Flor de Camalote

Fátima López Moreira: Uniendo Deporte y Psicología

2012-01-26T09:56:00.000-08:00

El deporte siempre formó parte de la vida de Fátima. En su infancia, las clases de baile dieron paso a la gimnasia acrobática, modalidad en la que llegó a competir hasta los 16 años, acompañada y alentada siempre por sus padres Manuel Guillermo López Moreira y Estela Campos Cervera. Con los años siguió vinculada al deporte y la actividad física, dando clases de spinning y baile mientras cursaba la carrera de Psicología en la UCA.

Un postgrado que le cambiaría la vida
Al terminar su carrera, fiel a su amor por el deporte, eligió como tesis un tema nunca antes abordado en su universidad: “Los beneficios psicológicos del deporte”. Luego siguió un Postrado en Psicología Clínica. A pesar de que estaba feliz con la carrera que había elegido, el bichito del deporte le seguía picando, no se resignaba a tener que relegarlo a un mero hobby. Fue justo allí cuando se enteró de que existía un área relativamente nueva en la psicología (surgida en los años ochenta) llamada Psicología Deportiva. Como en Paraguay no existía la carrera viajó a Buenos Aires, donde cursó en la UBA el postgrado en Psicología Aplicada al Deporte, un postgrado que sin lugar a dudas estaba hecho a su medida. Finalmente pudo convertir su pasión en su profesión.

Luchando contra el desaliento
Tomar la decisión de dedicarse en nuestro país a esta rama de la psicología no fue nada fácil. Como suele suceder con las carreras nuevas Fátima tuvo que hacer frente a mucho escepticismo con respecto a la viabilidad de su elección. A su familia le parecía algo rarísimo. Sus amigos le decían que era muy utópico pretender seguir una carrera vinculada al deporte en un país donde no éste no tenía mucho apoyo. Por otro lado le desalentaban por su género, insinuando que al ser mujer le sería muy difícil trabajar en un lugar donde los deportes más promovidos eran netamente masculinos. No pudo evitar dudar sobre la decisión que había tomado, pero si bien al comienzo se desalentó, decidió perseverar y apostar por esta carrera que unía sus dos pasiones: el deporte y la psicología.

Afianzándose en su profesión
Fátima decidió sacar provecho del hecho de ser una de las primeras psicólogas del país especializada en psicología deportiva. Como muy pocas personas conocían esta especialidad y no entendía en qué consistía, tuvo que publicitar y difundir lo que hacía. Como era de esperar, al comienzo no le llovieron los pacientes. Afortunadamente, muchos deportistas y atletas de élite que habían entrenado en el extranjero y ya familiarizados con la psicología deportiva empezaron a acudir a su consultorio. Cada vez fueron llegando más pacientes gracias a que sus compañeros veían como éstos mejoraban su rendimiento gracias a la terapia. Para Fátima, la fortaleza mental, la seguridad y la tranquilidad es lo que marca la diferencia en un atleta, y esto se logra a través de una terapia psicológica orientada al deporte. Actualmente atiende a todo tipo de atletas ya sea de deportes grupales o individuales. Entre sus pacientes hay golfistas, tenistas, basquetbolistas, amazonas, jinetes y futbolistas. También practica la psicología clínica con pacientes no vinculados al deporte. Al respecto sostiene que a sus pacientes clínicos siempre trata de incentivarlos a que practiquen algún deporte, pues el deporte es un antidepresivo natural, ayuda a fijarse metas y a mantenerse motivados, mejora la autoestima, combate la ansiedad y conecta a quienes los practican con gente saludable.

El deporte en su vida
Fátima asegura que el deporte es su terapia. Entrena todos los días ya sea trotando, haciendo yoga o yendo al gimnasio. Al entrenar intenta siempre meditar y conectarse con su respiración, sobre todo cuando trota. Los fines de semana junto a su marido, Carlos Barreto, quien al igual que ella ama el deporte, practican actividades recreativas relacionadas con el ejercicio, buscado conectarse con la naturaleza ya sea trotando, pedaleando o practicando esquí acuático en el verano. También dedica mucho tiempo a acompañar a sus pacientes en sus competencias, entrenamientos, torneos y viajes.

