesperada pregunta de mi papá al verlos: -¡¿Quién hizo esto?!-, siempre respondía orgullosa, como si fuera lo más normal del mundo: -¡Yo fui!- Hasta hoy día sigo asumiendo con la misma convicción las obras que hago, porque tengo esa necesidad incontrolable de exteriorizar mis pensamientos, sentimientos y percepciones; esa preocupación por la humanidad, por la gente, por esa sociedad alienante que no nos permite ver mas allá; por lograr que las personas, al menos por un instante, se vuelvan conscientes de lo inconsciente y tengan la posibilidad de replantear sus circunstancias y re significar sus experiencias. Creo que ser artista es una cuestión de destino o de maldición. Hablo de destino en cuanto a esa ineludible necesidad que te lleva a canalizar la realidad de una manera distinta; un artista, no se crea en las universidades ni en las escuelas de arte, aún cuando éstas podrían representar las bases en el campo de la cultura en general.”

Esther estudió primero carreras "más convenientes", administración de empresas, comercio internacional, etc., intentando complacer a sus padres, pero no acabó ninguna y de a poco fue volviendo a lo suyo. Empezó con diseño web, luego grafico, educación artística; y en medio de su búsqueda, incursionó en la danza y actuación, hasta que al fin descubrió que eran las artes visuales las que definían mejor lo que siempre había buscado. Finalmente un día llegó a casa decidida a decirle a su familia lo que quería hacer con su vida: ser artista.

Al respecto agrega: “La maldición de esta elección, es que antes de saber si queremos pintar, bailar, actuar o escribir, ya tenemos que cargar con el estigma de que "el arte no sirve", que "es para gente que no tiene otra cosa que hacer". Esa maldición despierta la necesidad de mostrarles a todos que el arte no es un absurdo subterfugio de una inconsistente subjetividad libertina, sino por el contrario es un medio sutil pero tajante, de hacer frente a la realidad. Creo que todos los que estamos en esto somos más conscientes que cualquiera que el arte en sí no puede resolver ninguno de nuestros problemas, pero si puede ayudarnos a imaginar cuáles son en verdad aquellos que llamamos "nuestros problemas". Creo que cuando es tu vocación, - por destino o maldición - te olvidas del reconocimiento externo, y prevalece ante todo tu compromiso de crear. Uno logra ser artista cuando tiene algo que decir; uno puede tener la mejor técnica posible pero si no tiene nada que decir nunca va a ser un artista. Todo artista debe tener un cordón umbilical que le una a su entorno, un punto de convergencia con la realidad colectiva, algo que relucir o denunciar, pero sin olvidar que no sirve de nada " el que" sin " el cómo".”

Esther Mendoza asegura que su objetivo es encontrar lo esencial de las cosas que le son cercanas y que de alguna manera le tocan, y para ello utiliza el lenguaje que cree más adecuado, es por eso que no se puede encasillar en una técnica: “si tengo que pintar, pinto; si tengo que hacer vídeos, esculturas o una instalación, los hago. Aunque ahora utilizo mucho el vídeo, me interesa la complejidad técnica y conceptual. La conjunción de audio, imagen, movimiento y relato favorece el poder comunicacional de la obra. La instalación, el video y los nuevos medios permiten una mayor absorción del concepto por parte del espectador, puesto que rompe con la lectura lineal, no hay un comienzo ni un final. La visualidad se libera del relato lineal y puede ser más abstracta generando un espacio alterado, un cuerpo-objetual  que permite al espectador está inserto en ella. Esa condición de estar adentro de la obra, permite que sea percibida por todos los sentidos y puedo trasladar al observador al espacio que pretendo, el espacio sensorial por excelencia e irracional por añadidura.”

Sus obras principalmente se centran en el universo interior del ser, en la pesadumbre del vacío, en lo fugaz y eterno del tiempo, en el mirar hacia dentro e intentar ver no solamente con los ojos. Por ejemplo la Video-Instalación “Paradójica-mente”, con la cual obtuvo el 2do puesto en el Premio Herry Matisse del 2009, trata precisamente de crear una conexión tácita entre el espectador y el personaje que se encuentra dentro de la pantalla, planteándonos esa noción del mundo que tenemos, que tratamos de ver como algo separado de uno mismo, como lo que está allá afuera; está compuesto de imágenes, sensaciones y sentimientos, a los que no se les permite aflorar, ni ser parte de la existencia misma, configurando una realidad teñida de subjetividad, y limitada a los medios de observación que poseemos según nuestra paradoja del tiempo y el espacio, dejando ver que estamos más cómodos viviendo un contrasentido con sentido.

