MODELAJE MASCULINO

Desde que ha habido una demanda para la moda masculina, ha existido una necesidad de modelos masculinos. Los primeros eran retratados por hábiles ilustradores. Posteriormente, con el avenimiento revolucionario de la fotografía, se empezaron a fotografiar a los primeros modelos masculinos para vender diversos productos en catálogos y revistas. De todas maneras, en la industria de la moda ocurre un caso muy peculiar, que se da en muy pocas otras profesiones: el mercado está dominado por las modelos femeninas. Los modelos masculinos de hecho, siempre han ganado menos y han tenido menos fama que sus contrapartes femeninas.

Sin lugares nombres como Tyson Beckford, Tyrese, Marcus Schenkenberg y Mark Vanderloo son ya nombre icónicos del modelaje masculino, sin embargo hay centenares de modelos muy populares dentro de la industria pero que no son conocidos fuera de la pasarela. Cabe destacar que el mercado del modelaje masculino es mucho menos competitivo que el femenino, sin embargo, la fama solo llega a un puñado de modelos hombres.

Sin lugar a dudas en la actualidad se ha producido un gran giro dentro de la moda, pues la mayoría de los hombres están más atentos a lo que se usa y a lo que ocurre en la industria de la moda. Estamos ante una generación de hombres mucho más conscientes y cómplices de la moda.

PARAMETROS PARA SER MODELO MASCULINO

Sin lugar a dudas rasgos fuertes y distintivos son esenciales para hacerse notar en el medio. La altura también es importante. La altura promedio de los modelos es 1.83 y el cuerpo también es fundamental. Los hombres deben estar delgados y tonificados con músculos marcados pero no muy grandes.

Por el contrario de las mujeres, la carrera de los modelos masculinos arranca mucho más tarde. Las chicas por lo general empiezan a modelar entre los 13 y 14 años, algo que puede ser muy duro ya que la industria es muy inclemente y no es el ambiente ideal para una adolescente. Sin embargo los hombres empiezan un poco después, entre la edad de 18 y 25 años. Si bien esta industria atesora la juventud, en lo que respecta al modelaje masculino, no se quiere que los modelos luzcan excesivamente jóvenes o aniñados, se buscan rostros por lo general más maduros.

Se debe tener en cuenta que la duración de la carrera es breve. Solo unos cuantos siguen modelando al alcanzar una edad más madura. La mayoría modela sólo por un par de años y luego pasa a otra cosa. Esto ocurre tanto para hombres como para mujeres. Pero obviamente hay notables excepciones ya que muchos hombre envejecen mejor y se mantienen atractivos hasta bien pasados los cuarenta, con rasgos más varoniles que son muy atractivos para las marcas y casas de moda que buscan rostros no tan andróginos y púberes, como para que su clientela se identifique con ellos. Es famoso el caso de Marcus Schenkenberg quien se hizo famoso a inicios de los 90’s y hoy en día sigue modelando. La regla usual es que la carrera de pasarela (donde sí se buscan chicos de apariencia más juvenil) dure apenas 3 o 4 años, pero la carrera como modelo publicitario y de catálogo puede extenderse hasta sobre pasar los 15 años de carrera.

CAMBIOS EN EL RUBRO

Como indicamos anteriormente no se puede negar que el mercado de la moda masculina ha tenido un crecimiento enorme en los últimos tiempos. Esto ha dado más oportunidad a los modelos masculinos para tener más y mejores oportunidades de trabajo.

Un tiempo atrás, era prácticamente obligado retratar a una mujer en las campañas fotográficas, por más de que se trataran de productos netamente masculinos, las agencias siempre buscaban incluir a una chica en la imagen de campaña. Sin embargo cada vez se ve más campañas que se centran en los modelos masculinos. Indiscutidamente los chicos están ganándose su bien merecido lugar.

Esta tendencia se ve en los renombrados fotógrafos como Steven Meisel, Bruce Weber, Mario Testino y Mert y Marcus, que eligen trabajar con modelos masculinos así como las mega marcas como Prada, Burberry, Calvin Klein y Versace que los usan como imagen. Además cada día hay nuevas revistas de moda orientadas al público masculino exclusivamente como GQ, Another Man y Men’s Health. Incluso muchas biblias de la moda como Vogue tienen sus ediciones masculinas.