La Psicología Deportiva: En los atletas la psicología deportiva ayuda a mejorar la concentración, aprender a manejar la presión y la tensión, salir de la frustración, levantarse rápido de las caídas, aprender a trabajar en equipo, mantenerse motivados, evitar lesiones deportivas y a aprender de los errores y potenciar las virtudes, logrando mejorar el rendimiento general del atleta. Esta modalidad abarca tres grandes rama: la iniciación deportiva, el deporte profesional y el retiro deportivo.

Consultorio:
Lic. Fátima López Moreira Campos Cervera.
Psicóloga clínica y del deporte.
Tel. 0981113103 y 622566
Fatimalmcc@hotmail.com

ENTREVISTA: GABRIELA Y CLAUDIA TOMÉ- Emprendedoras por partida doble

2012-01-26T09:44:00.000-08:00

Fotografía: Laurita Mandelik

Gabriela y Claudia Tomé, como hermanas, no solo comparten los genes, sino también un espíritu emprendedor que las ha hecho destacarse desde muy jóvenes. Ambas lograron convertir su pasión por la moda, en un medio de vida. Empezaron a dar forma a sus sueños a una edad en la que la mayoría aún no tiene bien claro siquiera cuáles son sus sueños ni sus metas a largo plazo; y con mucho trabajo y perseverancia, lograron en poco tiempo hacerlos realidad. Hoy, siendo aún muy jóvenes, ambas son empresarias exitosas y muy respetadas en nuestro país. Actualmente representan localmente a importantísimas marcas internacionales como lo son Vitamina, Uma y Levi’s. En esta entrevista les invitamos a conocer más a estas hermanas que comparten, además del apellido, altas dosis de dinamismo, dedicación y pasión por lo que hacen.

¿Qué les llevó a dedicarse a la moda?
La verdad que desde chiquitas jugábamos a vender nuestra ropa que poníamos en bolsitas, arreglábamos por rubro, color, hacíamos las boletitas de tarjeta de crédito, ¡incluso teníamos Visa y Master Card! Así pasábamos horas jugando en nuestro cuarto. Por otro lado, una gran influencia fue nuestro abuelo Alberto quien era sastre. Su especialidad eran los pilotos y tenía su taller en Montevideo, con una mesa de corte con tizas y moldes, la máquina de coser, las tijeras… y la tienda, chiquita pero coqueta. De más está decir que nos encantaba visitarlo. Más adelante, tuvimos el sueño de tener nuestro propio negocio y fuimos averiguando marcas. Hasta que un primo nuestro de Buenos Aires nos comentó que Vitamina volvía a abrir en Argentina y nos presentó a alguien que estaba en relación con ellos.

¿Cómo surge su primera boutique?
Contactando con Vitamina Group en noviembre del 2003 y fue amor a primera vista. Ellos abrieron su primer local sobre libertador en Buenos Aires en abril del 2004 y nosotras abrimos el primer local del nuevo Vitamina en el exterior y el segundo de la marca en mayo del 2004, en la Galería Vía Allegra.

¿Qué les llevó a elegir las marcas que hoy en día representan localmente?
Teníamos claro que queríamos trabajar bajo el modelo de franquicia y con marcas importantes, o al menos que pudieran llegar a serlo. Así nos decidimos por Vitamina y luego buscamos Levi´s. Uma forma parte de Viu S.A., grupo que tiene Vitamina y Uma en Argentina. Al surgir la oportunidad de tener Uma en Paraguay la aprovechamos de inmediato.

¿Cómo surge la idea de traer Levi's a Paraguay?
¿Quién no ha tenido el sueño de tener una marca como Levi´s? Contactamos y también fue amor a primera vista.