Aunque le preocupa mucho el "ser", la artista no olvida su entorno, sus circunstancias y las realidades innegables a las que debe enfrentarse, la migración, la política, los abusos, los enfrentamientos y la destrucción de nuestro planeta. El año pasado realizó el video “Sueñoverde”, obra seleccionada entre los mejores del Premio Henry Matisse 2010. “Sueñoverde” es parte de un triduo de vídeos relacionados con los problemas ambientales de nuestro planeta - junto a “Sueñoazul” y “Sueñoblanco”, obras inéditas que estará presentando entre abril y mayo en Buenos Aires. En “Sueñoverde” aborda el tema de la deforestación, una de las mayores amenazas para la vida del hombre en la Tierra.  En este video, representa un sueño, un recuerdo que se anida en una cajita de música, una sensación que quedó guardada en el joyero de la memoria emotiva; una irónica metáfora que conduce a la pregunta inequívoca: ¿y si un día solo pudiéramos soñarlo?

Link a sus obras: http://www.mendoquino.blogspot.com

ANA RUÍZ DÍAZ (37)

A Ana siempre le gustó lo visual. De niña, dibujar era su juego. De adolescente, la seducción de los videoclips musicales despertó en ella un gran interés por el video.  Así empezaron a  convergir en ella un lado artístico y otro tecnológico.  Al inicio ella los veía como dos aspectos opuestos de su personalidad y empezó explorando a cada uno por separado. Estudió primero Análisis de Sistema, profesión que ejerce actualmente. Como sentía la necesidad de explorar su otra faceta, al concluir esta carrera se volcó al arte, ingresando al Instituto Superior de Artes Visuales (ISA). Fue allí donde ambas vertientes empezaron a confluir, a través del video arte.

Al ayudar en la parte técnica a un compañero, el artista Sebastián Boesmi (quien necesitaba filmar un video para registrar el proceso de su obra “Campo Proteico”),  algo dentro de Ana hizo click. ¡Había tenido una revelación! Al respecto, recuerda: “Empecé estudiando arte como algo meramente recreativo, sin ninguna ambición de convertirme en “artista”. Sebastián Boesmi me inspiró a realizar mi primera experiencia en video arte. Al ayudarlo sentí que se me abría un nuevo mundo.  Esta experiencia me sirvió para ver como se podía jugar con la cámara, como se podía expresar tantas sutilezas a través del video. Sentí que este medio reunía todo lo que siempre me había apasionado: el arte, la creatividad, la tecnología. De ahí en más empecé a hacer todos mis trabajos de la facultad en video. Más adelante, la clase de Instalación con Mónica González, me enseño que el video podía ocupar un espacio utilizando proyecciones.”

De este taller de instalación surgió la obra “Paisaje Cítrico”, una video-instalación compuesta por cinco frutas cítricas clavadas en una pared, sobre las cuales se proyectaba el paisaje de un horizonte de agua y cielo. “Con esta obra se me ocurrió hacer realidad una fantasía de los paraguayos, la de tener mar.  Grabé un paisaje del horizonte del río Paraguay y luego borré el verde del horizonte, para que la imagen pareciera la de un horizonte marino. Fui jugando, alterando los colores y creando una atmósfera construida de elementos propios de nuestro entorno urbano como los lapachos, los naranjos, el río, la bahía. Los cítricos, tan propios de nuestro entorno, se configuraban como cinco soles sobre el mar soñado de la nostalgia eterna del paraguayo por el mar.”

En el 2009 su obra estuvo entre las 9 seleccionadas para exponer en el Matise y al año siguiente obtuvo la Primera Mención del Premio Henry Matisse con las obras “Quién tiene el control” y “Movimiento Liberador”.

En Octubre del año pasado expuso en la Galería Planta Alta sus “Lecciones de Vuelo” que consistía en una trilogía de fotografía con animación digital: “Lecciones de Vuelo I, II y III”, unas fotografías de pájaros intervenidas y animadas en formato video. Uno de estos videos fue presentado como una instalación interactiva, bajo el nombre “Movimiento Liberador”. “En esta obra enfrento mi eleccíon por la imagen en movimiento. Paradójicamente elegí una imagen estática, una fotografía y para romper la estaticidad me valí del dibujo animado. Al contraponerlos hablo sobre la libertad y al mismo tiempo sobre las cosas que nos aprisionan.”

Esta obra tiene un origen muy particular. “Un Lunes de mañana yo estaba yendo al trabajo, francamente con muy pocas ganas. En el camino veía pajaritos en el empedrado. Yo los veía como símbolos de libertad, sin embargo no estaban volando, estaban buscando alimento.  Esto me llevó a hacer una extraña asociación mental, de esas que uno suele tener al manejar. Me sentía identificada con los pajaritos, aprisionada en mi trabajo, buscando mi alimento, pero con ganas de perseguir esa libertad que para mí significa el arte. Para mí el arte es un momento de libertad absoluta, una salida a ese aprisionamiento.”