Por lo general ganan hasta 4 veces menos que las modelos femeninas. Por ejemplo, si una modelo top saca 10.000 USD por una campaña, un modelo masculino saca aproximadamente 2,500 USD. Sin embargo, aquellos que logran alcanzar la cima ganan cifras millonarias.

LOS MODELOS DEL MOMENTO

Este año, la revista Forbes hizo un ranking de los 10 modelos masculinos mejor pagados de la industria. Sin lugar a dudas Sean O’Pry es el supermodelo de esta década. Además encabeza la lista de Forbes de los modelos mejor pagados de este año con un promedio de 1.5 millones de  dólares. Descubierto en MySpace a los 17 años, su rostro fresco lo ayudó a subir rápidamente a la cima ganando campañas para Calvin Klein, Versace, D&G, Ralph Lauren y Michael Kors e incluso un rol en el video de Madonna “Girl Gone Wild”. (Como nota al margen, para que vean la enorme diferencia entre los ingresos de las modelos femeninas y los modelos masculinos, la modelo mejor pagada según la misma lista, Gisele Bundchen, ganó 42 millones de dólares en sólo este año).

El siguiente en el ranking es David Gandy, quien embolsó 1.4 millones de dólares. A los 33 años, este atractivísimo modelo inglés es uno de los favoritos de Dolce& Gabbana, la imagen del perfume Light Blue de esta marca, cuya campaña publicitaria causó furor al lanzarse, convirtiéndose prácticamente en un video viral. Desde que empezó a modelar en el 2001 ha sido contratado por Hugo Boss, Banana Republic y Massimo Dutti. David es uno de los pocos modelos masculinos cuya fama va más allá de las pasarelas. Además es el embajador de Johnnie Walker Blue Label y los helados Whey Hey. Además escribe una columna sobre moda para la Vogue Británica y para GQ.

El tercer lugar lo ocupa el canadiense Simon Nessman, con 1.1 millones de dólares. Simon empezó a modelar en el 2007 y al poco tiempo se convirtió en uno de los rostros más conocidos del modelaje masculino. Actualmente es la imagen de Giorgio Armani y de Michael Kors (por la octava temporada consecutiva). También ha sido retratado para las campañas de Calvin Klein, Givenchy, Versace y Dolce & Gabbana.

El cuarto modelo en la lista es Arthur Kulkov, con 905,000 USD. Este modelo ruso de 30 años encontró el éxito de manera casi inmediata empezando a trabajar en súper campañas como la de Barney’s, Sisley y Tommy Hilfiger. Esta última marca lo ha contratado con un contrato muy lucrativo que lo compromete a ser imagen durante varios años para la marca.

El quinto es Noah Mills, quien ganó 740,000 USD.  Este norteamericano oriundo de Baltimore, empezó a modelar en el 2003 y ya ha sido rostro de numerosas marcas de lujo como Versace y Michael Kors. Mills hizo su debut actoral en la segunda edición de la taquillera película “Sex & the City” y planea seguir actuando.

El sexto en la lista es Ryan Burns, que no es muy conocido, pero gracias a un jugoso contrato de exclusividad para la prestigiosa marca Zegna, ha ganado una cifra tan importante que ha desplazado a muchos otros nombres conocidos. ¡610,000 USD por sólo una marca no es poca cosa!

Lo sigue Tyson Ballou, con 425,000 USD que ha protagonizado las campañas de H&M, Calvin Klein, Jil Sander y Salvatore Ferragamo. El octavo lugar es ocupado por el británico Ollie Edwards con 410,000 dólares quien es famoso por ser el rostro de Ralph Lauren y Brioni. El puesto 9 lo ocupa el español Jon Kortajarena con 290,000 USD, imagen de H&M y Karl Lagerfeld. El último puesto es del danés Tobías Sorensen con 265,000 USD por sus campañas para Zara, Diesel y Dolce & Gabbana.