¿Cómo es trabajar con esta marca?
Un placer. Es eso justamente, una marca muy fuerte y con mucha trayectoria que en nuestro país sigue los mismos lineamientos que el resto del mundo. Aprendemos mucho trabajando Levi´s y disfrutamos muchísimo vendiendo esta marca

¿Qué novedades tiene Levi's para esta temporada?
La gran novedad del año es “curve id”, una línea de jeans para nosotras basada en las formas y no en el talle. ¡Lo interesante es que existe un jean que seguro nos va a quedar perfecto! Solo hay que medirse y de esas medidas sale el modelo de jean que nos va, ya sea slight (para las menos curvas), demi curve (para curvas), bold (para buenas curvas) y supreme (curvas extremas)

¿Qué consejos podrían dar a sus clientes a la hora de elegir unos buenos jeans?
Primero, que elijan un jean de nuestras marcas…(risas) ¡Seguro va a encontrar un jean que le cambia la vida!

¿Qué prendas consideran imprescindibles?
Los jeans, en todas sus variantes: un buen chupín para la noche en negro o dark blue, otro para el día blanco o bleach que ahora se usa muchísimo, unos jeggings prácticos para el día o la noche y un bootcut o semi oxford. Para hombres también los jeans son imprescindibles y también recomendamos unos buenos bermudas para el día y a empezar a accesorizarse con cintos, superposiciones, sombreros, bandoleras.

¿En todos estos años representando importantes marcas extranjeras, cuales son las cosas más importantes que aprendieron?
Lo más importante es mantener buenas relaciones, sin esto nada es posible. También aprendimos mucho sobre el negocio de retail de moda. Cada marca nos enseño mucho y aplicamos todo y más. Nosotras también hemos aportado nuestro grano de arena a estas marcas y esa sinergia es genial. Aprendimos a representar marcas y a transmitir a los clientes lo mejor de cada una.

¿Cuáles son sus mayores satisfacciones como madres y como empresarias?
Y justamente eso, poder fusionar ser madres y empresarias.

¿Cómo es la experiencia de trabajar juntas siendo hermanas?
¡Nos encanta! Más allá de hermanas, tenemos personalidades que nos hacen potenciarnos mutuamente, congeniamos en todo y en lo que no, aprendemos de la otra. No hemos tenido mejor partner laboral que la otra para cada una. Como hermanas sabemos manejar el trabajo, poner límites donde sea necesario y sobrepasar limites cuando las circunstancias lo requieren. Nos divertimos mucho trabajando juntas y nuestro lema es la “actitud positiva”, estar buena onda para que todo salga bien o al menos lo mejor posible.

¿Qué es lo que más admiran de la otra?
Gaby: yo de Clau lo que más admiro es su tenacidad y constancia. Como se dice “donde pone el ojo, pone la bala”, nunca baja los brazos y siempre piensa más allá de todo.
Clau: Gaby cree que el día tiene 48 hs, es una maquinita de hacer cosas. Por otro lado, cuando tiene que decir algo tiene las palabras precisas para cada momento y circunstancia.

¿Cómo reparten las tareas?
Depende… a veces por marcas, a veces por tarea, muchas veces trabajamos juntas y otras tantas nos dividimos el trabajo. Las dos hacemos todo de todo y nos gusta todo lo que hacemos, ya sea juntas o con tareas y responsabilidades divididas.

¿Cómo conjugan el trabajo con los hijos?
La verdad que como siempre decimos somos unas privilegiadas y bendecidas. ¡Nuestras hijas son sanísimas y cero problemáticas, tenemos ayuda y además tienen unos abuelos de primera! Esto nos permite trabajar, y tenemos que trabajar mucho tanto porque así lo requieren nuestras empresas como porque es nuestro sueño dejar una empresa consolidada a nuestros hijos.