En “Movimiento Liberador”, la artista fuerza la ilusión del movimiento sobre una fotografía, animando así una imagen absolutamente estática. Al ser proyectada el espectador podía volverse parte de la obra por un instante, interfiriendo con su silueta la proyección e interactuando con la animación. Así se generaba una animación por partida doble. Por un lado la animación digital de la proyección, y por otro lado la animación generada por el espectador al interactuar con la obra. De esta manera, la artista invita al público a adherirse a aquel movimiento liberador, a aletear con la imagen, emprendiendo sus propios vuelos liberadores.

La obra “Quién tiene el control” ahonda en esta misma temática, la de la yuxtaposición-libertad/aprisionamiento. En esta video-instalación, la artista nos presenta una jaula que aprisiona un control remoto. En un monitor, se proyecta una animación en dibujo animado, de centenares de pajaritos quietos, inmóviles y atados a la tierra a pesar de tener alas para volar. Un letrero les advierte sobre la prohibición de volar. Un pajarito intrépido extiende sus alas azaroso, lanzándose valientemente al cielo para perseguir aquella libertad negada, dispuesto a asumir el riesgo de romper aquella prohibición, para ganar el control de su vuelo y de su libertad.

Link a sus obras: http://www.youtube.com/user/AnaRuizDiaz

CARPACCIO: CARNE EN FINAS PINCELADAS

Probablemente al escuchar el nombre “Carpaccio” lo asociarán inmediatamente al plato compuesto por finas láminas de carne cruda condimentada de múltiples maneras. Lo que difícilmente harán es asociarlo al pintor veneciano Vittore Carpaccio, que tuvo el honor, o la desgracia, de ser inmortalizado con este plato. Digo desgracia, porque el pobre Vittore, quien jamás tuvo el gusto de probar el plato que lleva su nombre, es recordado más por esta exquisitez gastronómica que por su pincel.

Si bien Vittore Carpaccio no tuvo más aporte en la creación de este plato que servir de inspiración al cocinero que lo creó, vale la pena hacer justicia a su talentoso pincel recordándolo, aunque solo sea brevemente, en este artículo.

Vittore Carpaccio, al igual que su célebre homónimo nació en Venecia, pero lo hizo casi 500 años antes que el  plato que lleva su apellido. Poco se sabe sobre su vida, pero los estudiosos del arte sostienen que su obra se vio muy influenciada por otro grande veneciano: Gentile Bellini. Sus obras más recordadas son los cuatros ciclos dedicados a santa Úrsula, san Jerónimo, la vida de la Virgen y la vida de san Esteban.  Sus obras se caracterizan por el marcado interés en la realidad circundante, su gusto por la narrativa pictórica y por el gran detalle y colorido de sus lienzos. Su mayor mérito radica en haber introducido a la ciudad en sus cuadros, convirtiéndose en el primer gran pintor de vedute o vistas, un tema pictórico que gozó de gran popularidad en Venecia y que se convirtió en una temática tradicional de la escuela veneciana. Su obra “Milagro de la Cruz” tuvo mucha influencia en pintores posteriores como Canaletto y Guardi.

A pesar de sus grandes aportes a la pintura veneciana, el nombre de Vittore Carpaccio, fue largamente olvidado, quedando su obra relegada siempre a un segundo plano en los anales de la historia del arte frente a aquella de otros maestros venecianos como Canaletto, Tiziano, Giorgione y Bellini. Afortunadamente, en el siglo XIX su nombre vuelve a sonar y sus obras vuelven a gozar de popularidad gracias al influyente crítico británico John Ruskin, quien admiraba la precisión en el estudio de la arquitectura y el tratamiento de la luz en las creaciones de Carpaccio.

Regresemos ahora a la historia de este plato y cómo fue bautizado con el apellido del pintor veneciano de quien venimos hablando. La historia nos lleva ahora a la primera mitad del siglo XX, siempre en la mágica ciudad de los canales, donde Giuseppe Cipriani, había fundado en 1931 el emblemático Harry’s Bar, frecuentado por Hemingway, Truman Capote, Scott Fitzgerald y toda la crema de la crema del jet set internacional en sus escapadas a Venecia.