ANI BAUMANN: ARTE EN UN CONTENEDOR

Ana Baumann, es una joven artista y fotógrafa paraguaya. Recientemente regresó a vivir a nuestro país tras pasar siete años radicada en el exterior. Primero el motivo fue su formación ya que originalmente partió para estudiar cine y fotografía en Buenos Aires en donde residió desde el 2006 hasta el 2010. Ese año, su fascinación por la fotografía la llevaría a Nueva York para continuar con sus estudios en la prestigiosa escuela de fotografía “International Center of Photography” (ICP).

El vivir en Nueva York le permitió adentrarse en el mundo de los museos, las galerías y las agencias fotográficas. Paralelamente a sus estudios en el ICP, tomó clases de arte contemporáneo en el Museum of Modern Art (MoMa), realizó una pasantía en la ICP y en la compañía de producción VBS.tv de la Vice Media Group y trabajó con el fotoperiodista Jean Pierre Laffont, co-fundador de Sygma Photo Agency.

Tras esta experiencia surgieron distintas exposiciones grupales e individuales en Buenos Aires, Nueva York y Asunción. Además el trabajo de Ani fue publicado  en “Scrapped Magazine”, una publicación estadounidense dedicada a la fotografía así como en varias revistas locales.

El año pasado fue un año muy intenso para Ani. Participó de una residencia para artistas de la School of Visual Arts de Nueva York, donde trabajó y expuso, también fue seleccionada entre los 10 finalistas del prestigioso premio de arte contemporáneo “Henri Matisse” y tuvo una muestra individual en la Galería Larissa Jiménez. Pero el broche de este año sería el inaugurar su propia galería de arte “El Contenedor- Proyectos de Arte Contemporáneo”.

¿Qué te llevó al arte, y en especial a la fotografía?

Recuerdo que desde bien chiquita me gustó el arte. A los cuatro años tomé mi primera clase de ballet y continué bailando durante toda mi adolescencia. Además me pasaba horas encerrada en mi cuarto leyendo, pintando y dibujando. También tomé clases de dibujo y pintura. Con mis dos abuelos compartía muchas de estas pasiones, como escuchar música clásica, ver obras de ballet y ópera, y el amor por los lápices de colores y la lectura. La música siempre fue una materia pendiente para mí. A los 16 años mi papá me regalo una cámara Pentax que pertenecía a mi abuelo, y me anote a un taller de fotografía acerca del cual mi mama había leído en el diario. ¡Hasta ahora recuerdo el recorte del anuncio! En los últimos años del colegio siempre fui una de las que hacia los videítos, y al terminar el colegio fui a estudiar cine y fotografía a Buenos Aires, luego me mude a Nueva York donde estuve primero estudiando y luego trabajando en fotografía y arte.

¿Qué fue lo que te motivó o inspiró a crear este nuevo espacio de arte?

En realidad, al principio la idea era utilizar estos contenedores como mi oficina, o estudio, ya que necesitaba un lugar donde trabajar en mis propios proyectos. Había llegado hacia unos meses a Asunción. Luego fui haciendo nuevos amigos y conociendo a mas artistas y siempre se hablaba de la falta de espacios de arte que había en Asunción, y sobre todo de arte contemporáneo, la mayoría se concentraba en el centro asunceno y era frecuentado solo por artistas, diseñadores, etc. Entonces se fue dando de a poco, a partir de todas las conversaciones que surgieron en distintos momentos. Siempre me tentó la idea de trabajar en una galería o museo. La sensación que me produce al entrar a uno de estos lugares es inexplicable. Y así fue decidí lanzarme a hacer una galería de arte.

¿Cómo surge la idea de transformar un contenedor en una galería de arte?

Recordando la utilización de contenedores en distintos lugares del mundo destinados a museos, ferias y espacios temporales de arte y cultura. Yo pude conocer Photoville, la feria de fotografía en Brooklyn, NY que se realiza todos los años en el puerto en distintos contenedores. Pero también la Bienal del Mercosur fue en contenedores y así hay varios otros lugares súper interesantes.

