Ágoras Posibles

Los shoppings surgen en Latinoamérica en la década del ‘70 y se tornan paulatinamente templos de la circulación cívica pública. Son las nuevas plazas, guardando las distancias necesarias, puesto que están dirigidos de manera específica al consumo y la distracción, ya sin el carácter de “ágora” o espacio cívico de discusión que tenían los antiguos mercados y plazas. De cualquier modo, se trata de espacios importantes: los más concurridos y ocupados de las ciudades modernas.

Aprovechando este nuevo fenómeno, y en pos de un objetivo básicamente comercial, aunque sin desdeñar los aspectos estrictamente culturales que llevan a una persona a dedicarse al arte, en noviembre de 1996, inauguré un espacio de exhibición en el Mariscal López Shopping para ofrecer a las personas un contacto más cercano con las obras de arte.

Aquí, en el centro de la sede paradigmática del mercado desarrollamos también experiencias que significan contrapuntos y crean un lugar de intersección entre propuesta artística y objeto de venta para ello contamos con el espacio denominado “Paseo de las Artes” (en la planta baja del shopping) que es el lugar ideal para las muestras de arte.

A título ilustrativo tendremos en este tiempo la propuesta de dibujos del artista Tony Roberto, las pinturas de Sebastián Boesmi, quien trabaja y reside actualmente en Barcelona y los trabajos de Félix Toranzos, artista ya consagrado pero en permanente renovación de lenguaje y soporte.

Verónica Torres

TONI ROBERTO

Salvador Roberto Godoy, nació en Asunción y pertenece al primer grupo de “Educación por el Arte” implementado por primera vez en el Paraguay a mediados de los ‘70 en el Colegio Cristo Rey por la profesora Olga Blinder. En 1979 obtiene la Mención especial del jurado, presidido por el Prof. Osvaldo González Real en el concurso de dibujo para niños organizado por las Líneas Aéreas Alemanas, para Latinoamérica. Entre 1980 y 1986 realiza talleres de diseño y color con los maestros Livio Abramo y Edith Jiménez; talleres de Historia del Arte con el Prof. Miguel Ángel Fernández en el Centro de Estudios Brasileños. También realiza talleres de “Apreciación de la Instalación” con el artista brasileño Nuno Ramos y de Historia del Arte con Dorotea Willert, directora del Museo de Badem Baden, con quien realiza el proyecto “Paseos Culturales Asuncenos” en 1993.

En el 2003 obtiene el Segundo Premio Anual "Comité Olímpico Paraguayo", para las Olimpiadas de Atenas 2004. En el 2005 es convocado por la cineasta Paz Encina para graficar la película "Hamaca Paraguaya", para la cual realizó una serie de 18 dibujos. Al año siguiente es seleccionado por la Embajada del Brasil para clasificar el archivo del taller de grabado "Julián de la Herrería" y realizar la selección, exposición y el libro "50 años del grabado en el Paraguay"1956-2006. Su obra integra las colecciones del: Hotel Sheraton, Comité Olímpico Paraguayo, Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo, El Cabildo; así como varias colecciones privadas del Paraguay, Uruguay, Brasil, Argentina, EE.UU. e Italia. Es además columnista invitado del Correo Semanal de Diario Ultima Hora.

Su obra más reciente, “Líneas en el bicentenario”, parte de una convocatoria de Verónica Torres Colección de Arte, con la idea de hacer un “racconto” de la historia de los doscientos años a partir de la simple línea. Los dibujos estarán expuestos en unas largas mesas en el “Paseo de las Artes” del Mariscal López Shopping, con un recorrido total de 20 metros. “Líneas en el Bicentenario” es una interpretación muy personal de los doscientos años, no es una historia lineal, no pretende contar ninguna historia conocida, sino partir de la experiencia del artista con el dibujo y su investigación de la línea.

En esta historia narrada por el artista a través de la línea, se entrecruzan casas coloniales como la Casa de la Independencia, señores y personajes del siglo XIX con automóviles futuristas, casas de Pindú de los años 70 o de arquitectura moderna “cincuentosa” del Arq. Natalio Bareiro. Con su obra el artista busca remover el pensamiento de las personas y que cada uno haga su historia propia, muy personal, de la historia colectiva. A estos dibujos siempre acompañan al pié textos históricos que también se entrecruzan sin lógica alguna, a la manera de cuentos personales. El artista recalca: “Sólo pretendo contar mi visión con una simple tira de papel ayudado por una plumilla antigua y por litros de tinta y seguir demostrando que el dibujo da para mucho más si buscamos formas nuevas no repetidas.”

SEBASTIÁN BOESMI

Nació en la ciudad de Salta, Argentina, el 22 de diciembre de 1980 y reside en Asunción, Paraguay desde 1983. Su naturaleza creativa lo llevó inicialmente a la Facultad de Arquitectura, carrera que en el 2003 cambió por las Artes Plástica ingresando en la Facultad de Arquitectura y Diseño - Instituto Superior de Artes de la Universidad Nacional de Asunción. Persiguiendo su vocación artística, participó de diversos cursos de Xilografía, Arte Digital, Pintura y Diseño en Asunción, Buenos Aires, Nueva York, Paris y Barcelona. En 2008 recibió el “Premio Henri Matisse” y expuso en Paris, en la Galería “Hebert Art Contemporain”.

Empezó a exponer en exposiciones colectivas a partir del 2000 y en 2007 concreto su primera exposición individual, en la “Galería Casa Mayor”, organizada por “Verónica Torres Colección de Arte”, galería que desde aquel entonces mantiene un seguimiento de la producción del artista y recibe obras novísimas producidas actualmente en Europa.

Recientemente fue seleccionado en el XXXVII Premio Bancaja de Pintura, Escultura y Arte Digital. Dicha selección será presentada en los meses de julio y agosto de 2011 el Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM. Ser seleccionado por esta convocatoria resulta muy importante ya que se presentaron muchos artistas de todo el mundo y sólo eligieron 28 artistas en mi categoría que es pintura. Actualmente sus obras integran colecciones privadas en Asunción, Buenos Aires, México, EE.UU., Colombia, Italia, Suiza, Francia y España.

En las obras expuestas actualmente en la colección de Verónica Torres, el artista destaca los aspectos formales de volver a lo pictórico, investigar y fomentar la relación entre los artistas con los que trabajó en el atelier; con la creencia de que el arte es un estado de encuentro, de comunicación, y que el dialogo entre los artistas es sumamente importante. En las obras se puede apreciar como las diferentes influencias se transforman en nuevas formas, en nuevas propuestas. Al respecto, el artista sostiene: “A veces está bien imaginar cosas, pero a veces no. Creo que el arte no se enseña, se imagina y se transforma.”

FELIX TORANZOS

Nació en Asunción, Paraguay en 1962. Artista plástico, arquitecto, diseñador gráfico, escenógrafo. Realizó estudios de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción. Dictó clases de dibujo y pintura en los Talleres del Centro de Artes Visuales. Su obra forma parte del acervo del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo del Centro de Artes Visuales. Integra además la colección del Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos, Washington.

Desde 1979 se exponen sus trabajos en numerosas exposiciones colectivas e individuales organizadas por diversas galerías y centros de arte de Asunción y el extranjero. En 1998 recibe el premio “Pedro Agüero”, por su trayectoria artística y en el año 2003 el Primer Premio del concurso “Expresión” organizado por Fuschia.

Participó en diversas Bienales de Arte, tales como las de: 9na. Exposición Internacional de Dibujo, Museo de Arte Moderno, Rijeka, Yugoslavia; 1ra. Bienal Latinoamericana de Arte sobre papel, Buenos Aires, Argentina; 19na. Bienal Internacional de Arte de Sao Paulo, Brasil; 5ta. Bienal del Retrato, Tuzla, Yugoslavia; 1ra. Bienal de Arte Joven, Buenos Aires. Argentina; Ferias Internacionales de Lima, Perú; 1ra. Bienal de Arte del Mercosur, Porto Alegre, Brasil; II y IV Bienal de Cuenca, Ecuador.

