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jueves, 26 de mayo de 2016

FIORELLA Y CRISTINA ENCISO SOSA DE GALLI – CON LA FILIGRANA EN LA SANGRE






Fiorella y Cristina, madre e hija, crecieron en el mundo de la joyería. Además de los lazos de sangre que las unen, también se ven unidas por lazos de filigrana, la pasión que ambas comparten y que siempre estuvo presente en la actividad familiar. Ambas son descendientes del gran Cirilo Sosa, uno de los grandes artesanos joyeros de la filigrana. El apellido Sosa está por ende entrelazado con la filigrana y la joyería tradicional paraguaya.

Cristina, junto a su marido Guido Galli, encabezan la joyería Luxor, una de las joyerías más tradicionales y conocidas de nuestro país. No es de extrañar, que su única hija, Fiorella, decidiera seguir la tradición familiar. Pero Fiorella hizo mucho más que meramente seguir una huella. Ella labró su propio camino, innovando en cuanto a diseño y concepto, con una de las técnicas más antiguas de la joyería: la filigrana. Fiorella logró darle un giro de tuerca a lo que se venía haciendo desde hacía siglos con la filigrana en Paraguay, incorporando motivos más modernos y nuevos materiales (desde zircones hasta fibra de caraguatá y palo santo), y transformando completamente este rubro, generando una renovación y resurgimiento del mismo.

Conozco a ambas desde hace mucho tiempo y sé que el lazo que las une es más fuerte y precioso que el oro. Las une el amor y  la pasión, trabajando siempre codo a codo con una complicidad total. Cristina rara vez logra ocultar lo orgullosa que Fiorella le hace sentir, así como Fiorella no puede contener la admiración por estos padres que le inculcaron tantos valores como la pasión en el trabajo y el amor por la familia y la tradición.


CRISTINA ENCISO SOSA DE GALLI
A vos, a la par que a tu hija, te tocó crecer en el mundo de la joyería. ¿Cómo fue esta experiencia para vos?
Empecé a ayudar desde muy chica, ya a los 7 años hacia los inventarios, me ocupaba de hacer los regalos y  paquetes, participaba del negocio familiar  y aprendía del quehacer de joyería en el día a día con mis padres. Cuando fui más grande y ellos viajaban, yo me quedaba a cargo, pero era todo mucho más tranquilo que ahora, estamos hablando de 1958 cuando se abre Luxor. Y cuando me recibí me metí a trabajar a full y me ocupaba de lo que hoy seria la imagen de la joyería,  con las vidrieras y empecé a viajar con mis padres para comprar joyas y piedras a Argentina.
A los 21 viaje a Suiza a seguir lo q me apasiona también que es la sociología, allá estudie 8 años. El último tiempo también me vinculé al mundo de la relojería Suiza. Mi papá ya había llevado a Paraguay la representación de la marca de relojes Longines, entonces me dieron la oportunidad de trabajar en la fábrica de relojes Longines en Suiza. Luego trabajé en otra que se llamaba Fortis, donde me encargué del mercado latinoamericano, y ahí me nacieron de nuevo las ganas de volver a mi país a trabajar en el negocio familiar  

También te dedicás al diseño. ¿Esto es algo que aprendiste de tus padres?
En esa época se fabricaba muchas joyas de filigrana en oro y pude aprender de mi mamá a administrar una joyería que es muy diferente, a una empresa común, los clientes eran muy sencillos en esa época, porque no existía o no se conocía el concepto de diseño de joyas. El diseño de despertó en mi cuando trabajando en Fortis, veía que cada dos meses sacaban una nueva colección. Ahí nos pedían que demos nuestra mirada a los diseños de acuerdo al mercado con el cual trabajamos, y ahí me di cuenta que me gustaba diseñar. Es así que cuando llegué de Suiza, venía de estar en muchas ferias de joyería y buscando lo que había visto allá, y como por aquí no había, empezamos a diseñar con mamá. Ella me guiaba sobre el gusto de los clientes de acá, y así íbamos haciendo las joyas . 

Fio siempre me habla de su abuelita, ¿me podrías contar más sobre ella?
Mi abuelo Cirilo Sosa, fue uno de los primeros joyeros en Luque. Hacia filigrana y joyas en oro, ya que en esa época el producto principal era la filigrana en oro. Vivieron allá hasta después de la guerra, y luego vinieron y se establecieron en Asunción, frente a lo que era el cine Granados. Inauguraron la Joyería Sosa, sobre Estrella en el centro y ahí mi mamá, que era la mayor, desde muy chica, atendió en el mostrador. Ella atendía a los clientes y se empezó a formar en el manejo de la joyería. Mi abuelo trabajó siempre como maestro joyero, y mi mama era la que estaba en contacto con el cliente. Trabajó con su familia hasta que tuvo la idea de formar su propia joyería con su hermana. Fueron muy modernas para su época, al abrir su joyería juntas y empezar a traer relojes. Era una mujer muy emprendedora y empresaria , en una época que no era común , como ahora. 

Cuando Fio era chiquita, ¿te imaginabas que seguiría tus pasos y que encima se destacaría tanto nacional e internacionalmente?
Nunca se me pasó por la mente, porque ella no se quería luego poner joyas y no le gustaba dibujar, no se podía quedar quieta, entonces era muy difícil imaginarla quieta, dibujando una joya con tanta paciencia. Fio quería ser independiente, cuando estaba en el colegio no quería trabajar con nosotros, ella trabaja desde los 16 años, porque quería, porque no se podía quedar sin hacer nada en las vacaciones, entonces fue una hermosa sorpresa cuando decidió dedicarse a esto. No me esperaba pasar por esto, en realidad me la imaginaba en las artes, pero como bailarina o actriz, ya que de chica se destacó en eso, y después cuando empezó a estudiar comunicación, me la imaginaba como periodista y en programas de televisión.  

¿Cuáles crees que fueron los factores que desencadenaron que Fio decida dedicarse al diseño? ¿En algún momento lo proyectaste para ella o fue una sorpresa?
 Ella comenzó sola. Un día vino  y nos empezó a preguntar nuestra opinión sobre lo que estaba haciendo. A mí me gustó, y le animé a seguir. Pienso que el haber tenido éxito en sus primeros diseños, hizo que ella se animara a continuar junto con nuestro apoyo, el mío y el de su papa, como parte de la joyería. 

Me imagino que como toda madre estarás muy orgullosa de tu hija. ¿Qué es lo que más te enorgullece de su trabajo como diseñadora de joyas?

Su enorme creatividad e imaginación para hacer joyas, y que haya elegido la filigrana como medio de expresión, porque creo que le vino en la sangre por mi abuelo, y eso me emociona mucho. Ya a su abuela le emocionaba porque decía que su abuelo hizo que ella se dedicara a la filigrana, porque ninguno de nosotros le había contado la historia antes para que ella pensara en eso, surgió de ella solita nomas. También  me llena de orgullo el hecho de que haya hecho evolucionar a esta técnica como lo hizo.  