Tratando de respetar mi amor por la naturaleza y buscando una solución al terrible calor de Paraguay, hicimos que “El Contenedor” fuese lo más autosustenble posible, haciendo también un esfuerzo por respetar la estructura y forma de los contenedores, no quería revestir por completo las paredes, por eso surgió la idea del techo verde, que actúa como aislante, y de esta manera se necesita menos la utilización del aire acondicionado. De todos modos me gustaría tener paneles solares y así hay pequeños pasos en paralelo que estoy queriendo implementar para encontrar un equilibrio entre arte, diseño y naturaleza, las cosas que caracterizan a este espacio.  Por suerte para mí fue fácil remodelar los dos contenedores, con la ayuda de mi papá y mi mamá que entienden de ingeniería y arquitectura, con tiempo y con ganas pudimos reacondicionar este espacio.

¿Qué tipos de obras y artistas va a alojar este contenedor?

Artistas de distintas edades, trayectorias, carreras y estilos. La idea es mostrar la diversidad que existe entre los artistas contemporáneos en Paraguay, tanto personas que ya tienen cierta trayectoria y artistas emergentes. Es un espacio para todos, siempre siguiendo un criterio. Cada muestra tiene su propio carácter, y eso se va dando a partir de las propuestas que surgen. Por suerte hay personas que me apoyan y que tienen experiencia en este campo que me ayudan a elegir y armar cada muestra, para mí es muy importante escuchar distintas opiniones.

¿Cómo ves al arte contemporáneo paraguayo?

Siento que me falta aún informarme más acerca del arte contemporáneo paraguayo. En poco tiempo aprendí muchísimo, conocí a muchos artistas, curadores, profesores y entusiastas del arte y creo que hay muchas ganas, mucha energía, creatividad y amor. Pero faltan más lugares, más apoyo y sobre todo más interés al respecto tanto del gobierno como de la ciudadanía en general. De a poco el arte se va abriendo camino pero lo ideal sería que no se quede encasillado en un sector sino que todos puedan vivirlo, apreciarlo y compartirlo.

¿Contame más sobre cómo funciona el contenedor?

Abrimos a finales de noviembre, y estuvo abierto por un mes. Fui probando distintos horarios para ver a qué hora le gente se encontraba más disponible. En el 2014 quiero ajustar el horario abriendo de mañana y de tarde. La primera exposición la armamos con un grupo de amigos, yo expresé lo que más o menos estaba buscando para la primera muestra y lo que iba a ser la primera impresión que se iba a llevar la gente al visitar el espacio y a partir de ahí se fueron proponiendo nombres, obras, etc. Hablo en plural porque no soy yo sola la que elijo o decido todas las cuestiones, tengo muy en cuenta y trabajo muy de cerca con otras personas de quienes confió mucho en su criterio. 

La primera muestra fue minimalista, sutil, se trabajó mucho con el material y el soporte de la obra. También fue muy monocromática. La idea que tenemos en mente para la segunda que sería en febrero o marzo es hacer algo totalmente opuesto, lo único que te puedo decir por ahora es que va a ser muy colorida.

Cualquier persona puede mandar propuestas y es más, las propuestas son siempre bienvenidas, estamos en la búsqueda de nuevos talentos! Pueden mandar sus portfolios o trabajos al mail elcontenedorpac@gmail.com . Tiempo y lugar para eventos fuera de lo que propone la galeria no hay mucho, ya que durante el tiempo que duran las exposiciones no hay lugar para otra cosa. Pero enero y febrero está el lugar libre y quiero que se mantenga con vida, estoy viendo de qué manera activarlo durante el verano y quizás proponer algunos talleres durante estos meses.

¿Cuáles son tus sueños para el contenedor?

Me gustaría que funcione como un espacio de intercambio cultural y generador de ideas. La meta de El Contenedor es la de expandir las propuestas artísticas más allá de estas paredes y de este espacio físico.

¿Qué muestras y proyectos tienen previstos para el 2014?

Es difícil hablar de muestras y proyectos aun ya que estamos terminando este primer mes y aún quedan muchas cosas por ajustar, pero más que nada vamos a seguir trabajando en dar a conocer El Contenedor y los artistas que tenemos en Paraguay.

¿Qué es el arte para vos?

El arte para mí es un viaje y una manifestación de mis emociones.