Como en muchas ocasiones, las grandes innovaciones gastronómicas se originan de aprietos en los que se encontrar los chef de fama. Y este es el caso del plato en cuestión. Cuenta la leyenda, que en 1950, una condesa italiana llamada Amalia Nani Mocenigo visitó el famoso Harry’s Bar de Venecia. A la hora de ordenar su cena, la condesa le comentó al propietario del Bar, Giuseppe Cipriani, que su médico le había diagnosticado una severa anemia por lo que le había recomendado una dieta a base de carne cruda (algo muy tradicional en la cocina del norte de Italia). Le pidió a Cipriani que le preparara algo con carne cruda, y como no había ningún plato así en su sofisticado menú, nuestro gran chef tuvo que hacer lo que muchos cocineros en aprietos hacen: improvisar.

Cipriani entonces, cortó en finas láminas una carne de ternera cruda y las condimentó con una crema a base de mayonesa, leche, limón, salsa Worcester y sal. La improvisación le salió muy bien y sus comensales quedaron deleitados con el plato.

La condesa, agradecida felicitó al chef y le preguntó por el nombre del plato. Cipriani, gran admirador de los pintores venecianos, quien ya había bautizado a un célebre cóctel de su establecimiento con el nombre de Bellini (otro gran pintor veneciano y maestro de Carpaccio), recordó que en Venecia por esos días había una muestra de un pintor cuyas obras se caracterizaban por la profusión de colores rojos, blancos y amarillos. Si, tal como se estarán imaginando, dicho pintor era nada más y nada menos que Vittore Carpaccio. Cipriani, debido a la similitud cromática de su invento con los lienzos de Carpaccio, le contestó a la condesa: “Carpaccio de Ternera”. La condesa se fue contenta y así quedó bautizado aquel nuevo plato con el nombre de Carpaccio, el talentoso pintor del Quattrocento veneciano.

Así nació y fue bautizado este célebre plato de la gastronomía internacional. En el Harry’s Bar de Venecia aún se puede disfrutar del tradicional carpaccio de Cipriani. Sin embargo, como sucede con todo invento gastronómico, la receta original hecha con carne de ternera cruda, fue modificada una infinidad de veces, y el carpaccio se presenta hoy de mil y un maneras, manteniendo como rasgo característico el corte en finas láminas de los ingredientes utilizados, que pueden ser diversas carnes o pescado crudos, mariscos o incluso frutas y vegetales.

Definitivamente para Vittore Carpaccio ser recordado por un famoso plato de la gastronomía internacional, no debe haber sido el legado que hubiera deseado dejar a la posteridad. ¡Pero al menos su nombre es repetido miles de veces cada día por comensales en todo el mundo, ansiosos por deleitarse con aquellas finas láminas que recuerdan sus delicadas pinceladas!

Tendencias Otoño Invierno 2011

Si bien con estos calores el fresco aún parece una lejana frontera, hay que estar preparadas para saber lo que se viene la próxima temporada. Tomen nota, así ni bien lleguen las colecciones de la nueva temporada a las tiendas ya sabrán qué elegir para estar a la moda.

Atípicamente, este invierno nos verá menos grises y más coloridas ya que los diseñadores proponen colores audaces e intensos así como accesorios ostentosos y mucho, mucho brillo. ¡La moda otoño-invierno 2011 viene cargada de color y diversión y en esta edición les invitamos a descubrirla!

Tartanes: Los tartanes o estampados escoceses se verán en todas sus formas y en todos los colores, inundando desde faldas, sacos, abrigos, camisas y hasta leggins. Son las opciones más acertadas para dar vida a un atuendo casual. Las camisas de leñador y las faldas tableadas con estampados escoceses serán un must.

Animal Print: No hay nada mejor que los estampados felinos para elevar nuestro nivel de sensualidad. Este invierno nuevamente el animal print se verá muchísimo tanto en las prendas como en los accesorios. ¡Esta temporada es hora de que saquen su felina interior y digan Miauuuu!

Guantes largos en cuero: Muchos diseñadores optaron por accesorizar sus conjuntos con guantes de manga larga ya sea hasta la mitad del brazo o hasta arriba del codo en cuero, cuerina o látex. Son ideales para lucir con los abrigos y capitas de mangas ¾ que se verán esta temporada. ¡Si quieren ser las más glamorosas y sexy de la noche, no duden en usarlos!

Invierno colorido: Los colores de esta temporada definitivamente desafiarán a la estación. Si bien se verá mucho marrón, también tendrá especial destaque el color. Se viene toda la gama de los violetas, pasando del morado al orquídea y hasta el fucsia. También se verá mucho el amarillo, el verde esmeralda y el azul índigo. Los colores intensos no solo se llevarán en la ropa, sino también en el maquillaje.