Las obras que presenta actualmente se refiere a temas de tres escenas de la vida de Cristo: La Última Cena, La Crucifixión y El descendimiento de la Cruz. Éstas pertenecen a una nueva serie próxima a exponerse en la galería Casa Mayor. Las dos obras expuestas en el Paseo de las Artes del Mariscal López Shopping pertenecen a esta serie. Una titulada "Miro al Cielo" y la otra "Descendimiento", fueron inspiradas en obras de maestros clásicos de la pintura. Ambas están elaboradas en la técnica del grafito y pintura acrílica y tienen una medida de 1.50 x 1.50 mts.

Verónica Torres Colección de Arte

Mariscal López Shopping, planta baja, local 26

Tel. 608 512

veronicatorresarte@gmail.com

ENTREVISTA PING PONG: JAVIER SAIACH Y CARLOS BURRÓ

En esta edición les presentamos a dos talentosísimos diseñadores nacionales: Javier Saiach y Carlos Burró. Javier Saiach tiene una trayectoria de más de diez años en el mundo de la moda, durante los cuales ha vestido a figuras como Araceli González, Mirtha Legrand y Andrea Frigerio , ha estado presente en las mejores pasarelas de México, Argentina, Uruguay y Paraguay y ha sido el protagonista de varios especiales para E! Entertainment Television y Fashion TV. Por su parte, Carlos Burró se formó en el prestigioso Instituto Marangoni de Milán, Italia y desde su regreso al Paraguay en el 2009 se ha lucido en las pasarelas nacionales, convirtiéndose en toda una promesa de la moda paraguaya.

Tras una divertida sesión fotográfica y unas copitas de vino, accedieron a seguir la consigna: divertirnos con su habitual ingenio y las respuestas más delirantes y sin tapujos, contestando a cada una de nuestras preguntas con mucho humor y altas dosis de ironía.

¿A qué ícono de la moda le gustaría vestir y qué le pondrían?

Javier: A Rita Hayworth. Le pondría unos palazos bien anchos, una camisa blanca tipo smoking y un abrigo de armiño… ¡una Gilda del 2011!

Carlos: A la Marquesa Casati. Le pondría un vestido de brocatto carmesí.

¿Qué personaje imaginario elegirías para protagonizar tu campaña?

Javier: ¡A Tinkerbelle porque es una yegua pocket y a Jessica Rabbit que es una chica re Saiach!

Carlos: ¡A Maléfica, la mala de la Bella Durmiente!

¿Pieles, sí o no?

Javier: Pieles siempre y jamás sintéticas. ¡Quiero que Cruella De Vil quede básica!

Carlos: Sí, ¡la de todas las modelos que posaron para PETA! ¡Ja ja ja!

¿Puede una bisutería suplir a un diamante?

Javier: ¿Me estás cargando? ¡Supongo que es una broma de mal gusto!

Carlos: Sólo en un dedo de clase media…

¿Flores y bombones o diamantes y descapotables?

Javier: ¡Todos! ¿Por qué no? ¡Me lo merezco!

Carlos: Los bombones engordan. Las flores se marchitan. Los descapotables pasan de moda… ¡Los diamantes son eternos!

¿Qué material imposible usarían para hacer un vestido?

Javier: Tul fabricado con pétalos de rosas y bordado con mariposas aleteantes.

Carlos: ¡Para mí el poliéster sería lo impensable!

¿Qué debe tener toda mujer elegante en su ropero?

Javier: Joyas, pieles, un maxi vestido negro, un vestido de cóctel con mucho brillo, un zapato nude, un maxi bolso, una Birkin de Hermés, una camisa blanca mangas largas y ropas en tonos básicos como el negro, el camel, beige y un toque de animal print.

Carlos: Un vestido negro que calce perfecto, una camisa blanca de buen material, un collar de perlas y un buen abrigo de piel.

¿Sobriedad o Exuberancia?

Javier: ¿Me repite la pregunta por favor? ¿Qué es la sobriedad? ¡La exuberancia obviamente es lo que mueve mis sentimientos hacia la moda!

Carlos: Depende exclusivamente de la percha. Creo que una mujer puede ser exuberante sin ser vulgar, así como puede ser sobria sin ser aburrida.

¿Cómo es tu clienta ideal?

Carlos: ¡Rica!

Javier: ¡Muy rica!

¿Cuáles son tus caprichos?

Carlos: ¡Ay, tengo tantos que me ponés en un aprieto! Me gusta el buen cristal, el buen vino, la buena mesa, poder oler gardenias y disfrutar de una noche estrellada cualquier día del año.

Javier: Viajes a destinos nuevos, tener siempre flores naturales y frescas en mi casa y tener una cantidad absurda de relojes a pesar de que ni siquiera me importa la hora.

¿Qué es la moda para vos?

Javier: Es una forma caprichosa de mostrarse ante la gente, a veces obsesiva y otras insolente.

Carlos: Para mí lo es todo. Es el último pensamiento que tengo antes de dormir y el primero cuando me despierto. Un mecanismo de defensa y un lujo lleno de disfrute.

¿A quién no le vestirías ni aunque te pagara un millón de dólares?

Carlos: ¡Uf, tengo una lista tan larga! Esposas de políticos, modelos cachaqueras y amantes oportunistas.

Javier: Ni a Kelly Osbourne ni a la Duquesa de Alba.

¿Qué es lo peor que te dijo alguna vez una clienta?

Javier: “No importa, prefiero el sintético… pero hacéme descuento.”

Carlos: Una clienta gordita que me decía que la ropa le dejaba gorda. Le quería contestar: “Te equivocaste de Carlos. No soy Carlos Bacchetta, soy Carlos Burró. No soy cirujano plástico, soy diseñador. ¡No te puedo hacer una lipo, sólo puedo hacerte un vestido!”

¿Cuáles son los complejos y las manías que suelen encontrar en las mujeres a la hora de vestirlas?

Javier: Las mujeres de medidas casi perfectas encuentran defectos que no tienen y muchas otras no se ubican en cuanto a edad, peso, ni gusto.

Carlos: Creen en miles de mitos. Que el recogido avejenta. No avejenta, lo que avejenta es el sol. Que la ropa ajustada deja más flaca. No adelgaza, hay que saber embocarle al talle. Que el maquillaje cargado favorece. ¡Es una máscara lapidaria!

¿Cuáles consideran los mayores pecados de las paraguayas a la hora de arreglarse para una fiesta y que consejos les darían?

Javier: El exceso de maquillaje. ¿Acaso no saben que lo natural está de moda? La cantidad de espray que usan en el cabello. ¡Les diría que paren de dañar tanto al ozono! El abuso de los escotes y de las ropas ajustadas. ¡Hace siglos que lo oversize está de moda y todavía no se enteraron!

Carlos: El exceso en el arreglo. Demasiado pelo, demasiado maquillaje, ¡demasiado brillo, con demasiado TODO! Les aconsejaría que acerquen todo lo posible el color de pelo a su color natural, que dejen de embustirse tanto, que no se aparten de las fibras naturales y que antes de salir de la casa se saquen una capa de maquillaje.

¿Qué comprarían en el Mariscal López Shopping de tener a su disposición fondos ilimitados para darse el atracón de compra de sus vidas?

Javier: Joyas de Chopard de Vendome Center y vajilla de Tiffany de Nueva Americana. Todos los modelos nuevos de Nike y el auto del Club M.

Carlos: Vaciaría Della Poletti, luego me compraría todas las biografías interesantes que encuentre en Quijote, y por último me compraría el carrusel del Mariscal Play para ponerlo en mi patio.

¿Qué admiran del estilo del otro?
Javier: A mí me gusta mucho el toque moderno de Carlos. Las nuevas combinaciones de colores y los metros de género que usa para lograr ese dramatismo que le da a cada look.

Carlos: Creo que Javier es uno de los pocos que puede componer con brillos, color y textura un vestido dramáticamente lujoso. ¡Admiro el dominio que tiene del exceso!

FUNDACIÓN MIGLIORISI

La Fundación Ricardo Migliorisi es un emprendimiento del renombrado artista paraguayo, quien, no contento con su propio legado pictórico, tomó la iniciativa de abrir al público sus diversas colecciones de arte reunidas de manera privada a lo largo de su carrera. Las colecciones que constituyen el acervo de este nuevo museo han sido integralmente donadas por el artista a la Fundación con el objetivo de exponerlas al público local y de los visitantes extranjeros.