¿Qué te gustaría que diseñe Fio para homenajearte en tu día?
Una linda pulsera que me recuerde a ella todos los días, porque me encantan las pulseras. 


FIORELLA GALLI
¿Qué se sintió crecer en el mundo de la joyería?
En realidad, ahora de grande recién me doy cuenta del mundo en el cual crecí, para mí era el trabajo de mi familia, y me gustaban las joyas, inconscientemente iba asimilando todo lo que me rodeaba. Viajar a las ferias de joyas de Milán, eran las vacaciones con la familia. Cuando visitábamos a mi abuela en Suiza, también visitábamos la fábrica de relojes, lo que para mí era súper divertido. Yo jugaba en un rincón y me perdía por la fábrica, mientras mis papas miraban la colección de relojes. Soñaba ser parte de ese mundo algún día, pero no sabía todavía cómo iba a ser parte, pero algo me decía que ahí iba a ser feliz. 

¿Cuáles son las cosas que te inspiraron de tu madre y de tu padre para decidir seguir sus pasos?
De ellos aprendo todos los días sobre cómo trabajar en una empresa joyera, porque mi mama lo lleva en la sangre, y conoce de procesos, piedras y tiene muy buen gusto, es mi auditora ultima, si a ella no le gusta, no pasa el filtro el diseño. En cuanto a mi papa, él se enamoró de la joyería, del quehacer joyero y se volvió experto. De él aprendo el trato con el cliente  y su devoción al trabajo bien hecho como un reloj suizo. Me inspiran a seguir aprendiendo de ellos todo el tiempo posible. 

¿Alguna vez te sentiste presionada por seguir la tradición familiar?
Digamos que al principio no, pero cuando empecé con la marca Fió, es como que me comprometí mucho más, y ya no pude dar un paso al costado. Es difícil sostener 58 años de trabajo de tres generaciones, pero hago el intento y con mi toque, que era lo que más me preocupaba. Yo no quería seguir la tradición por seguir nomas, sino que realmente quería que fuera el trabajo que haría aunque no me pagaran, mi pasión realmente. Y lo siento así.
  
¿Cómo te alentaron tus padres al inicio de tu carrera?
Mis papas creyeron en mi proyecto y me alentaron con todo lo que yo les presenté. Ese apoyo lo valoro muchísimo, porque se q a veces, muchas personas no cuentan con eso para lanzarse, y también estuvieron presentes en todo momento, no es que me dieron las herramientas y ya, sino que me ayudaron a q todo suceda con el ejemplo.  

¿Para vos que es lo más valioso de seguir la tradición familiar?
¡Qué buena pregunta porque nunca me había planteado! Ahora que pienso, creo que es el pertenecer a una historia familiar, que si lo pienso bien, es como que espontáneamente se repite una historia, de tres mujeres, de distintas generaciones, en tiempos distintos, y creo que cada una en su momento le supo dar un toque particular  a esta tradición. Es como que cada una tuvo su misión, dentro de esta historia y espero estar cumpliendo con la mía.  

¿Existe alguna característica de tu diseño o algún conocimiento que estás segura que te vino por herencia materna?
Creo que el amor por las piedras y la idea de combinarlas. A las dos nos encantan las piedras, y podemos estar horas inventando combinaciones. Cuando vamos a las ferias, podemos estar todo un día en un proveedor de piedras sin darnos cuenta, es fascinante ese mundo, y la verdad que eso lo aprendí de ver a mi mamá trabajar con ellas. 

¿Qué le diseñarías hoy a tu mamá para celebrar su día?
Y le voy a cumplir el deseo, una pulsera de filigrana para ella exclusiva.  


martes, 15 de marzo de 2016

ENCUENTRO DE MODA ITALIANA : Conversando con Cynthia Poletti, Anna Fendi, Antonella Cavallari, Federica Ballestra y Umberto Masci


En ocasión al Asunción Fashion Week y conmemorando el “Año de Italia en Latinoamérica”, la embajadora de Italia, Antonella Cavallari, invitó a nuestro país a un selecto grupo de grandes nombres de la industria de la moda italiana: Federica Ballestra, Anna Fendi y el Productor de Eventos de Moda romano  Umberto Masci. Tuvimos la oportunidad de charlar con todos ellos en un exclusivo almuerzo y desfile en la joyería Della Poletti, donde también hablamos con la anfitriona, Cynthia Poletti.

CYNTHIA POLETTI
¿Cómo surgió la idea de este almuerzo con estos invitados de lujo?
Yo soy muy amiga de Antonella ya que nuestros hijos son compañeros de colegio, y conversando en la graduación me comento que estaban viniendo estos diseñadores y me ofrecí encantada para recibirlos con un almuerzo en Della Poletti, para agasajar a las señoras Anna Fendi y Federica Ballestra. Yo estoy muy orgullosa de tener sangre italiana, y me encanto colaborar con la embajada italiana y poder servir de nexo entre estos referentes de la moda italiana con larguísima trayectoria y varios diseñadores paraguayos a quienes también invitamos de manera a que se conozcan.
¿Qué expectativas tenes después de esta visita?
Siempre vamos creciendo con Della Poletti por lo que siempre buscamos hacer eventos diferentes y continuar estando siempre a la vanguardia.
¿En Della Poletti tienen varias marcas italianas?
Si tenemos la marca Gucci, con joyas y relojes de esta firma. La línea de joyería es italiana, ya que todas nuestras joyas son italianas, compradas en las ferias de Vicenza, Milán y Arezzo. Ahora estamos trayendo una marca importantísima que será una de las principales de nuestra tienda y que en breve ya estaremos comunicando.

ANNA FENDI
¿Cómo te sentís en Paraguay?
Sinceramente, yo me siento en casa.
¿Qué fue lo que más te gusto de Paraguay?
Me impresionaron las personas por su calor y simpatía.  Son muy afectuosos. Me quede encantada con la ciudad de Asunción, por sus edificios antiguos de fines del 800, que son muy bellos y espero que los conserven con cuidado, ya que son un patrimonio importante.
Ud. Trabajo mucho tiempo dentro de la industria de la moda y ahora estas más enfocada en las áreas de hotelería y diseño de interiores. ¿Qué vínculos encontras entre tu trabajo anterior y el actual?
La moda es una cosa que refleja a los tiempos. En este momento se puede hacer moda hasta con un petit hotel como el mío. Y esto fue mi objetivo, intentar hacer algo diferente. Una manera diferente de recibir a la gente, en modo de mantener la intimidada como si estuvieran en su casa, pero sumándole la eficiencia de los grandes servicios. Buscamos que toda la experiencia tenga un común denominador con la moda.
¿Cómo hacen para transmitir la esencia del nombre Fendi en todas estas áreas de lifestyle de las que estas a cargo?
El estilo de vida es un lujo y el lujo es calidad. Nosotros logramos transmitir la esencia de Fendi dando el máximo de calidad a todo.  De hecho, esta misma idea de calidad es lo que tambien quise transmitir a mis vinos.
Contame más sobre tus vinos.
No me quise improvisar como vinicultora, porque para serlo se requiere obviamente de un pasado relacionado a esta actividad. Por lo que junto a mi marido, quien es un experto de vinos, hemos recorrido todo el largo y ancho de Italia y hemos descubiertos pequeñas bodegas, para proponer como una guía con mi nombre, una selección de la excelencia de los vinos italianos.
¿Qué impresión te llevas del Asunción Fashion Week?
Estoy recién llegada y aún estoy conociendo ya que vi muy poco. Pero lo que te puedo decir es que vi mucho fermento ya que hay mucho entusiasmo entre los jóvenes, y cuando hay esto ya las promesas son importantes.