Vacaciones de Terror

Todo el año las esperamos; literalmente, ni bien llegamos de ellas ya queremos volver y empezamos a planear mentalmente las del año que viene. A pesar de que son justas y necesarias y totalmente anheladas, algunas veces nos sale el tiro por la culata y nuestras soñadas vacaciones se convierten rápidamente en una pesadilla y pasamos en un nano segundo del idilio anticipado al más puro terror.

Al principio todo parece perfecto. Solcito, playa, amigos, familia, días de relax y noches de fiesta. El trabajo y las preocupaciones quedan atrás, dormimos como princesas, la pasamos como reinas y esperamos que tantos mimos y reposo nos hagan volver fresquitas como lechuguitas. NOT. Las vacaciones no siempre salen como planeadas. Inesperadamente, algo puede salir de contra mano y arruinarte las vacaciones. Analicemos los supuestos.

ARRANCAR CON EL PIE EQUIVOCADO: No hay mejor manera de arrancar MAL las vacaciones que tener algún problema en el aeropuerto. Llegar al aeropuerto y darte cuenta de que te olvidaste le pasaporte… o peor aún la tarjeta dorada son pequeños desastres que pueden hacernos empezar de mala manera. Y que les parece llegar a destino y darse cuenta que había sido necesitabas visa y la idiota de tu agente de viajes se olvidó de avisarte, o que tu visa acaba de vencerse, esta es la mejor manera de terminar las vacaciones ANTES de que empiecen.

VIENTOS HURACANADOS: Por favor mi reina, evita el Caribe y sus alrededores en temporada de huracanes. No hay peor cosa que ir de compras a Miami y terminar tiritando de miedo en el sótano de un hotel abrazada a un botones bobi tonto que está más despavorido que vos. Nunca está de más chequear el estado del tiempo antes de embarcarse, que no vengan unos vientos locos con nombre de féminas a convertir tus vacaciones en una película de clase B de catástrofes climáticas.

FAMILIA ADAMS: Nadie sabe por qué algunos familiares se transforman al cruzar la frontera del país. La familia más funcional puede transformarse en la familia Adams ni bien ponen el pie en el país de destino.  La mamá plagueona que se plaguea hasta por tener arena en las zapatillas…. ¡en la playa! El tío baboso que se pone bizco cada vez que pasa una chica en bikini y tras la novena caipiriña empieza a piropearle hasta a los rapais con zunga convencidísimo que son minas en topless. La prima princesa que se llevó su ropero entero (motivo por el cual tomó 40 minutos pasar la aduana) y que nos sigue haciendo esperar a todos porque se produce dos horas hasta para ir al súper. Los sobrinos malcriados que se pasan el verano entero peleándose, garroteándose, gritándose y  molestando a todos mientras los padres impávidos observan delfines en el horizonte…. Turururú, clap clap….. turururú, clap clap.

EL MARIDO CON SABELOTODITIS: No hay peor cosa que tener un marido sabelotodo. Perdón, si hay algo peor: ir de vacaciones con un marido sabelotodo. De seguro se van a perder 10 veces antes de llegar a destino porque él se negó a llevar el GPS, ya que sabía el camino de memoria. Cada vez que surja un inconveniente (te olvidás de empacar el protector solar de los chicos y hay que comprar uno nuevo) en vez de buscar una solución no va a dudar en recordarte que él te dijo luego que controlaras bien tus equipaje antes de salir, obviamente como buen sabelotodo no movió un dedo para ayudarte a empacar, pero si no hesitó en darte todas las instrucciones. Se rehúsa  pedir consejos ni direcciones y menos aún escucha a nadie… total el sabe todo luego. Como si esto fuera poco el decide a dónde ir y en qué momento hacerlo y hasta presume de meteorólogo arrastrando a toda la flia al zoo asegurándoles falsamente de que en media hora va a escampar. Con un marido así yo no voy en auto… voy en avión.