Labios Rojos: Este invierno se dará especial destaque a los labios coloreándolos de rojo para hacerlos más impactantes y fabulosos. No duden en adoptar esta tendencia tan glamorosa para sus eventos nocturnos.

Centellantes Brillos: Las propuestas de los diseñadores nos invitan a relucir en la noche apostando al brillo en todas sus formas. Se verán muchas tachas en accesorios como bolsos y botas, así como en vestidos y sacos. Las prendas con incrustaciones de cristales, bordados dorados y lentejuelas no podrán faltar en su guardarropa. También primarán los tejidos metalizados (sobre todo mucho brocado y lamé) y el cuero dorado ya sea en sacos como en accesorios.

El retorno del Camel: Este año el protagonismo caerá en las prendas de color camel. Se lo verá sobre todo en abrigos, sweaters y sacos. Para verse chic durante el día, apuesten a este color tan sofisticado, cálido y natural. Es una apuesta siempre segura.

Cuero: El cuero no se limitará a los calzados, cintos y bolsos, aparecerá en gran variedad de prendas de los más diversos estilos, desde el look rockero con camperas de motocicleta en cuero negro con cierres y tachas, hasta los looks más clásicos con sacos entallados en cuero marrón o faldas entubadas negras.

Detalles en piel: Cuando llegue el frío, de seguro no las encontrará tiritando pues en las prendas abundarán los cuellos y puños en pieles como el astracán, conejo o visón y también sus equivalentes más ecológicas: las pieles sintéticas.

Tejidos sofisticados: Los brocados y el terciopelo serán los ejes de la tendencia nocturna. Siguiendo la línea de los años 70 que toma al glam rock y a los diseños de Yves Saint Laurent en esta década como inspiración. Estos glamorosos tejidos son ideales para conjugar sofisticación y abrigo para las noches de frío.

Énfasis en la cintura: Los complementos indispensables para la temporada son los cintos ajustados para acentuar la cintura. Se llevará mucho por encima de sacos y abrigos. También se verán muchos pantalones de cintura así como muchas faldas campana de cintura. La silueta del otoño – invierno 2011 apuesta por dar volumen a los hombros, entallándose en la cintura.

Maxi Accesorios: la consigna de la temporada es animarse a la exuberancia. El gran tamaño será el rasgo distintivo de todos los collares, pulseras, aros y anillos que acompañen los looks. Todos se caracterizan por ser muy llamativos y exuberantes, mezclando dorado y plateado, con perlas, piedras y pasamanerías. Los collares serán la vedette de la temporada. Serán más voluminosos y cortos que en temporadas anteriores, destacándose los collares de muchas vueltas. Las pulseras siguen la misma estética destacándose por su volumen y por estar repletas de detalles llamativos.

Faldas Largas: En las últimas colecciones la minifalda ha dominado la pasarela, pero los diseñadores este año han decidido ir de largo tanto para el día como para la noche. Los nuevos largos van desde la rodilla hasta el piso tomando todo tipo de formas y texturas, aunque la predominante ha sido el corte estilo años ’50 con las faldas campanas entalladas en la cintura.

Bolsos de Lady: Esta temporada estará marcada por el regreso de los clásicos bolsos anchos de mango corto. Se los llama bolsos de lady por ser muy femeninos. ¡Si bien no son tan cómodos pues no se los puede llevar al hombro, su elegancia es indiscutible y suple cualquier incomodidad!

Maquillaje intenso: Este invierno se optará por un maquillaje que se aleja de lo natural para volverse más intenso y seductor. En los ojos se retoma el delineador negro intenso con trazos gruesos y sombras en colores morados o azules. Para los labios triunfa el rojo y los tonos granates. Como la tendencia de maquillaje apuesta por dar protagonismo a los ojos y labios, el rubor se vuelve más discreto en suaves tonalidades para definir los pómulos.

Melenas Felinas: Se acabó el reinado del cabello lacio, la tendencia para la próxima temporada apuesta por los rulos y los volúmenes. El pelo se llevará largo y batido, con muchas ondas y rulos. Para los cabellos cortos se apuesta a los cortes provocadores y arriesgados inspirados en los años ’80. El platinado se impondrá también en las cabelleras, sobre todo en aquellas más cortas.

Botas y botines: Este invierno las botas serán las más populares. Los botines de taco alto seguirán en boga, así como las sandalias abotinadas. Se verán mucho los botines acordonados o abotonados. Junto con los botines, los zuecos también continuarán conquistando el espacio que ganaron la temporada anterior. Otro remanente del invierno anterior serán las botas por encima de la rodilla. Las botas bajas y acordonadas tipo borceguíes harán una importante aparición esta temporada.