ANTONELLA CAVALLARI
¿Como surge la iniciativa de traer a Anna Fendi y a Federica Ballestra al Paraguay?
Bueno, en primer lugar se dio gracias a la amistad que tenemos desde hace mucho tiempo con  Umberto Masci, que es un promotor de eventos y tiene mucho conocimiento del mundo de la moda y con quien siempre he colaborado para organizar desfiles de alta moda italiana en diversos países del mundo. Conversando con él nos pareció bien el presentar en Paraguay también una colección de alta costura italiana dentro del contexto del Asuncion Fashion Week, y para darle también un toque más internacional y afortunadamente pudimos llevar esta idea a cabo gracias a la ayuda de SAXS y la organización del Asunción Fashion Week, que es espectacular y no tiene nada que envidiar a otros países de la región ni del mundo. Estaban dadas todas las condiciones como para presentar una colección de este porte.
¿Qué te gustaría que surja después de esto?
Me gustaría que se hablara un poco más de la moda italiana, que se conozca más y no solo los nombres habituales, sino también los diseñadores de alta costura como Renato Balestra.
¿Cuál fue la impresión de tus invitados sobre el AFW?
Se quedaron todos encantados. Anna fue la primera en decirme que estaba sorprendida ya que lo que encontraron era mucho más de lo que esperaban. Les impresiono el recibimiento que han tenido y la calidez de las personas. Hoy se quedaron impactados con este espacio de Della Poletti, incluso llegaron a decirme que hasta en Roma es difícil encontrar una joyería tan completa como esta.

FEDERICA BALESTRA
¿Cuál fue tu impresión del Paraguay?
Yo vine hace 10 años atrás a Paraguay y me impresiono muchísimo ya que en Europa no nos hacemos una percepción de lo que es el Paraguay ya que se conoce muy poco. Pero lo que encontré fue un país muy similar al Italia, tanto en la cultura y en la simpatía de la gente. Encontré mujeres maravillosas, bellas y simpáticas y un calor humano increíble.
¿Cuál es la inspiración de la colección que vas a presentar en el Asunción Fashion Week?
Me inspire en la Venus que sale de la espuma del mar. Es una colección con colores muy tenues y tejidos casi impalpables, con mucho marfil y celeste muy pálido, y no  puede faltar el famoso azul Balestra, porque el azul Balestra es el color de la maison y el símbolo de la casa Renato Balestra.
¿Cuál es la esencia de la casa Balestra?
Nosotros buscamos transmitir el gusto de la estética que es muy importante pero lastimosamente se está perdiendo mucho. Esto se debe a que los jóvenes que nosotros queremos promover son muy talentosos pero carecen de la tradición cultural necesaria. Nosotros como casa buscamos conjugar la alta tradición sartorial con todo lo nuevo que se produce en este mundo que está en constante cambio y desarrollo, manteniendo siempre un gusto clásico, pero innovándolo siempre con tejidos, con nuevas líneas, con algún toque nuevo cada vez, pero manteniendo siempre la belleza y la elegancia. Creo que ambos se perdieron mucho, pero no solo en la moda, sino en todos los niveles. Creo que es muy importante rescatar estos valores en la moda ya que la moda es una expresión del arte y en el arte siempre hay que tener buen gusto.
¿Qué expectativas tenes con esta nueva presencia en Sudamérica?
Yo pienso que el Paraguay es un país joven, dinámico  y que quiere progresar, pero manteniendo las tradiciones. Por este motivo pienso que mi moda puede conjugarse bien en este contexto.  Verdaderamente Paraguay es un país que me ha gustado mucho y me gustaría aún más estar aquí más tiempo.

UMBERTO MASCI
¿Vos que estas en el rubro de la producción de grandes eventos y desfiles,  que impresión te llevas de la organización del Asunción Fashion Week?
Debo decir que es un país que hace reflexionar mucho, porque en un  momento en el cual la Europa está viviendo un periodo de gran transición y hay un gran estancamiento yo veo un fermento inesperado y sorprendente en Paraguay y esto me hace entender que hay lugares en el mundo donde hay unas grandes ganas de hacer cosas, de vivir, de construir, de mostrarse y exhibirse en 360 grados, algo que es muy admirable.
¿Qué impresión te llevas de la moda local?
Lo más importante de lo que vi son las ganas de hacer y la creatividad que hay. Esto es un gran indicio de un país en ascenso. Estoy tan sorprendido que estoy tratando de hacer la mayor cantidad de fotos posibles de todo esto para mostrárselas a mis amigos italianos para que vean lo que hay aquí.
¿Y qué te llevas del Paraguay?
El Paraguay es un país chico, pero que tiene mucho para dar. Una cosa bellísima para mí, que soy europeo, que vivo en un país donde ahora tenemos varios problemas, que está atravesando una gran crisis, el ver un país así abierto, así nuevo, creativo y en movimiento me dio un empujón y me abrió los ojos. Estoy sorprendido positivamente por la gran capacidad y ganas de vivir que tiene este país. Para nosotros europeos es un óptimo ejemplo del cambio que hay. Mientras nosotros estamos parados, hay países que están teniendo una explosión increíble. Este es un país donde la fuerza son los jóvenes. Espero en algún momento venir con más tiempo.






domingo, 13 de marzo de 2016

FASHION CATWALK DUBAI MALL – VFDE / VOGUE FASHION DUBAI EXPERIENCE 2015



El pasado 29 de octubre se llevó a cabo uno de los eventos de moda más importantes del Medio Oriente, la tercera edición del VFDE “Vogue Fashion Dubái Experiencie 2015”, un evento que unió a dos verdaderos gigantes de la moda la revista Vogue Italia, considerada una de las ediciones de Vogue más influyentes del mundo, y el gigantesco Dubái Mall, no solo el shopping más grande del mundo, sino también el que aglutina a más marcas de lujo en un solo lugar en su Fashion Avenue, donde están presentes las casas de moda más importantes del mundo y su Shoe District que es el paraíso de las fanáticas de los calzados. Ambos dieron un espacio muy relevante dentro de su evento a los jóvenes talentos del mundo del diseño que fueron cazados en diversas ediciones del“Who is On Next?” de Vogue. Estos ocho diseñadores  Internacionales de Europa, Norte América, Asia y África representan probablemente los futuros grandes nombres de la moda internacional. De hecho, muchos de ellos ya ocupan un lugar destacado en sus respectivos países y otros ya gozan de fama internacional.