LA FICCIÓN SUPERA A LA REALIDAD: Que pinchada de globo es llegar a destino y darte cuenta que la foto de la playa del hotel de Cancún había sido que era una foto de las Maldivas, y que enfrente a la supuesta playa privada que esperabas, hay un atracadero de barcos reventados y arena de pedregullo ya que juuuusto fuiste a parar a la parte más fea de Cancún. Recuerden que por más idílico que sea el destino, siempre va a tener su parte fea. Y que me dicen cuando el supuesto “exclusivo resort” 5 estrellas con precios promocionales había sido fue construido en 1970 y nunca se remodeló, las alfombras apestan a humedad, el agua de la ducha no tiene presión, lo único lindo del hotel es el lobby, la pileta de tu casa es más grande, tenés miedo de que te agarres sarna si dormís en la cama de tu “suite” y cada vez que entrás al baño sentís que estás teniendo un bad trip setentoso. Solo les doy un consejo: SIEMPRE consulten antes con Trip Advisor.

ESCLAVA ISAURA: No hay peor cosa que regresar de las vacaciones dándote cuenta de que te pasaste laburando como una esclava para todos. ¡De que te sirve ir de vacaciones si vas a volver más cansada de lo que te fuiste! Si te pasas las vacaciones lavando y planchando ropa, baldeando la casa, cocinando, lavando platos, cuidando de las criaturas, remendando cosas y solucionando los problemas de toda la familia y no tuviste tiempo ni de sentarte media hora en una reposera sin hacer nada…. Discúlpame que te lo diga, pero tus vacaciones fueron una gran estafa. ¡Tu familia te llevó de esclava Isaura honey! Las vacaciones deben ser un reposo para todos, PRINCIPALMENTE para las reinas domésticas que se merecen un respiro. Revelate honey. Negate a volver a ir a es purgatorio disfrazado de vacaciones al mar. Exigí un hotel, exigí llevar ayuda o exigí un poco de colaboración por parte de todos.

La moda Vintage

Mucho se habla hoy de moda vintage. Se trata de una palabra francesa empleada en las vendimias para referirse a los vinos producto de sus mejores cosechas. El término por lo tanto adquirió la acepción de calidad y antiguo o añejo, que más bien es algo que el tiempo ha mejorado. Resulta natural que este término se extendiera para aplicarse a las prendas y accesorios que han sobrevivido la prueba del tiempo, ganando encanto con el transcurrir de los años y en tan buenas condiciones como para ser empleada hoy en día por mujeres apasionadas por la moda y la historia.

Muchos se preguntarán ¿en qué momento se puso de moda usar prendas pasadas de moda? Pero como todos los apasionados por la moda sabemos, ésta tiende a repetirse, y las prendas vintage justamente tienen a su favor el hecho de que pueden mantenerse vigentes sin dar a quien las lleva el aspecto de alguien pasado de moda, sino todo lo contrario.

A la moda vintage a veces se la asocia con las ropas usadas, con las ropas antiguas y con las ropas retro. Por lo que antes de proseguir es necesario aclarar bien las diferencias entre cada uno de ellos. Las prendas vintage, sin bien en muchos casos fueron usadas con anterioridad, no necesariamente son usadas. A veces se encuentran en tiendas vintage, prendas que tienen aún las etiquetas puestas, ya sea porque su dueño nunca llegó a estrenarla o porque se tratan de muestras o stock antiguo de tiendas. El ser usada por lo tanto no es un prerrequisito para que la prenda sea considerada vintage. Tampoco todas las ropas usadas pueden considerarse vintage. Las ropas deben tener al menos 20 años para ser consideradas vintage (osea que deben ser al menos del 1993). Esta regla no se aplica a las prendas de diseñador, que pasan automáticamente a ser consideradas vintage al pasar la temporada. 

Ahora pasemos a la diferenciación entre vintage y antiguo. Si bien muchas veces uno puede encontrar vestidos muy viejos en las boutiques vintage, de los años 50 o 60, los expertos en la materia hacen una distinción entre lo vintage y lo antiguo. Todas las prendas producidas antes de 1920 son referidas como ropas antiguas por lo que no entran en la categoría del vintage. Esta diferenciación tiene una razón muy práctica. La ropa anterior a los años 20 es muy difícil de poder llevarse hoy en día debido al estado de conservación de las prendas, y como la idea de la moda vintage es vestir la prenda, las prendas muy antiguas y frágiles no pueden comercializarse como vintage. 