Las mismas se encuentran albergadas en el museo de la Fundación Migliorisi, un edificio de 400 metros cuadrados, con salas de exposición, depósito y un auditorio multiuso. Este museo, sede de la fundación y base de sus colecciones, se encuentra ubicado de manera contigua al Centro de Artes Visuales/Museo del Barro.

Además del museo, el programa de la Fundación Migliorisi se completa con tareas de preservación, difusión y promoción del arte a través de exposiciones temporales, conferencias, cursos y seminarios sobre arte.

Para el artista, la Fundación Migliorisi es por sobre todo un legado, un salvataje de piezas que se podrían haber ido del país y que preservadas en las colecciones de la Fundación, constituyen un aporte de suma importancia para el patrimonio cultural del Paraguay y enriquecen la institucionalidad museal de nuestro país.

¿Cómo surge la Fundación Migliorisi?

"La Fundación Migliorisi, Colecciones de Arte", surge a partir de acervo que fui haciendo a lo largo de los años, de imágenes religiosas tanto jesuíticas como populares y franciscanas; pertenecientes a los siglos XVIII, XIX y XX. Además de pinturas, grabados y dibujos tanto de mi autoría, como de artistas extranjeros. Hay que recalcar también que además de tejidos antiguos de otros países la colección se fue engrosando con un enorme lote de joyería paraguaya, tanto del siglo XVIII, XIX y XX. La idea fue siempre la de salvaguardar estas piezas, de exponerlas en el país, y evitar su venta en mercados de otros países.

¿Cuáles son las metas de la Fundación?

La meta de la Fundación, como decía, más arriba, es de exhibir todas estas colecciones dejando así, un legado para el país y para las generaciones del futuro. Es también nuestro objetivo exponer obras de artistas contemporáneos tanto del Paraguay como del extranjero. De hecho, se han estado exhibiendo exposiciones de artistas de muchos países, tanto pinturas, dibujos, instalaciones y de video arte. Muchas de estas exposiciones se han exhibido en conjunto con el Centro de Artes Visuales, Museo del Barro.

¿Qué Proyectos tienen previstos para este año?

Proyectos hay muchos, esta es la segunda exhibición que se hace con respecto al año 2011. Son dos muestras a la vez; una de la proyección de 14 libros digitalizados de dibujos de mi autoría y al mismo tiempo, el lanzamiento de tres neceseres de PONDS, con imágenes de un cuadro mío creado especialmente. En este caso, es un homenaje a la mujer y más concretamente al Día de la Madre.

¿Cómo celebra la Fundación Migliorisi el Bicentenario?

La Fundación Migliorisi está abocada a la celebración del Bicentenario con una muestra muy especial de joyería paraguaya. Es decir, un dialogo con la joyería tradicional y la joyería contemporánea realizada por Fiorella Galli, quien sigue la tradicional técnica de nuestra joyería con diseños más contemporáneos.

¿Cómo se puede ayudar a la Fundación Migliorisi?

Bueno, ese es un tema bien difícil, sobre todo en nuestro medio. Si bien empresas como UNILEVER e ITAU, se han acercado a nuestro museo con la inquietud de ayudar a las distintas expresiones de arte y de hecho están colaborando con la Fundación, ojala otras empresas sientan la sensibilidad y necesidad de colaborar con este sueño que es la Fundación Migliorisi.

Quiero agradecer a la gente que dona su tiempo y colabora con esta causa que es preservar el arte nacional y dejar así un legado importante. Gracias también al Senado de la Republica que colabora con nuestro sueño.

http://www.fundacionmigliorisi.org.py/content/

Louis Pasteur: El padre de la enología

“Hay más filosofía y sabiduría en una botella de vino que en todos los libros.”

- Louis Pasteur

Al pedir una copa de vino, muchos ignoramos todo el trasfondo que se esconde detrás del proceso que involucra producir una buena botella de vino; pormenores como la temperatura, el maritaje, la cepa y las cualidades visuales, olfativas y gustativas que envuelven a este brebaje tan noble. Louis Pasteur sabía que detrás del vino existía una tradición milenaria, una alquimia de aromas y sabores que llenaba a cada copa de cultura, historia, filosofía y sabiduría. De hecho, el padre de la microbiología también podría ser llamado el padre de la enología, pues la publi¬cación de su libro “Etudes sur le vin” (Estudios sobre el vino), en 1866, revo¬lucionó la forma de hacer vino en el mundo.

El gran químico, Louis Pasteur nació un 27 de diciembre de 1822 en Dole, Francia. Sus descubrimientos tuvieron enorme importancia en diversos campos de las ciencias naturales, sobre todo en la química y microbiología y por supuesto también en el área que nos compete: la gastronomía y la enología. A él se debe la técnica conocida como pasteurización. De seguro la mayoría de ustedes ya lo conoce por el proceso de pasteurización de la leche, pero tal vez ignoran que la pasteurización se aplicó primero al vino y a la cerveza.

Para los 34 años, Pasteur ya había obtenido un doctorado en química y una cátedra en la Universidad de Lille. En 1856, M. Bigo, padre de uno de sus alumnos y dueño de una destiladora de alcohol local, se dirigió a él para que lo ayudase a resolver un problema que dificultaba la obtención de sus productos. El proceso involucraba la fermentación de la remolacha para producir alcohol etílico, pero frecuentemente el contenido de los recipientes se agriaba y en lugar de alcohol, se obtenía una sustancia parecida a la leche agria. Al solicitarle Bigo que investigara el caso, Pasteur, como todo buen francés amante de las bebidas, accedió encantado. Primero, analizó químicamente el contenido agrio de los recipientes y concluyó que contenían una considerable cantidad de ácido láctico en lugar de alcohol. Después, comparando los sedimentos de diferentes recipientes, con la ayuda de un microscopio, observó que en aquellos donde había ocurrido la fermentación alcohólica se veía una gran cantidad de levaduras, mientras que en las que había ácido láctico se veían “glóbulos mucho más pequeños que los de la levadura”. Este hallazgo indicaba que se encontraba frente a dos tipos de fermentaciones (en este caso alcohólica y láctica), que involucraban a dos tipos de microorganismos (levaduras y bacterias, respectivamente). En los años siguientes, Pasteur identificó y aisló los microorganismos responsables de la fermentación en la producción del vino, cerveza y vinagre.

El descubrimiento de la fermentación por Luis Pasteur representó un paso gigante para la ciencia. En esa época, aunque reconocían la presencia de levaduras en la fermentación alcohólica, las consideraban productos o catalizadores de la fermentación. Pasteur demostró, nada más ni nada menos, que las levaduras eran la causa de la fermentación en condiciones anaeróbicas (con baja concentración de oxígeno). El papel del oxigeno no fue descubierto hasta 1863, cuando Napoleón III pidió a Louis Pasteur, que averiguase por qué tantos vinos se deterioraba en su camino hacia el consumidor, con grave perjuicio para el comercio francés.

Estudiando las enfermedades del vino y la cerveza, Pasteur demuestra que los hongos de los vinos, siempre presentes, son los causantes de la fermentación acética, que se produce cuando el vino entra en un contacto excesivo con el aire, permitiendo el desarrollo de la bacteria del vinagre (acetobacter), responsable de malograr la formación y conservación del vino. Por otra parte, descubrió que son muy pequeñas las cantidades de oxigeno que producen la maduración de los vinos, que la acción del oxigeno no es brusca sino gradual, y que en una botella de vino hay disuelta suficiente cantidad de oxigeno como para desencadenar un proceso de envejecimiento que dure años.

Pasteur demostró también, al guardar vino herméticamente en tubos de ensayo alternativamente llenos y semillenos, que el oxigeno en el aire del tubo semilleno causaba en pocas semanas el mismo sedimento que se encuentra en las botellas muy viejas, que desteñía al vino tinto y que oscurecía al vino blanco, afectando a su color exactamente como lo hace una edad muy avanzada.

Pasteur averiguo también que incluso el vino cuidadosamente aislado del aire tiene oportunidades para absorber oxigeno, por ejemplo, cuando es trasegado de una barrica a otra o a través de los poros de la madera.