Cada diseñador presentó ocho pasadas de su nueva colección primavera verano 2016 en el desfile presentado por la súper modelo internacional Carmen Kass ante la presencia de celebridades y personalidades de la moda como: Carlo Capasa, Raffaello Napoleone, Silvia Venturini Fendi, Federico Marchetti, Salama Alabbar, Franca Sozzani, Christian Louboutin, Miroslava Duma, Eguenie Niarchos, Bianca Brandolini d’Adda, Eva Herzigova, Mariacarla Boscono y Margosia Bela.

Con respecto el evento, la Directora de Desarrollo Comercial y Operaciones del los Emaar Malls, Natalia Bodanova expresó que esta experiencia promete “otra increíble celebración de la moda y el apoyo a los talentos emergentes y adicionalmente da la bienvenida a entusiastas de la moda del mundo entero para presenciar las últimas tendencias de estilo. El evento sirve como un verdadero promotor de los talentos emergentes y a ser descubiertos, mostrando como Dubái se encuentra a la vanguardia en lo que respecta a la promoción de la próxima generación de diseñadores internacionales.” Cabe destacar que el Medio Oriente es actualmente uno de los principales mercados para el mundo de la moda y el lujo, por lo que sus eventos están cobrando cada vez más relevancia internacional, como demostró la enorme cantidad de prensa proveniente de Asia, Europa, de otros países del Medio Oriente y Estados Unidos.

MELITTA BAUMEISTER: Esta prometedora diseñadora alemana afincada en Nueva York, lanzó su línea de prêt à porter en febrero de 2014 en el contexto del New York Fashion Week al poco tiempo de graduarse de la prestigiosa Universidad de Parsons New School for Design con un Máster de Bellas Artes. La colección, de una paleta restringida al blanco y negro y líneas depuradas, se valió del graffiti como elemento decorativo, casi como una impronta gestual en los géneros  de una paleta restringida al blanco y negro, empleando materiales tan diversos como el algodón y el vinilo. En cuanto a las formas, mucho volumen, mucho XL de manera a dar total libertad de movimiento y generar un look muy net. Su trabajo fue descrito como una conversación constante de su deseo de explorar las posibilidades del mañana. Melitta es ya una favorita de celebrities más vanguardistas como Rihanna y Lady Gaga, quienes adoran su estilo poco convencional e innovador.

THE KAYYS: Las renombradas hermanas cataríes: Hend, Ghada y Maha Al Subaey son las diseñadoras detrás de esta marca fundada en 2011. La marca apunta a crear prendas excepcionalmente hermosas y modernas que reflejan las personalidades de las tres hermanas, su estilo y su herencia oriental. La colección anclada en tonalidades doradas y arena, con siluetas sueltas de reminiscencias orientales, hacían un guiño a la indumentaria tradicional catarí, pero purificándola y modernizándola con una reinterpretación contemporánea. Esta marca ha tenido un éxito gigante en todo el medio oriente, ya que curiosamente, las mujeres musulmanas, a quienes el mundo aún sigue viendo como muy conservadoras, debajo de sus túnicas tienen un gusto de vestir muy depurado y moderno. La marca también ha tenido un gran impacto a nivel internacional, y sus prendas son llevadas por celebridades de la talla de  Gwen Stefani, Olivia Palermo y Hanneli Mustaparta.

L72: El diseñador británico Lee Wood graduado de la Facultad de Arte y Diseño del Berkshire College of London, decidió lanzar su propia línea en Milán tras haber colaborado durante 16 años con Donatella Versace como pieza fundamental del equipo de diseño de Versace. Sin embargo esos 16 años en el atelier no amaneraron su estilo personal, que se presenta muy distinto al de la famosa casa de moda italiana. El maximalismo no caló profundo en las tendencias minimalistas de Lee, quien lanzó con gran éxito su marca L72 durante el Milán Fashion Week. L72  juega con el minimalismo al tiempo que entrelaza la ropa de calle con elementos de la sastrería tradicional italiana para crear un look contemporáneo muy urbano y moderno y rigurosamente made in Italy. Lee afirma querer crear un nuevo concepto de elegancia, generando una confluencia de siluetas clásicas con elementos muy modernos como materiales  tecnológicos como el sport mesh (material empleado en la fabricación de zapatillas deportivas) y bordados realizados con minidiscs como si fueran lentejuelas XL. Esta colección inspirada en la nostalgia de la infancia, fue construida enteramente con los colores primarios: rojo, amarillo y azul, como un guiño a los bloques de Lego y a las infinitas posibilidades de combinaciones cromáticas y constructivas.

REEM AL KANHAL: La historia de Reem al Kanhal es verdaderamente apasionante. En el 2010, Reem Al Kanhal, desafió a la estricta sociedad saudí para crear, a puro pulmón y con grandes dificultades y obstáculos, una marca de prendas prêt à porter en Riad, Arabia Saudí donde al estar prohibido realizar fotos con mujeres hacer un simple look book o de campaña es una verdadera misión imposible. Reem se caracteriza por sus diseños de líneas modernas que incorporan elementos tradicionales de la cultura beduina. Reem siempre ha creído que la moda está más relacionada con la manera en que te hace sentir adentro más que ver desde afuera. Por este motivo para esta colección, enteramente confeccionada en algodón, se inspira en las puertas y los colores de Túnez, con mucho blanco, celeste y rojo. Las puertas se convierten en metáforas de lo que ocurre en el interior de las casas y de las personas, de los secretos y los mundos interiores. Los escotes y detalles calados en la espalda siguen las formas de los enormes portones tunecinos con sus pequeños grandes mundos escondidos en su interior. Entre sus prendas, una de las prendas más emblemáticas fue un moderno buzo de neopreno que llevaba bordado en mostacillas rojas un saludo muy tradicional tunecino: “Que Dios te dé vida”, con el cual abrió su desfile lleno de prendas dedicadas a las mujeres fuertes e independientes como ella.