El último término con el que debemos hacer una distinción es el término “retro”. Las prendas retro están inspiradas en una determinada época de la moda, ya sea años 50 o años 40, pero no son de esa época, sino que fueron confeccionadas contemporáneamente por diseñadores que se inspiraron e imitaron estilos llevados en tiempos anteriores. Una prenda retro puede estar hecha hace solo unos meses, sin embargo para que una prenda sea vintage, es necesario que hayan pasado al menos 20 años.

Si bien las modas de tiempos anteriores siempre han generado un sentimiento de fascinación y de nostalgia en los fashionistas del mundo, la moda de llevar prendas vintage surgió en los años 90. Las prendas vintage tuvieron un auge de popularidad en años recientes. Esto se debió indiscutidamente al hecho de que muchas estrellas de Hollywood optaran por llevar prendas vintage a los eventos de alfombra roja. Uno de los momentos más memorables de la moda vintage ocurrió en el 2001 cuando Julia Roberts deslumbró a todos llevando un espectacular modelo vintage de Valentino a la entrega de los Oscars, y no sólo se llevó la estatuilla a mejor actriz sino también se ganó el primer puesto en todos los rankings de mejor vestida. Desde entonces empezó el ascenso de la popularidad de la moda vintage en el mundo.

Por lo general las prendas vintage no son muy costosas, pero obviamente hay excepciones. Cuando las prendas son de alta costura y sobre todo de diseñadores famosos, los precios pueden escalar vertiginosamente. Un vestido de Christian Dior de la época del New Look de Dior, es un preciado tesoro que puede valer varios miles de dólares, así como un vestido de gala diseñado por la Schiaparelli. Las prendas que están sin uso y que conservan aún las etiquetas originales también tienden a tener un precio considerablemente mayor a aquellas que fueron previamente usadas. Hoy en día muchas personas coleccionan prendas vintage, ya sea vestidos de alta costura, carteras de diseñador, sombreros o pañuelos de seda firmados. Las prendas coleccionables también tienden a tener un mayor valor. Los coleccionistas ven a las prendas vintage como verdaderas inversiones, ya que con el tiempo, lo más probable es que su valor aumente.

 Los rasgos más apreciables de la moda vintage son su historia, su hechura, su estilo, género y diseños. Son prendas que reflejan una era y vienen cargadas de una historia y una energía muy especial. También son prendas únicas, irrepetibles y es virtualmente imposible de encontrarse con otra persona con el mismo estampado o el mismo modelo. Generalmente traen ligada la historia de quien las llevó, del momento para el cual fueron creadas, del diseñador o la modista que la idearon y confeccionaron y de la estética de una época determinada en la moda.  Por este motivo, así como ocurre con las antigüedades, el origen de las prendas vintage suele ser muy importante para los coleccionistas y expertos en la materia.

Los fanáticos de la conservación del medio ambiente también aprueban el empleo de prendas vintage ya que sin lugar a dudas es una manera de reciclar, instalar en la mente de la gente el valor de lo usado y antiguo y la idea de reparar en vez de desechar. De hecho muchas veces las boutiques vintage reparan las prendas antes de ponerlas a la venta y también hacen pequeños cambios para darles un aire más contemporáneo o formas más favorecedoras. Si las prendas están en muy mal estado, los encargados de las tiendas muchas veces encuentran objetos para rescatar, ya sea un trozo de género, un cuello de encaje o los botones.

Los amantes de la moda vintage, muchas veces se enamoran de la historia de la prenda, tanto como de la prenda misma. Como que tienen un encanto especial que las hace distintas. La moda vintage nos narra una historia, muchas de las veces más ornamentada e interesante de la que nos narran los productos producidos en masa de hoy en día. Al verlas no se puede evitar imaginarse lo que sintió su dueña original al comprarla o al lucirla para algún acontecimiento especial. ¡De seguro sus dueñas las amaron tanto que no se quisieron desprender de ellas, y este es el motivo por el cual llegan a las boutiques vintage tantos décadas después!