Estas investigaciones aplicadas al vino, estos primeros descubrimientos y deducciones, ampliamente conocidos hoy día, constituyeron el punto de partida de la enología como ciencia del vino. Utilizó un nuevo método para eliminar los microorganismos que pueden degradar al vino, la cerveza o la leche, después de encerrar el líquido en cubas bien selladas y elevando su temperatura durante un tiempo corto. Descubrió que si se calienta el vino durante un minuto con la botella cerrada (69-75°C), se evita su descomposición. A pesar del rechazo inicial de la industria ante la idea de calentar vino, un experimento controlado con lotes de vino calentado y sin calentar demostró la efectividad del procedimiento. Había nacido la pasteurización, el proceso que actualmente garantiza la seguridad de numerosos productos alimenticios del mundo. Gracias a este procedimiento ideado por Pasteur, no solo consumimos productos más saludables, sino también se los puede conservar por mayor tiempo.

El mismo Pasteur decía que “el vino es el más saludable e higiénico de los brebajes” y gracias a él, lo fue aún más. La próxima vez que se encuentre frente a una copa de un buen vino añejado, disfrútela, pero no sin antes elevarla ofreciendo un brindis por Pasteur, responsable de que la “delicada poesía de su sabor ” haya llegado en tan buen estado a su copa.

Moda infantil: Grandes diseñadores, Tallas pequeñas

La moda infantil es uno de los ramos de la moda que más ha crecido en los últimos tiempo y los diseñadores más prestigiosos, se han dado cuenta de ello, ocupándose de diseñar para estos fashionistas de tallas pequeñas. Gigantes de la moda como Armani, Dior, Marc Jacobs, John Galliano, Donna Karan, Gucci o Ralph Lauren dedican el mismo esfuerzo y creatividad a la línea infantil de la firma.

Es un hecho, la alta moda ya no es sólo para los más altos. Las principales firmas están diseñando fabulosas líneas infantiles impregnadas de su habitual lujo y creatividad. Pero que los tamaños sean menores no quiere decir que sus precios lo sean… la mayoría tiene precios tan prohibitivos como las prendas de las colecciones de adultos.

Gucci, Fendi, Marc Jacobs y Stella McCartney son algunos de los diseñadores que recientemente incluyeron colecciones infantiles a sus marcas. La reciente apertura de un salón en Harrod’s dedicado exclusivamente a las prendas infantiles de diseñador demuestra el enorme crecimiento que está teniendo este sector. La estrategia de abrir líneas infantiles tiene sentido, si los padres pueden pagar prendas de diseñador para ellos, seguro lo harán también para sus hijos. Una encuesta realizada por la BBC Money Programme en el 2007 reveló que el 65% de los padres encuestados admitía gastar más dinero en ropas para sus hijos que en ellos mismos. Por otro lado, las colecciones infantiles tienen otro beneficio para las grandes marcas, los niños dejan las ropas rápido, por lo que siempre hay más ventas. De hecho, en la Unión Europea, las líneas infantiles lideran las ventas.

Otros factores que probablemente inciden en el crecimiento de las ventas de las prendas firmadas para niños es la obsesión del público por las celebridades (cuyos hijos visten prendas de diseñador de pies a cabezas), la cultura del consumo y el intento de los padres por compensar el poco tiempo que pasan con sus hijos consintiéndoles con prendas caras.

¿Quiénes compran estas prendas de lujo para sus hijos? Asombrosamente no solo lo hacen los ricos y famosos, sino también los padres de clase media que compran estas marcas aspiracionales de lujo con la intención de darles a sus hijos todo lo mejor que puedan.

Con tantos incentivos, no es difícil de comprender como tantos grandes diseñadores apuesten por la moda infantil, y debemos admitirlo, resulta imposible no adorar sus mini creaciones. La manera en la que los diseñadores logran replicar su estilo característico, dentro de su línea estética volcándose al diseño de colecciones de prendas infantiles que representan sus marcas es verdaderamente asombrosa. Muchos diseñadores como Paul Smith, Missoni y Jean Paul Gaultier aplican un enfoque de “mini me” a sus colecciones infantiles. Plasman en miniatura versiones más tiernas de sus diseños para adultos. Así Jean Paul Gaultier presenta pequeñas remeras con sus características rayas horizontales, Burberry lanza adorables mini versiones de sus famosos trenchcoats y Paul Smith y Missoni aplican sus particulares diseños multicolores a prendas mucho más reducidas que las habituales.

Para otras prendas, que se caracterizan por un estilo mucho más sexy y glamoroso, como es el caso de Gucci y Roberto Cavalli, crear líneas infantiles sin salir de su estética presenta todo un desafío. Pero lo sortean con su habitual creatividad. Para sus colecciones infantiles, Gucci rescata de su archivo los tradicionales emblemas de la marca, como el bambú y los herrajes ecuestres, para incorporarlos a sus mini diseños. Cavalli se mantiene fiel a su pasión por el animal print y los brillos, aplicándolos en sus diseños de una manera mucho más lúdica y atenuada.

Hoy en día los más pequeños pueden también vestir a lo grande, llevando prendas de importantes diseñadores, fabricadas con gran detalle, siguiendo los más altos estándares de producción y empleando materiales exclusivos y de gran calidad. En esta edición les invitamos a conocer algunas de las principales marcas de moda que han se han expandido al mercado de la moda infantil y los fascinantes productos que ofrecen.

Agatha Ruíz de la Prada: La excéntrica y versátil diseñadora española extiende su colorido y lúdico universo a su línea infantil proponiendo diseños llenos de humor y optimismo, extraordinario colorido y por supuesto sus tradicionales y vibrantes estampados de flores, nubes y corazones. Su línea de Bebé contiene prendas y accesorios para niños y niñas de 0 a 3 años y su línea para niños y niñas parte desde los 4 hasta los 12 años. Una verdadera ternura sus sandalias de esparto para bebés y sus coloridos vestiditos para niñas.

 Armani Junior: Giorgio Armani, el emperador italiano del buen gusto, presenta una colección infantil muy contemporánea que combina su habitual elegancia y confort con las últimas tendencias de la moda. Fieles a la filosofía Armani, sus diseños infantiles mantienen su estilo elegante, sobrio y refinado, así como la atención a los detalles y el empleo de los mejores materiales que las hacen extremamente ponibles y duraderas. Su línea Junior se subdivide en Armani Baby, Armani Junior y Armani Teen.

Baby Dior: La línea infantil de la marca francesa Christian Dior es sin dudas la más conocida entre las prendas de lujo para niños y también una de las pioneras. La primera boutique de Baby Dior abrió sus puertas en 1967 en la parisina Avenue Montaigne. Sus colecciones están pensadas para que los más pequeños puedan contagiarse también del glamour y el lujo de la firma Dior. La línea para bebés incluye ítems como batitas en algodón para recién nacidos, biberones, coquetos baberos y chupetes firmados, hasta peluches y ballerinas doradas con la D de Dior incrustada en cristales Swarovski para las bebas más osadas. La línea para niños incluye diversas prendas con el característico sello Dior. Los vestiditos de nena son una verdadera delicia, confeccionados en lujosos géneros como organza de seda o chifón de seda dignos de una princesita. Un ítem aDiorable es la muñeca de trapo Dior que viene con 3 vestiditos Dior para cambiarla.

Burberry Kids: La icónicamente británica marca establecida en Londres en 1856 lanzó su primera línea infantil a mediados de los 90s. Actualmente la línea infantil incluye desde peluches y prendas, hasta los más diversos accesorios, ofreciendo sin lugar a dudas las prendas más impregnadas del british chic del planeta. Sus colecciones, para niños de 0 a 14 años, son bastante conservadoras, en cuanto a que siguen líneas muy clásicas y tradicionales, proponiendo prendas adorablemente irresistibles. ¡Como resistirse a los vestiditos estampados con los cuadros de la casa Burberry o a su mítico trench coat disponible en tallas tan pequeñas como para bebés de 2 años por “tan sólo” 275 dólares!

Chloé Bebe: La firma de lujo francesa fundada en 1956 por Jacques Lenoir y Gaby Aghion cuenta con una preciosa línea infantil exclusiva para niñas. Sus prendas siguen el estilo femenino, delicado y chic de la casa. Sus vestidos son de una gama cromática suave y agradable, con gran simplicidad de formas y detalles finos. Predominan los tonos neutros, empolvados, beige, gris, crudo y rosa iluminados por leves acentos plateados, acordes al estilo de la casa: Moda de lujo pero sin estridencias.