Studio 189: Esta marca es el fruto de una colaboración entre Ghana y Estados Unidos. Fue creada por la actriz Rosario Dawson y la talentosa diseñadora Abrima Erwiah y lanzada en febrero de 2013 con la misión de usar a la moda como un agente de cambio social en África, generando oportunidades para el progreso de las mujeres al proveer fuentes de trabajo, educación y revaloración para artesanas y creativas. El eje principal de la colección son los tejidos tradicionales teñidos a mano con técnicas ancestrales africanas y asiáticas de batik, en la cual cada motivo es realmente un símbolo con un significado. Una colección en la que predominan el índigo, los tejidos livianos y naturales como el algodón, la seda y el denim tejido en telar, que le da una textura y apariencia absolutamente diferente, mucho más cruda y fiel a la colección que da realce a lo artesanal. Cabe destacar que en todas las prendas de Studio 189 lo artesanal juega un rol fundamental. Además de los géneros estampados a mano, también se emplean otras técnicas como patchwork, reciclaje de prendas y géneros pintados a manos.


XIAO LI: Esta diseñadora china graduada en el Royal College of Art y el London College of Fashion viene de haber trabajado con importantes diseñadores como J.W. Anderson, Alexander McQueen y Anya Hindmarch. Su fuerte son los tejidos, área en la que incluso ha ganado diversos premios. En esta colección bien moderna y neta, predominaron las serigrafías en plástico que, a veces, servían como estampas y otras como verdaderos bordados. En toda la colección se trabaja una dicotomía conceptual muy bien lograda entre lo bueno y lo malo, lo leve y lo pesado, lo ordenado y lo caótico.

ARTHUR ARBESSER: Este diseñador austríaco graduado del Central Saint Martin’s College de Londres y radicado en Milán es considerado una de las promesas de la moda italiana tras haber lanzado su colección en febrero de 2013 en Milán y, solo cinco meses después, haber ganado el concurso Who is on Next de Vogue Italia. A pesar de su juventud ya es conocido internacionalmente como uno de los diseñadores más prometedores de Europa. Seguramente el haber trabajado más de 7 años con el emperador de la moda italiana, Giorgio Armani, caló hondo en su estética. Su colección es muy femenina y fina, y apoyada fuertemente en la delicadeza de las flores. Los estampados fueron creados en colaboración con una ilustradora quien creó acuarelas con flores y gatos.


KRIKOR JABOTIAN: Krikor es libanés y es considerado  una de las grandes promesas del Haute Couture y, para muchos, es considerado el sucesor de Elie Saab. De hecho, empezó su carrera trabajando en el departamento creativo de Elie Saab. Krikor se independizó fundando su propio atelier con tan sólo 23 años cuando ganó el concurso STARCH, fundado por otro gran diseñador libanés: Rabih Kayrouz. Su éxito e impacto de su trabajo fue casi inmediato. Su carrera podría bien ser descrita como “meteórica” ya que a pesar de su juventud, ya es considerado un referente de la moda y su nombre es conocido en todo el mundo. Su fuerte es, sin lugar a dudas, la alta costura y esta colección de prêt à porter estaba impregnada de toda la exquisitez y la elaborada delicadeza habitual en la haute couture, con vestidos enteramente bordados a mano, plumas y detalles maravillosos como las peonías impregnadas en plástico y pintadas a mano que ornaban dos de sus modelos. Las flores tratadas con esta innovadora técnica no dejaban de verse naturales, pero más bien ganaban un carácter teatral, al parecer marchitas.

Indiscutidamente, Estos ocho nuevos talentos son ejemplos excepcionales de una nueva generación de promesas globales.

Lo bueno de estos concursos es que no solo posibilitan una mayor visibilidad internacional de los diseñadores emergentes, sino que los vencedores tienen todo un proceso de acompañamiento que les permite crecer dentro de la industria, adquiriendo contactos, knowhow, clientes nuevos y muchísima prensa. Los organizadores no se limitan a dar un premio, sino a acompañar al diseñador durante un tiempo proveyéndole diversas situaciones que le permitan adquirir mayor experiencia, exposición y aprendizaje.

Es muy admirable como Dubai, en su búsqueda por posicionarse como una capital internacional de la moda y el diseño, está invitando a diseñadores emergentes de Asia, África y Medio Oriente a unirse a esta experiencia. Ojalá en próximas ediciones extiendan la participación a Sudamérica, así nuestros talentosos diseñadores podrán dar a conocer su trabajo en esta región tan importante actualmente para el mercado de la moda y del lujo.


COLECCIONES DE ALTA COSTURA OTOÑO INVIERNO 2015 Parte II



En el pasado mes de Julio, Paris (y como excepción Roma para Valentino) fue el escenarios donde las  grandes firmas de Alta Costura presentaron sus colecciones de Otoño Invierno 2015-2016. Glamour, magia, delicadeza, fantasía, lujo y encanto, todos sumados para montajes fastuosos, puestas en escenas impactantes y prendas sacadas del lugar mismo donde nacen los cuentos de hada más hermosos.

En la segunda parte de este reporte especial de Alta Costura, les invitamos a realizar con nosotros un recorrido por todo lo mejor de las colecciones de Alta Costura.

Giorgio Armani Privé: Giorgio Armani decidió hacernos ver a través de lentes de color de rosa, más específicamente lentes de color rosa shocking contrastado con un profundo azúl marino (color favorito del diseñador). Con plumas, bordados y combinaciones de géneros, logró una colección muy texturada y en degradé que convirtieron a las prendas en un festín táctil y visual. La colección puso en escena el corte impecable tradicional de esta casa de moda y todos los elementos icónicos de Armani: sastrería, joyas audaces, vestidos de paillettes y una dosis saludable de terciopelo. La colección parecía capturar el ambiente de una calle nocturna iluminada por brillantes y coloridas luces de neón que se veían reflejadas en charcos de lluvia sobre el asfalto.

Stephane Rolland: Las tradicionales siluetas fluidas del diseñador estaban sostenidas por cuero dorado. Muy inspirado en la estética de los años 30, en el art decó, y con muchos detalles geométricos, asimetrías, transparencias y veladuras. También se vio mucho degrade de colores. La paleta muy tenue, con blancos y tostados y el verde como el único elemento de color. Una vez más el diseñador hizo gala de sus volúmenes arquitectónicos, con prendas que hacían gala de detalles fuertes y llamativos en el torso. En la pasarela no faltaron los habituales elementos de la iconografía Rolland: los monopantalones, los vestidos con capa y los vestidos corte sirena.

Chanel: Este año el diseñador Karl Lagerfeld decidió poner sus apuestas en un Casino como telón de fondo para el espectacular show de alta costura que regala Chanel cada temporada al público. Esta casa de moda ya se ha hecho famosa por llevar sus puestas en escena a la esfera teatral, ofreciendo auténticos shows visuales que  acompañan a toda una narrativa. El káiser sentó a todas las celebridades asistentes en mesas de ruleta o black jack. Entre las invitadas a apostar se encontraban: Vanessa Paradis, Kristen Stewart, Lara Stone, Stella Tennant, Lily Collins, Geraldine Chaplin, Lily Rose Depp, Rita Ora y Julianne Moore. Toda la colección seguía una silueta y temática de los años 20, que era acompañada por un estilismo que reforzaba la estética de los años locos del charleston, con mejillas repletas de rubor y pelucas que recordaban al corte de Louise Brooks. En la colección muchos brillos, plumas y siluetas relajadas salvo por las hombreras muy rígidas de sus sacos, que en realidad proporcionaban una silueta muy poco favorecedora, haciendo parecer roperitos a las modelos. En los vestidos mucha asimetría, bordados, superposición de géneros livianos y cinturas altas. La novia, Kendall Jenner,  lucía pantalones de satén, reforzando la temática emblemática de la maison Chanel: el casual chic. En esta partida, nuevamente ganó la casa.