D&G Junior: Siguiendo la estética de D&G (línea del dúo de diseñadores Italianos Doménico Dolce y Stefano Gabbana) esta línea infantil abraza la juventud y la diversión tan presentes en la moda. Ofreciendo prendas creadas para niños y niñas menores de 13 años visiblemente influenciadas por la cultura popular y de un colorido vibrante y divertido. La línea además de las habituales prendas, ofrece zapatos, trajes de baño, ropa interior, anteojos (tanto oftalmológicos como de sol) y fragancias. ¡Sus prendas con estampados florales en colores llamativos y con cuadritos vichy de la última colección primavera verano 2011 son absolutamente deliciosas e ideales para niños con mucho estilo!

Fendi Junior: El gigante de la moda italiana establecido en Roma en 1925 y conocido por sus carteras baguettes y sus exclusivos tapados de pieles recientemente lanzó su línea infantil: Fendi Junior. Para Silvia Fendi, la motivación para lanzar una línea infantil fue muy personal. A enterarse que iba a ser abuela de una niña decidió aliarse con la compañía italiana Simonetta (una de las principales casas de moda infantil) para desarrollar artículos infantiles. Lo que empezó como una línea de baberos, biberones y cochecitos con el monograma de Fendi, se fue expandiendo hasta abarcar toda una línea de indumentaria para niños desde el nacimiento hasta los doce años. Para la Sra. Fendi, el elemento de moda es muy importante en sus colecciones, pero lo principal es que se elaboren a mano y con materiales de primera calidad. En sus colecciones infantiles abundan los estampados florales y los cuadritos, siempre siguiendo el Bon Ton de un look casual pero chic en una auténtica línea de lujo para niños. Entre sus productos más adorables se encuentran las ballerinas para bebés de tela impresas con el logo de Fendi, al “módico” precio ¡de 150 dólares!

Gucci Children: Este gigante del “made in Italy” lanzó su primera línea infantil en junio de 2010 y lo hizo a lo grande. Lanzando su completísima colección simultáneamente en 40 tiendas alrededor del mundo, con una campaña protagonizada por Jennifer López y sus mellizos Max y Emme, acompañada por una donación de un millón de dólares para apoyar las escuelas africanas de UNICEF. La colección incluye prendas y accesorios para niños y niñas de 0 a 8 años. La directora creativa de Gucci, Frida Giannini, todas las colecciones de Gucci de esta temporada, tanto las de adultos como la de los niños, rescata los emblemas icónicos de esta tradicional casa. La colección de niños está hecha con la misma gama cromática y estampados de las prendas para adultos, los famosos monogramas, colores arena, combinaciones de azul marino y blanco, las franjas verde y rojas y los estampados de eslabones y detalles ecuestres tan propios de la casa. El logotipo de la línea, el osito de Gucci. Un detalle encantador: en los gifts sets para bebés viene incluído una versión en peluche del osito Gucci.

Junior Gaultier: el niño terrible de la moda parisina, Jean Paul Gaultier hizo valer su título de niño, lanzando en el otoño de 2009 su primera colección infantil. A su más puro estilo ajeno a los convencionalismos, introdujo su primera colección infantil en su desfile de prét a porter, haciendo desfilar a los niños junto a los modelos. En su línea infantil, para niños y niñas de 2 a 14 años, nunca faltan las prendas cargadas de sus famosas rayas horizontales, estampados escoceses, trajes de marinero, así como min trajes de alta sastrería, todos ellos impregnados de su habitual estilo irreverente y divertido.

Little Marc Jacobs: El más hip de los diseñadores americanos lanzó su primera colección infantil en el 2007. La amplia colección para niños de 0 a 12 años es fiel a la estética cool de Marc Jacobs y su filosofía de no incluir logos en las prendas. Sus modelitos son sin lugar a dudas prendas hipster para los más pequeños. Entre sus ítems más adorables están los estilosos blazers tipo smoking y saquitos de tweed para niños y los impermeables de plástico transparentes bordeados en rojo para niñas.

Moschino Bambino & Junior: La marca italiana establecida en 1983 se hizo famosa por su lema “Clásico con un twist”. Su colección infantil para niños y niñas incluye todo tipo de prendas, pero siempre manteniendo la actitud divertida y llena de humor de la firma. Sus colecciones infantiles hablan por ellas mismas con diseños que llaman la atención, mucho trabajo de moldería, colores intensos y un siempre presente toque de sofisticación para los más pequeños.

3.1 Phillip Lim for Kids: La línea infantil exclusiva para niñas que lleva la firma del talentoso diseñador cambodiano radicado en Estados Unidos es una auténtica réplica en miniatura de su colección femenina. Sus depurados diseños de líneas suaves dan mucho énfasis a las texturas y rinden un homenaje a la belleza de lo simple. Sus prendas infantiles tienen una gama cromática restringida a los tonos tierra, grises y negro, atípicos para niños pero absolutmente chic.

Roberto Cavalli Angels and Devils: Desde que este diseñador italiano lanzó su primera colección en 1972, se ha caracterizado siempre por marcar tendencia en vez de seguirla. Su línea infantil de 4 a 14 años, se divide en prendas para niñas con la colección “Ángeles”, en la cual mantiene su lealtad por su amor por los volados, moños y el animal print y sus prendas para niños “Diablos”, en la cual prevalece su estilo más dark y estructurado, con mucho dénim y colores oscuros. A pesar de estar cargados de animal print, sus diseños igual logran transmitir la ternura de las prendas infantiles, como lo prueban sus escarpines de bebé en leopardo rosa.

Sonia Rykiel Enfant: La admirada diseñadora francesa Sonia Rykiel siempre se ha caracterizado por transmitir su intelecto e individualidad excéntrica a sus diseños. Empezó a diseñar en 1967 sin ninguna experiencia previa cuando, embarazada de su primera hija, no encontraba ropas de embarazada que le gustaran. Al año ya estaba abriendo su primera boutique en París y ya era proclamada como “la reina de los tejidos”. Su colección infantil tuvo un origen similar. Sus nietos la inspiraron a lanzar en 1987 su línea enfant, compuesta por prendas para niños de 2 a 10 años. Sus colecciones infantiles, fieles a su estilo, prestan mucha atención al detalle, con combinaciones vibrantes que celebran con gracia la pasión de Sonia por las combinaciones atípicas de colores, texturas y estampados.

Stella McCartney Kids: Una diseñadora y madre de cuatro hijos como Stella, no podría dejar de tener su propia línea infantil. Durante el embarazo de su cuarto hijo en el 2009 desarrolló con gran éxito dos líneas con su nombre para BabyGap y Gap Kids, repitiendo la alianza en el 2010, diseñando prendas no sólo amigables con el medio ambiente, algo muy importante para Stella, sino que también accesibles, de manera a que no sean tan preciosas y puedan ser usadas y gastadas a gusto por los niños. En el 2010 lanzó su propia colección exclusiva para niños de 0 a 12 años, diseñada con materiales orgánicos y amigables con el medio ambiente e incluso géneros reciclados. Entre las prendas más adorables de la colección se encuentran las botas de goma amarillas para que los chicos salten en los charcos con estilo y los divertidos sacos retro de inspiración militar y unos lúdicos enterizos para niñas con culottes abullonados y alas incorporadas.

MADRE HAY UNA SOLA, PERO TIPOS DE MAMÁS... ¡MILES!

Cumpliendo el juramento que hice el año pasado sobre la tumba de Farrah Fawcett y que este año renové sobre la tumba de la regia Elizabeth Taylor, de no escribir nada melindroso ni cursi sobre las madres en mi columna, este año, he decidido hablar sobre los distintos tipos de madres.

Todas sabemos que madre hay una sola, pero también tenemos clarísimo que TIPOS de madre hay MILES. A cada quien nos tocó una mamá única e irrepetible, y todas ellas con algún rasgo distintivo que las hace algo difíciles de sobrellevar en el día a día. Cuando nos desahogamos con nuestras amigas sobre las penurias que a veces nos hacen pasar, empiezan a brotar centenares de historias sobre peleas, llantos y risas y nos damos cuenta de que no somos las únicas en haber deseado alguna vez que la mamá de nuestra mejor amiga nos adoptara. ¡No estamos solas en el mundo! Todas nuestras madres sin lugar a dudas tienen muchísimas virtudes….pero el combo siempre trae alguna que otra maña.

Ahora pasemos a abordar esta selección de tipos de mamá, en la que seguro encontrarán varias características de la madre que tienen en casa….¡o frente al espejo!

La Madre Sufrida: Es el fiel retrato de la victima eterna y ha hecho del chantaje sentimental su profesión. Nos recuerda una que otra vez que ELLA nos PARIÓ (por supuesto con MUCHÍSIMO dolor tras 34 horas de parto) y cada vez que se siente no despreciada por sus hijos (cosa que suele ocurrir varias veces por día) larga alguna letanía del tipo: “Y pensar que en mi época no existían los pañales desechables y los tenía que lavar A MANO, años me pasé fregando tus chiripás y vos ahora no tenés tiempo de llevarme un ratito al súper…. ¡criarás cuervos!” Al crecer se enferma de hobbie para llamar la atención y por más de hagamos todo lo posible por acompañarla de consultorio en consultorio para tratar cada una de sus múltiples ñañas, basta con que una vez no podamos hacerlo, para que le llame llorando a su comadre a quejarse de que la tenemos olvidada. Cuando nos vamos de la casa espera visitas diarias, y si no las cumplimos nos recibe con un: “Ahhh… ¡Apareciste!”. Si no la llamamos por un par de días, al contestar el teléfono se hace la que no reconoce nuestra voz agregando: “Es que hace taaanto que no me llamás….”

La Mamá Esponja: Es la típica madre absorbente, controladora y posesiva. Quiere que sus hijos siempre hagan lo que ella quiere, y COMO ella quiere. Para ella rige la ley de los tres siempre: siempre niños, siempre inútiles y siempre míos, por lo que está convencida que nunca dejarán de necesitarla para resolver todos sus asuntos. Nunca supera la costumbre de decidir por ellos. Y cree que como eligió su primaria, tiene derecho a elegir hasta su carrera. Cuando OSAN manifestar su opinión ella los ignora o los mira como si le estuvieran hablando en arameo. Es la típica metiche que quiere saber todo sobre sus hijos y sus amistades, y no descansará hasta lograrlo. Como no tiene vida propia y vive a través de sus hijos, éstos tienen que hacerla partícipe de absolutamente todas sus experiencias y decisiones. Desde su más tierna infancia va tejiendo sus redes informativas como toda una súper espía y no duda en irrumpir en todas y cada una de sus relaciones amorosas, sociales y hasta laborales. Su principal temor es que se le rebelen los hijos y decidan por sí mismos por lo que no acepta ningún tipo de disenso. Ante cualquier cuestionamiento ella contesta con un tajante: “Porque Sí”. La decisión ya está tomada y nada que los prójimos puedan hacer le hará cambiar de opinión.

La Mamá Ciclotímica: Es toda una caja de sorpresas. Uno nunca sabe hacia qué lado va a patear. Si amanece de buen humor es la reina de la paciencia y de la comprensión. Pero cuando amanece revirada es capaz de explotar con una fuerza tsunami-volcánica ante la más mínima provocación. Cuando amanece pirevaí, los castigos, los plagueos y los gritos están a la orden del día. Al crecer los hijos, como ya no les puede castigar, el sarcasmo se convierte en su nuevo canal de desahogo, adquiriendo todo el encanto ponzoñoso de un dragón de Komodo. Sus insultos y comentarios fuera de lugar, son capaz de arruinar hasta la cena familiar más amena. Pareciera hasta que aprovechara las festividades y reuniones para hacer gala de su mal carácter.

La Mamá Sobreprotectora: “¡Cuidado!” es su palabra favorita. Ella no sólo se encarga de solucionar los problemas de sus hijos, sino también hace lo imposible por evitárselos. Seguramente los prójimos ven hasta la más inocente calesita como si fuera una montaña rusa ya que cada vez que se acercan a una su madre grita desaforada: “¡No te subas ahí, porque te vas a caeeeer!! ¡Cuidaaadooo, atájate fueeerteeee!”. Está convencida que sus hijos están hechos de cristal y que la más leve caída puede ocasionar daños irreparables en sus frágiles cuerpecitos. Es la típica mamá exagerada que cree que se va a caer el mundo ante el problema más mínimo. Si alguno de sus hijos tiene el más leve asomo de fiebre ya le auto diagnostica con dengue hemorrágico y llama llorando a una ambulancia. Está al tanto de todos los riesgos de la sociedad y toma en cuenta hasta los de Tanganica con tal de tener siempre un motivo para alarmarse. Está convencida que todos los caramelos que se venden en la calle vienen con droga y que si sus hijos están a 10 metros de un fumador pueden desarrollar cáncer de pulmón. Ante la más leve corriente de viento, abriga a sus hijos como para ir a Siberia y si alguien estornuda en su cercanía empieza a desinfectar el ambiente y hace una llamada al médico para evaluar las posibilidades de contagio. Al crecer sus hijos, cada vez que estos abren la puerta para salir de noche les advierte sobre las últimas modalidades de secuestro y les recuerda que no besen a nadie sin antes exigirles un test de ELISA. Los espera despierta hasta que regresen, obviamente preocupadísima, dejándoles 145 mensajes en el celular agregando en cada uno de ellos algún motivo de preocupación que se olvidó de mencionar antes. No se va a dormir hasta no haberles hecho a sus hijos un alcotest, controlar la dilatación de sus pupilas y su temperatura.

La Mamá Despreocupada: Es el extremo opuesto y radical de la anterior. Pareciera que perdió todas sus neuronas en el parto. En su casa reina el caos. Llega tarde a todas partes, se olvida de todo (a veces hasta de sus hijos) y es la última en enterarse de las cosas. Si tienen fiebre, no se percatará hasta que los prójimos empiecen a delirar. Su bajo nivel de preocupación la convierte en una madre exageradamente permisiva que sonríe con cara de bombalicona hasta cuando sus hijos están literalmente descuartizando la casa del vecino. Nada la inquieta y nada afecta su paz. Sus hijos pueden estar trepados al árbol más alto del parque o golpeando con una guacha a sus primitos, pero a sus labios no se asoma ni el más tímido de los retos. Cuando sus hijos “redecoran” una habitación ajena pintando sus paredes con monigotes y paisajes infantiles, en vez de alterarse, es la primera en elogiar la iniciativa artística de sus pequeños Picassos ante la cara de espanto de la dueña de casa.

La mamá Prusiana: Rígida y estricta son los adjetivos que mejor la describen. Sus hijos siempre se comportan bien en la mesa, tienen su dormitorio siempre ordenado, jamás dicen groserías ni hacen travesuras, sacan excelentes notas, saludan educadamente y dicen por favor y gracias. Para los dos años ya parecen haber incorporado todas las normas sociales que existen ya que su madre se encargó de inculcarlas desde su nacimiento. Sus hijos responden tan bien a sus órdenes monosilábicas que parecen haber sido entrenados por un entrenador de perros y ella soluciona cualquier eventual desliz con una mirada autoritaria digna de un oficial de la SS. Si bien son muy admiradas por las demás madres, uno no puede dejar de sentir una lástima inmensa por sus pequeños soldaditos del orden y la disciplina.

La Mamá Cool: Es canchera, farrista y buena onda y en su casa deja que los niños hagan lo que quieran; y si bien reina el caos, la diversión está a la orden del día. Ella escucha rock and roll y tiene novio y como es una eterna adolescente, más que madre, se considera la mejor amiga de sus hijos. Todos los amigos de sus hijos la adoran y secretamente desean que ella los adopte. A la par, sus propios hijos desean desesperadamente también ser adoptados por otra madre. Su hija probablemente está podrida de que su madre le robe la ropa y compita con ella y sus hijos estarán hartos de que irrumpa en sus reuniones haciéndose la canchera con todos sus amiguitos.