Giambattista Valli: Este desfile fue muy especial ya que conmemoró los 10 años de carrera del diseñador italiano. El desfile concluyó con un extravagante baile en la opulenta Opéra Garnier llamado “Flower Obsession Ball” (Baile de la Obsesión Floral) para el cual la tenida obligada era floral. En homenaje al diseñador MAC lanzó una línea de coloretes en tonalidades inspiradas en los rosas de su colección de alta costura. El diseñador lanzó una colección muy joven que abrió con pasadas en blanco y negro para dar lugar a estampados de op art y gradualmente a tonos más intensos primero incorporándose a estampados y luego ya en prendas en colores plenos. La textura, la paleta, la textura y la silueta de las prendas recordaban a esporas de flores, las últimas pasadas, mucho más voluminosas y exuberantes recordaban a flores florecidas en su máximo esplendor. Mucha combinación de vestidos llevados sobre pantalones, recordaban a la estética de los años 70, la cual era reforzada con los estampados de los géneros. Los bordados agregaron mucha textura a las prendas generando un efecto 3D en muchas de ellas.

Schiaparelli: La famosa casa de moda reabierta hace 3 años, tras casi 50 años, estaba estrenando diseñador. El italiano Marco Zanini fue reemplazado por Bertrand Guyon quien hizo un excelente trabajo revisando archivos y fusionando la iconografía de Schiaparelli a nuestros tiempos. Muchos detalles oníricos y surrealistas pusieron en evidencia que Guyon estuvo haciendo su tarea en la casa Schiaparelli. El diseñador llamó a esta colección “El teatro de Elsa” en homenaje al amor de la diseñador por las artes escénicas. Aires muy vintage y glamorosos en las siluetas inspiradas en los años 30 y 40, décadas doradas para la diseñadora. Guyon logró a la perfección hacer relevante a lo retro, con piezas muy fuertes y muy ponibles. La pasada final fue un auténtico broche de oro para el homenaje a la creadora del color rosa shocking: un vestido de organza en este color que verdaderamente quitaba el aliento.


Dior:  Raf Simons jugó con la idea de Tentación, deseo y lo prohibido para crear esta colección inspirada en el jardín de los placeres terrenales. La colección sin lugar a dudas fue muy femenina y mucho más ornada, texturada y floral de lo que uno espera de este diseñador. Simons jugó mucho con las siluetas, proponiendo elementos muy variados, desde mangas holgadas, hasta abrigos XL y vestidos más entallados. La colección fue presentada en un invernadero que fue un gran aporte visual, pero un sofocón para los presentes, quienes aseguraron que el calor allí adentro fue infernal. El diseñador jugó con la idea de la pureza e inocencia, contrapuesta a aquella del lujo y la decadencia. En cada pasada se iban alternando vestidos muy ornados y suntuosos, con otros sencillos y sin adorno alguno, vestidos texturados o estampados, y túnicas lisas y sueltas. En este juego de opuestos el diseñador hizo gala de solidez conceptual de sus colecciones.


COLECCIONES DE ALTA COSTURA OTOÑO INVIERNO 2015




En el pasado mes de Julio, Paris (y como excepción Roma para Valentino) fue el escenarios donde las  grandes firmas de Alta Costura presentaron sus colecciones de Otoño Invierno 2015-2016. Glamour, magia, delicadeza, fantasía, lujo y encanto, todos sumados para montajes fastuosos, puestas en escenas impactantes y prendas sacadas del lugar mismo donde nacen los cuentos de hada más hermosos.

En este reporte especial de Alta Costura, les invitamos a realizar con nosotros un recorrido por todo lo mejor de las colecciones de Alta Costura.

Valentino: El Emperador del Estilo regresó a la ciudad eterna para presentar su colección, tras varios años de presentarla en París y lo hizo nada más y nada menos que en la famosa Piazza Spagna, donde 50 años atrás empezaba su atelier de Piazza Mignanelli. Fue uno de los eventos del año, con más de 800 invitados reunidos en un set que simbolizaba el antiguo foro romano. Los actuales diseñadores de la casa Valentino, Maria Grazia Chiuri y Pierpaolo Piccioli, acompañaron el esplendor de la ciudad eterna con su colección de alta costura que se inspiraba en las imágenes sagradas del imperio romano de occidente y de oriente, el imperio tardío de Roma y  el de Bizancio. A la par que los íconos bizantinos relucieron creaciones en negro y dorado y mucho rojo (color icónico de la casa). Los vestidos muy etéreos y transparentes y con reminiscencias medievales y a veces hasta monacales, en géneros como el chifón, la seda y el terciopelo y encajes y plumetí. Tiras de encaje ribeteadas osadamente en cuero, daban vida a faldas que hacían eco a las balteas de los legionarios romanos. Como princesas bizantinas las modelos llevaban como tocado joyas creadas por Alessandro Gaggio. Los vestidos llevaban bordados en hilo de quimeras y animales mitológicos propios del Medioevo, así como también patrones geométricos que recuerdan a los pisos de mármol de las iglesias romanas. La colección propone una elegancia pura que casi emula a lo sagrado, que nos da una lección de estilo: el verdadero lujo es sereno, no grita, es discreto y no tiene necesidad de ser exagerado. La colección fue una oda a este lujo donde el buen corte, los buenos géneros, la moldería y el concepto se conjugaban en prendas de una sobriedad casi clerical, pero que aún así emanaban un aura casi sagrada, de una mujer segura de sí misma y de su estilo.

Loris Azzaro: La colección homenajeaba claramente al glamour del célebre Studio 54, sumándose a la lista de diseñadores que miran a los 70’s como fuente de inspiración. La ambientación recordaba a un club nocturno, escenario perfecto para una colección muy nocturna en sí misma. La paleta se apoyó fuertemente en el azul, desde el eléctrico hasta el azúl marino, el negro, el blanco y el bordeaux, con un único elemento de color que se salía de esta paleta, un fabuloso vestido verde neón que dio un toque ácido y moderno a todo el conjunto. Otro recurrente en las prendas son las franjas o líneas verticales, que servían de enmarcado o bordeado de los géneros. Mucho brillo y transparencia para mostrar la piel. Estampados florales y animal print de tigre, todo muy  flashy e irreverente. Las vedettes de esta pasarela fueron las botas bucaneras peeptoe bordadas.