La mamá New Age: Lo suyo son las causas y el pensamiento positivo. Como tiene un doctorado en alguna ciencia social, tiene el dinero suficiente para enviar a sus hijos al mejor colegio bilingüe pero los anotó en una escuelita graduada “para que conozca la realidad y no viva en una burbuja”. Lleva a sus hijos a cuanta marcha de protesta y seminario yogi haya en el país. No les permite ver televisión ni usar la computadora e intenta convencerlos a toda costa que de lo lindo que es hacer talleres de reciclaje y huertos caseros orgánicos en su tiempo libre. Sus hijos apenas conocen el azúcar (obviamente morena) y jamás probaron siquiera un sorbo de gaseosa. Les enchufaba té verde en la mamadera y las merienditas “naturales” que llevan al cole hacen llorar de lástima a sus profes. Si bien sus hijos lo único que desean es ver Cartoon Network, tomar coca y atiborrarse de golosinas, ella está convencida que en su casa reina la armonía gracias a los cristales, las esencias ayurvédicas purificadoras y la orientación feng Shui de sus muebles.

La mamá Malcriadora: Está como hipnotizada por sus hijos y siente una especie de adoración hacia ellos que la enceguece de todos sus males. No escatima en gastos con tal de verlos felices y es capaz de contratar al Cirque du Soleil para animar sus cumples con tal de agasajar a sus bebecitos y de paso hacer morir de envidia a todas sus amistades. Suelen desarrollar la tediosa costumbre de simular interés preguntando a todos sus conocidos una infinidad de preguntas sobre sus hijos, tipo: ¿Cuándo empezó Susanita a gatear? ¿Cuándo aprendió Juancito a leer? Sus verdaderos motivos pronto quedan revelados, cuando con cada respuesta, ella termina comparando a sus hijos, quienes por supuesto siempre empezaron a gatear y a leer 10 meses antes que cualquier ser humano del planeta. Generalmente crea demonios insoportables, a quienes nadie quiere recibir en su casa, pero ella sostiene que todos le envidian sus hijos por lo brillante y superdotados que son.

La Mamá Fashionista: Siempre es la más regia en todos los cumples y reuniones escolares y sus hijos parecen sacados de un catálogo de Baby Dior. Su lema es estar siempre a la moda y las notas están siempre en un segundo plano. Para ella lo importante no es que sus hijos traigan 5 en la libreta, sino que traigan puesta siempre las mejores pilchas. Sus cumples son siempre hiper mega ultra fantásticos, pues lleva a su decorador personal para decorar hasta los cumples que festeja en el recreo del cole. Desde la más tierna edad sus hijos ya están familiarizados con la pelu, el dietólogo, el gimnasio, el spa y el solarium.Cuando crecen, sus prolijos mini fashionistas terminan más huecos que la madre y moviendo sus cabezas al unísono pueden formar un excelente grupo musical de maracas.

DAR UNA VIDA ENTREGANDO LA MÍA: MABEL ARCONDO Y DANIEL MILESSI

Mabel Arcondo fue una pintora autodidacta, nacida en Asunción en 1940. Su admirada obra pictórica, las difíciles circunstancias de su vida, su espíritu inquebrantable y la increíble entrega de amor y vida que hizo a terminar sus días la convirtieron en una especie de personaje mítico de la pintura paraguaya. Al respecto, su amigo Manolo Prieto comentó: “Caso singular este de Mabel, pues pocas veces antes la atención del público se había dirigido tanto a los aspectos puramente privados de la vida de un artista, como cuando de ella se hablaba. Mabel y sus circunstancias: una parálisis progresiva, una personalidad casi indomable, un círculo de amigos incondicionalmente afectivos, ser descaradamente del signo de escorpio.”

A los 17 años, una epidemia de poliomielitis la ataría por el resto de sus días a una silla de ruedas. La enfermedad la hizo atravesar una serie de pruebas extraordinariamente difíciles para una adolescente: prolongadas internaciones en las cuales era sometida a incómodos y dolorosos tratamientos, días de soledad e ilusiones rotas coronados por la intolerable angustia de la inmovilidad.

Pero frente a estas duras pruebas triunfa su espíritu. Sus ganas de vivir, su inagotable imaginación y aquel pincel que sostenía dificultosamente con una mano y dirigía con la otra salen al rescate. En su obra teje un mundo de sueños, de fantasías, de magia, de poesía, en los que siempre se puede encontrar un rastro de aquella niña que no se dejaría vencer por las adversidades.

Para una muestra realizada en su homenaje en la Galería de Pintura naif y Arte primitivo Ysanne Gayet en octubre de 1993, el maestro Livio Abramo escribe: “Y con Mabel, el arte. El arte, que fue para ella no sólo la realización de una natural tendencia como también un medio de liberación y de afirmación de la vitalidad de su espíritu. Mabel supo encontrar un canal de evasión que es el arte, volcando en él toda su fina sensibilidad enriquecida con los elementos que su extensa cultura le ofrecía como complementación de su lenguaje expresivo. Y como convenía a ella, su arte es toda reminiscencia, connotaciones con lo inconsciente. Fantasía y misterio matizados por un raro y extraño sabor a cosas de infancia. Esto es lo que presta particular encanto a su pintura: la ingenuidad, sin embargo muy refinada, de la forma comentada por el sapiente, dramático y muchas veces irreal colorido. Colorido que es, en la pintura de Mabel, su más madura y significativa conquista plástica. De sus cuadros emana siempre un significado recóndito, simbólico, que podemos hasta calificar de superreal, en un ejemplo casi único en el arte paraguayo”. (“Diccionario de las Artes Visuales del Paraguay”; Lisandro Cardozo, 2005.)

Su enfermedad tampoco socavó su sentido del humor y sus ganas de vivir lo más intensamente posible. Mabel era un personaje fijo en las tertulias artísticas de la época, muchas de las cuales se realizaban en su propia casa. Todos la recuerdan con cariño, siempre dispuesta a ayudar a sus colegas pintores y a abrir las puertas de su casa para una partida de bridge o una noche de fiesta. Mabel en cierta ocasión expresó: “Lo más lindo que tienen algunas personas es la manera absolutamente generosa de darse”. En toda su vida, la misma Mabel se mantuvo fiel a este lema; pero fue al final de su existencia, cuando realizó su más generosa entrega.

En los últimos años de su vida el trabajo de Mabel se volvió especialmente intenso y fértil. A la renuncia que le imponía su enfermedad a tantos aspectos de su realización como mujer, Mabel supo contrarrestar con esperanza. Ella no se resignaba a vivir a medias, quería vivir, pero en mayúsculas y que su existencia no se limitara al ver al mundo a través de una ventana. Mabel soñaba con casarse y sobretodo guardaba en su interior un enorme anhelo por tener un hijo. Al respecto, su gran amiga Lucy Yegros recuerda: “Cuando yo estaba embarazada, ella a veces me decía, medio en broma y medio en serio: ¡No me vengas a visitar, no te puedo ver así que te tengo envidia por tu panza! Y yo le contestaba que ella también algún día tendría un hijo; y lo tuvo. Para mí, su hijo Daniel es su obra maestra.”

A mediados de los años setenta, Mabel conoció al artista Rubén Milessi, quien se convertiría en su pareja y la ayudaría a hacer realidad el gran sueño de su vida: ser madre. Pero así como lo fuera todo en la vida de Mabel, la maternidad no le sería fácil. Debido a su enfermedad, los médicos se opusieron al embarazo. Le advertían que éste pondría en peligro su vida y le recomendaban el aborto. A pesar de todas las advertencias, ella estaba dispuesta a asumir el riesgo a fin de completarse como mujer extendiendo su vida en otro ser. Su respuesta fue firme: “Yo quiero dar una vida entregando la mía.”

La maternidad largamente imaginada fue poblando sus lienzos con aquel hijo soñado. Pero tal como habían pronosticado los médicos, su embarazo y el nacimiento de su hijo Daniel conformarían el último capítulo de su vida. El 3 de junio de 1976 pudo conocer el rostro de Daniel y ver cumplido su sueño de ser madre. Al poco tiempo su salud se deterioraría con una embolia pulmonar que la llevaría a su temprana muerte a los 36 años.

Más la historia de Mabel y Daniel no termina aquí. Algo que Mabel no podría haber sabido, pero que podemos aventurarnos a pensar que soñaba, era que su hijo seguiría sus pasos en el arte. El fin de la vida de Mabel, significó una entrega enorme, una muestra de amor en su expresión más pura. Significó, tal como ella lo había profetizado, dar su vida por una nueva: la de su hijo, el artista Daniel Milessi.

Daniel Milessi actualmente es un joven artista y diseñador paraguayo que trabaja con medios digitales. Ha participado en importantes muestras y su obra ya ha sido premiada en varias ocasiones. En el 2003 fue Premiado con el 2° Premio del Salón de Arte La Nación por su animación “Yasururú Sororó” y en el 2005 con el prestigioso premio Henri Matisse por su video “Escargots”.

Daniel fue criado por su tía María Eugenia Ratti de Auad, prima hermana de Mabel, quien la acompañó en sus últimos días. Queña, como conocen a María Eugenia, adoptó a Daniel y le proveyó de una fuerte imagen materna y todo el cariño de una madre, manteniendo siempre vivo el recuerdo de su querida prima y amiga. Queña le contó desde chiquitito quien era su mamá, cómo era y le fue narrando numerosas historias y anécdotas sobre ella. Así Daniel creció con una madre muy presente y otra madre idealizada, tejida en sueños y envuelta entre mitos y leyendas.

Sus padres adoptivos le siguieron vinculando a todo lo que era el mundo artístico y cultural, alentándolo a que siguiera los pasos de su madre en el arte. Para Daniel crecer con el mito de su madre significaba también la necesidad de conocer cómo era su madre en realidad. “Yo tuve una mamá que me cuidó, que significó una figura materna muy fuerte, Queña, y otra que conformaba una figura materna todopoderosa, que era Mabel. Crecí con una mamá idealizada y de alguna manera esto a mí me vinculó a lo que es mi carrera artística. Yo creo que me encuentro mucho con ella cuando trabajo artísticamente. De alguna manera me encuentro con ese espíritu de la creación. Como dice mi mamá Queña, la sangre no es agua. Si bien tuve mucho apoyo con la cuestión cultural por parte de mi familia adoptiva, la carrera artística fue una elección propia.”

Al comienzo el arte le produjo cierto rechazo a Daniel, pues se sentía muy presionado a seguir los pasos de su madre, y ante esta situación adoptó una actitud de rebeldía frente al arte. Cuando su ex esposa emprendió un trabajo de catalogación e investigación de la obra de su madre, Daniel tuvo la oportunidad de conocer más a fondo su trabajo, su proceso pictórico, conocer cuadros que nunca antes había visto y que le llegaron mucho, como su serie de obras oníricas, con las cuales se sintió muy identificado. El retomar la obra de su madre, fue el primer paso que lo llevaría a hacer las paces con el arte. “El propio hecho de ser adoptado lleva a uno a estar latente de sus raíces. Aunque uno haya sido súper bien contenido y cuidado, y haya vivido un ambiente familiar fantástico, de alguna manera uno siempre tiene en su interior una especie de búsqueda personal para encontrar las raíces propias.”

Otra experiencia fundamental que sirvió a volcarle definitivamente en el camino del arte fue el conocer a Danielle Covo, compañera de su madre en el hospital, quien de alguna manera mantenía el secreto de todo lo que era su mamá. Danielle también fue víctima de la epidemia de poliomielitis y compartió con Mabel una gran amistad. A pesar de la distancia siempre se mantuvieron en contacto escribiéndose cartas muy emotivas. Daniel y Danielle se contactan primero por email y cuando Daniel fue gana con el Matisse una beca para viajar a París, tiene la oportunidad de conocerla en persona. “Mi nombre viene de ella, me lo puso mi madre en honor a la relación que tuvo con ella. Fue muy fuerte conocerla. Como ella es psicóloga y sobreviviente de la poliomielitis me contó lo que fue para ellas atravesar toda la experiencia del hospital. Me contó lo que era el tratamiento y la terapia para la polio en la época, que era algo tenebroso. No podían abrir las ventanas del hospital, las colocaban desnudas en un giroscopio y las hacían girar frente a todos los estudiantes de medicina. Fue una experiencia súper dura. Hablar con Danielle fue como conocerle a mi mamá, porque su experiencia en el hospital fue exacta a la de mi mamá. Fue súper removedor. Allí me di cuenta del esfuerzo sobrehumano que hizo mi madre para trabajar.”

Pero ya desde sus primeros contactos por e-mail, la expectativa de conocer a Danielle Covo ya había tenido algo que ver con su obra. “El primer vínculo que tuve con Danielle, fue por mail antes de viajar a Francia y ella me había hablado en uno de sus mails de comer una sopa de caracoles clásica francesa cuando nos encontráramos. De alguna manera los caracoles tenían algo que ver con esto que es mi mamá.” Así surge la obra “Escargot”, en la cual filma a dos caracoles que se acercan y se van entrelazando, dando la ilusión de estar teniendo sexo. “Filmé a los caracoles por dos horas y luego le agregué la cuestión de la necesidad de mujer que tenía mi madre, y adapté el video como si fuera una película del ‘76 año en el cual nací y lo musicalicé con un tema de la época: “Je t’aime moi non plus” de Serge Gainsbourg. Así fui armando una fantasía en video de los últimos años de vida de Mabel. Con esta obra gané el Matisse y esto de alguna forma me llevó a reencontrarme con mi madre.”

Si bien el tema de su madre fue importante para reconciliarse con el arte y para aprender su propio lenguaje, en su obra, Daniel aborda diversos temas. “La obra de Mabel no es muy accesible para la nueva gente interesada en el arte, pero sí para la vieja guardia para quien Mabel es una figura emblemática. Estamos hablando de una artista que está en museos de arte latinoamericano al lado de grandes artistas como Frida Kahlo. Creo que yo debería reivindicar su trabajo a través de mi trabajo y con mi propia óptica. Cuando no hablo de ella en mi obra y abordo mis propios intereses personales, de alguna manera le estoy haciendo justicia porque ella terminó su vida para que comience otra nueva, y ésta otra no tiene que estar tan atada a ella. Creo que estaría muy orgullosa de mí por tratar mis propios temas. El tema del sufrimiento de la mujer paraguaya está muy presente en mi obra. Aunque ella no haya sido una campesina, de alguna manera Mabel mostraba el carácter de la mujer paraguaya, su sufrimiento y esas ganas de superarse.”

La reunión con Danielle también le inspiró para hacer un archivo fotográfico que este año se va a materializar. “Planeo abordar los mitos y leyendas de Mabel Arcondo, pero mostrados a través de la fantasía de la imagen. La muestra seguirá dos rumbos. Uno que abordará su obra y otro que abordará su vida. En la muestra convergerán fotografías mías y todo lo histórico que tengo de mi madre, cartas, cuadernos, fotografías familiares acompañados de un montaje en video y una muestra de su obra y su vida. Es un proyecto mucho más personal que artístico. Es la visión de un artista sobre otro artista, pero va más allá de esto, es una búsqueda del hijo a la madre.”

Otro de sus proyectos es el de abrir una residencia artística, que este año se hace realidad con la Galería Planta Alta, trabajando en coordinación con otros países y otros espacios. “El Proyecto nace del centro cultural de España en Sao Paulo, quienes armaron una red de residencias, y como parte del cierre de las actividades de este centro, se pasa el poder gestionante a los propios espacios. Recientemente viajé a Lima a la reunieron los 24 espacios para decidir el futuro de esta red y ver como sostener un trabajo de autogestión que de alguna manera profesionalice al artista, al curador y al investigador. En cierto modo, este proyecto también es una manera mía de homenajear a mi madre, quien siempre recibió y apoyó a muchos artistas.”

En sus últimos meses de vida, Mabel soñó mucho a su hijo y lo pintó en varios cuadros. Hoy quien la sueña es Daniel. “Yo la sueño todo el tiempo. Nuestra relación se basa en sueños. En sueños he hablado con ella, he caminado con ella. Incluso me la describieron como un ángel cuidándome y esto me hizo dudar que fueran solo sueños. Siempre la siento como un halo protector alrededor mío. El hecho que ella haya entregado su vida por la mía significó un enorme peso encima de mí. Hoy le diría gracias por esperar, porque fue largo el proceso hasta llegar no solo a ser artista, sino también a convencerme de que debía reivindicar su trabajo.”