Zuhair Murad: Luces cobalto prepararon la atmósfera de la pasarela de Murad. Pasarela y prendas uniéndose en la magia de una noche estrellada, más bien una galaxia, con cristales que estallaban en colores imposibles de imaginar en un cielo nocturno, como el bordeaux y el rojo. La nota constante fueron los cristales que adornaban cada una de las prendas. Los bordados, estampados y accesorios también remitían a las estrellas y a las galaxias y hasta a fuegos de artificio y estrellas fugaces. Muhrad se sumó a la tendencia de las transparencias veladas con superposición de telas ligeras y bordados. La inspiración astral, permitió jugar con los brillos habituales en esta casa de moda, pero sumando un toque de originalidad muy refrescante, con prendas que convierten a todas las mujeres que las portan en verdaderas estrellas.

Viktor & Rolf: La expresión “vestidos que enmarcan al cuerpo” fue llevada a su versión literal por este dúo de revolucionarios diseñadores. Con sólo 20 looks, Viktor Horsting y Rolf Snoeren destacaron la esencia de la alta costura como piezas únicas y extraordinarias que merecen estar en un museo. Fieles a su costumbre, este desfile fue absolutamente performático, como si se tratara de una performance artística. Ambos diseñadores, sobre el escenario, tomaron las faldas, abrigos y vestidos que llevaban las mujeres como lienzos partidos y enmarcados en dorado, se los sacaron a las modelos y los colgaron en la pared como verdaderas obras de arte. Obviamente las piezas presentadas, no son para nada ponibles en el día a día, tal vez únicamente Lady Gaga o Daphne Guinness se animen a comprarlas, pero constituyen el lado más artístico y creativo de la moda, por lo que merece un guiño positivo como comunicación de la marca.

Fendi: Esta casa de diseño presentó una colección de Alta Costura atípica, que más que Alta Costura debería llamarse Alta Peletería, pues constituye la pesadilla de todo animalista, ya que está diseñada exclusivamente con pieles de animales. De hecho, una de las líneas más lucrativas de esta tradicional casa de moda italiana que cumple 50 años trabajando con el diseñador Karl Lagerfeld, es su línea de Peletería de Lujo. A pesar de las amenazas de Peta, el show se desenvolvió sin incidentes, y la única manifestación en el desfile, fue la demostración de admiración por parte del público, que quedó encantado con esta colección que rinde homenaje a la tradición peletera de esta gran casa italiana. Las pieles se mostraban intervenidas con materiales atípicos, resinas, plumas, y también cueros y bordados, con tapados verdaderamente extraordinarios que se merecían el encuadre dentro de la pasarela de Alta Costura.

Jean Paul Gaultier:  L’enfant terrible de la moda rindió homenaje a la región de Bretaña, cuya tradición naval se conjuga a la perfección con la icónica malle con rayas (vestimenta típica de los marineros bretones) que está siempre presente en las colecciones del diseñador francés y se han convertido en su sello personal, adornando todo desde sus botellas de perfumes, hasta los posters de su muestra retrospectiva y packaging de sus productos. El homenaje también rindió tributo a los crepes y la sidra tradicionales de la región. El diseñador jugó con los elementos típicos de la indumentaria bretona, además de los uniformes náuticos, con sus zuecos de madera, sus encajes, sus sombreros y sus trajes festivos. Los crepes fueron homenajeados con unas extrañas faldas circulares que exudaban más originalidad que elegancia. La pasada final, un crepe perfecto, una aberración visual en su conjunto, pero maravilloso en sus intricados detalles de encajes, géneros y materiales.

Maison Margiela: El diseñador John Galliano se sigue mostrando fiel a la línea minimalista de la firma que lidera, dejando destilar pequeñas ráfagas de su delirante aproximación al diseño. A pesar de que –en comparación con sus anteriores colecciones- el diseñador parece estar dejando asomar más de su impronta, no deja de parecer como si Galliano se está restringiendo, limitando su genialidad, como con miedo a volver a sus antiguos excesos. Una pena. El enfoque de esta colección estaba hecho en el reciclado de prendas, un concepto muy actual y comprometido con el medio ambiente, muy políticamente correcto, pero muy poco haute couture.


Elie Saab: Saab como siempre se muestra romántico y nostálgico, y con justa razón. Su colección fue dedicada a su esposa Claudine, con quien cumplió el 4 de julio, 25 años de casado. Como la esposa lució un vestido dorado diseñado por Saab en el día de su boda, toda la colección estaba bañada en oro. Otra fuente de inspiración fue Bizancio, con los tocados y las siluetas medievales y vestidos etéreos, vuelos y pequeñas capas. El resultado fueron piezas sublimes, con un magnífico movimiento, que al caminar cobra vida, un rasgo habitual en los diseños del diseñador libanés. Mucho lujo y brillo, encajes, transparencias, pieles y el gusto impecable habitual de Saab. En esta colección, se vio un giro de diseño en la aproximación a las mangas, que se presentaron originales e innovadoras, esculpidas, acentuadas en pieles, como alas, mucha experimentación, con fabulosos resultados.

BLANCA Y RADIANTE: TENDENCIAS DE VESTIDOS DE NOVIA 2015




Si bien los vestidos de novia no parecen estar muy expuestos a las tendencias y a la innovación, indudablemente no están exentos de las influencias de su tiempo y van modificándose cada año de acuerdo a las macro tendencias de moda. Temporada tras temporada se ven pequeños cambios, muy sutiles, pero que significan no obstante nuevas tendencias en el área nupcial.
Desde sobrefaldas removibles (una tendencia muy práctica que permite hacer más cómodo el vestido durante la fiesta) hasta leves incorporaciones cromáticas (que dan un poco de originalidad a la paleta tan monocromática de la indumentaria de novia) les invitamos a conocer las nuevas tendencias que se verán camino al altar en esta Primavera 2015.

HOMBROS AL DESCUBIERTO: esta fue una tendencia muy recurrente en los vestidos de novia. Muchos modelos dejaban los hombros al descubierto, ya sea con transparencias, calados, o mangas bordadas en hilos que caen sobre los hombros, mangas caídas en chiffon y escotes botes que permiten atisbar los hombros. Los escotes del 2015 sin lugar a dudas ponen en realce a los hombros femeninos, como una parte sensual y delicada, en una silueta muy romántica y tradicional. Para hacerlos más recatados, muchos diseñadores optaron por mangas ilusión con encajes que permitían ver los hombros. Marchesa propuso muchos vestidos de inspiración griega, con mangas caídas de chiffon de seda y muselina así como también hombros destacados con encajes y transparencias. Otro que destacó los hombres desnudos fue la firma Oscar de la Renta proponiendo varios modelos con escotes bote y escotes corazón que dejaban los hombros descubiertos. Carolina Herrera propuso hombros al descubierto pero con mangas ¾.

NUEVOS COLORES: Para salirse del blanco, cada año los diseñadores proponen leves cambios cromáticos ya sea en detalles como en géneros. Este año hubo dos grandes tendencias cromáticas, la primera era la del gris amarronado o visón y la segunda es la del celeste hielo. Como la tradición dice que llevar algo azul en el día de la boda trae suerte, no podemos más que celebrar esta opción que nos saca del aburrido blanco. Obviamente que los géneros propuestos son en las gamas más pálidas y suaves de celeste, como el celeste hielo. Los diseñadores que apostaron por el celeste fueron: Claire Pettibone, Liancarlo y Johanna Johnson, pero tal vez quien más se valió de este color fue la famosa diseñadora Monique Lhuillier quien se valió del celeste más claro imaginable así como también de un azúl violáceo como el de las hortensias.  Por su parte, Jenny Packham, Alvina Valenta, Naeem Khan se apoyaron en el gris amarronado y en el visón. Naeem Khan apostó también al dorado y la marca Theia propuso numerosos vestidos en gris metálico. La diseñadora Sareh Nouri propuso el malva pálido. Pero tal vez uno de los más magníficos fue el vestido de novia dorado que propuso Elie Saab en su última colección de alta costura, inspirado en el vestido dorado que diseñó para su esposa Claudine, para su boda, como homenaje por su aniversario de 25 años de casados.

FALDAS DE TUL: Las vaporosas faldas de tul, compuestas por centenares de capas sobrepuestas fueron una de las principales tendencias de la temporada. Vera Wang fue tal vez quien más modelos en tul presentó, con modelos que parecían sacados del ballet. También empleó faldas con capas de tul sobrepuestas muy voluminosas e irregulares que generaban muchas veladuras y transparencias. Monique Lhullier también diseñó muchas faldas voluminosas en tul. El tul también se empleó muchísimo como sobrefalda, por encima de vestidos más entallados, para agregar un volumen. Las sobrefaldas son una de las principales tendencias de la temporada (muchas de ellas removibles, lo que permite la transformación del vestido). Monique Lhullier, Carolina Herrera, Hayley Paige también presentaron sobrefaldas de tul, y  la marca Theia incluso presentó un modelo en el cual la falda de tul dejaba ver en su transparencia a un mini vestido.

CAPAS: Las capas y estolas fueron una constante, y una original alternativa al tradicional velo de novia que agregan algo de drama y glamour y se escapa de lo convencional. Marchessa, Monique Lhuillier, Claire Pettibone y Anne Barge presentaron muchos vestidos con capas y también con tiras de tela que colgaban en las espaldas. Monique Lhuillier  y Alberta Ferretti presentaron estolas de encaje que se prenden al frente, la primera con un broche y la segunda con un lazo. El diseñador Angel Sanchez presentó capas largas de organza. Naeem Khan presentó una muy original y glamorosa capa plateada de lúrex con plumas. Theia presentó sobretodos de organza y Mira Zwillinger unas estolas de tul muy fino con bordados diminutos y delicados que casi parecía como una segunda piel y que daban el vuelo de una manga mariposa. Carolina Herrera presentó una capa de encaje Chantilly y la diseñadora inglesa Victoria Kyriakides se inspiró en heroínas románticas, presentando capas largas que salen de los hombros.

CUELLO ALTO: Están muy de moda los detalles en el cuello así como también los cuellos altos en encaje y tul, para un look nupcial muy distinguido. Marchesa propuso un corsage bordado de cuello alto y mangas cortas; Galia Lahav y Christos Costarellos optaron por escotes halter en los que el cuello es el lugar de donde se sujeta el vestido. Se vieron muchos corsages de encaje con el cuello rebordado y también escotes en tul que tenían bordados o estaban ribeteados en encaje en la zona del cuello como si fueran collares. Marchessa presentó un modelo con cuello alto en encaje chantilly y mangas ¾.

30’S GLAM: El fabuloso glamour de los años 30 estuvo muy presente en las siluetas y en los brillos. El satén fue una tela muy empleada, sobre todo en la forma del clásico vestido tipo enagua, cortado al bies. Siluetas angostas y brillantes que dan una sensación de elegancia sofisticada y depurada.  Victorai Kyriakides presentó un vestido tipo enagua con capa transparente, TRuly Zac Posen presentó una silueta total años 30 con mangas flojas en satén.  La marca Rosa Clará se inspiró en el art decó con detalles bordados en plata y siluetas rectas. Monique Lhullier también incluyó un par de vestidos tipo enagua en satén y Aire Barcelona propuso vestidos rectos con cuellos volcados de gasa sobrepuesta. Jenny Packham propuso por su parte vestidos de gasas drapeadas y plizadas muy etéreos y con reminiscencia griega. También se vieron muchos bordados e incluso flecos de seda y pedrería en las colecciones de Hayley Paige, Theia y Naeem Khan.

RELAJADA: La consigna es chic y sencilla y absolutamente relajada. Ideal para casamientos en el campo o en la playa con opciones fuera de lo común. Oscar de La Renta por ejemplo presentó un vestido sencillísimo de algodón, tipo aldeana, ornado con pasamanerías y delicadas vainillas. Encore by Watters propuso un romper de encaje (básicamente un short) relajadísimo y muuuy cómodo y la entera colección de Hougthon fue un homenaje a esta premisa, que aboga por una novia muy sencilla y contemporánea, sin frufrú y con mucha actitud, con varios pantalones palazos, camisas blancas, siluetas extra holgadas, faldas midi e incluso crop tops.

VESTIDOS TRANSFORMABLES: Como indicamos más arriba, una de las principales tendencias fueron las sobrefaldas que permiten transformar los vestidos de novia. Es básicamente como tener dos vestidos en uno. Esta tendencia es muy acorde a nuestros tiempos, donde la mujer busca cada vez más comodidad y practicidad. No solo permite pasar de un vestido tradicional en la ceremonia religiosa a un vestido entallado y menos voluminoso para el baile, sino también jugar con el largo, con sobrefaldas que revelan mini vestidos, o vestidos que pueden acortarse con cierres. Las capas también permiten transformar el vestido para que sea más recatado durante la ceremonia y más sensual en la fiesta. Estas opciones también hacen más ponible al vestido en otras ocasiones. Diseñadores como Judd Waddell, Kelly Faetanini, Rivini e Ines Di Santo, abogaron por vestidos transformables y prácticos.

CROP TOPS: Esta tendencia de calle se coló curiosamente a la pasarela nupcial. Obviamente se trata de una opción para las novias más jóvenes, que propone acompañar voluminosas faldas de cintura ya sea en su versión mini o larga hasta el piso, siempre de cintura, con un crop top, o top corto que deja el descubierto una fina franja de piel en la zona del abdomen. Houghton propuso un crop top de encaje con falda irregular corta adelante y larga atrás muy canchero y juvenil. Theia, Mira Zwillinger y Monique Lhullier optaron por croptops acompañados de tradicionales faldas largas de cintura.