¿Qué proyectos tienen para el 2012?
Proyectos… ¡muchísimos! ¡Y para el 2012 también! Ya se van a ir enterando…

El Arte en el Mariscal López Shopping: Becklemann, Pesebres y Amengual

2012-01-26T09:38:00.000-08:00

En el mes de Noviembre, presentamos en el “Paseo de las Artes” del Mariscal López Shopping la exposición "Güembé", con obras recientes del escultor nacional Gustavo Beckelmann. El Güembé o Filodendro, es una especie vegetal que crece con profusión en nuestro territorio, cuyo clima es ideal para su crecimiento. Las esculturas realizadas en acero inoxidable y madera, contraponen el frío del metal con la calidez de la materia orgánica, consiguiendo sin embargo, la cualidad vital de las bellas hojas de estas plantas. Esto, unido al sutil tallado de la madera de donde surge el acero, constituye conjuntos de alto valor decorativo.

Gustavo Beckelmann cuenta con una extensa trayectoria, tanto nacional como internacional. Expone sus obras en el país desde el año 1989, y ha realizado exposiciones y esculturas en diferentes países, como Alemania, Holanda, España, Italia, Argentina, Bolivia, México, EE.UU. y China.

En el mes de Diciembre, en el Paseo de las Artes del Mariscal López Shopping, presentamos la exposición de pesebres: con obras de las artistas Juana Marta y Julia Isidrez de Itá. Ambas se dedican a la cerámica, una tradición que arranca de la cultura indígena prehispánica. También se exhibirán pesebres en madera de Rolando Corvalán, oriundo de San Ignacio, Misiones. Las piezas fueron concebidas en los talleres del artista Koki Ruiz, con la enseñanza del artista Cecilio Thompson ya fallecido.

Durante el mes de Enero, en el “Paseo de las Artes” de Verónica Torres, sito en la planta baja del Mariscal López Shopping, Fernando Amengual pintará retratos alla prima en vivo de personalidades de la cultura paraguaya. Los “retratos instantáneos” son óleos sobre tela de pinceladas fuertes, colores vivos y sin retoques posteriores, que logran captar los sugerentes rostros de las personalidades invitadas.

Según las palabras del artista: “Se trata de un contacto entre miradas y palabras, un encuentro entre colores y luces en un tiempo presente, en vivo, sin otras mediaciones que los pinceles y la tela, entonces el “parecido” cambia de sentido, convocando a la aproximación, a la cercanía, al contacto, más cerca de los sentidos y de las emociones, una experiencia singular con resultado abierto”. Fernando Amengual es asesor y productor de comunicación, de destacada trayectoria como promotor cultural y realizó muestras colectivas e individuales de pinturas, objetos, esculturas y fotografías en Argentina y Paraguay. La exposición de esta colección de retratos será realizada a fines del mes de enero del 2012.

Verónica Torres Colección de Arte
Mariscal López Shopping, planta baja, local 26
Tel. 608 512
veronicatorresarte@gmail.com

ENTREVISTA PING PONG: BELÉN BOGADO VS. MARIO FERREIRO

2012-01-26T09:32:00.000-08:00

Fotografía: Laura Mandelik

En esta edición de nuestra entrevista Ping Pong, entrevistamos a dos famosísimos comunicadores: Belén Bogado y Mario Ferreiro. Ambos se han destacado como locutores y conductores de TV y con su trabajo se han vuelto personajes muy seguidos y queridos por todo el público paraguayo. A pesar de que adoramos verlos juntos ante las cámaras, siguiendo la consigna, decidimos enfrentarlos en nuestra entrevista Ping Pong.

¿A qué personaje imaginario le gustaría entrevistar?
Belén: Al Principito. De paso le pediría algunos consejos para encarar la vida con tanta sabiduría y simpleza como él.
Mario: A muchos: el Quijote de la Mancha, el Zorro, Robinson Crusoe o Sherlock Holmes.

¿Quién cuenta los peores chistes?
Belén: ¡Mario! El no mas cree que sus chistes son lo más, todavía no le cayó la ficha que yo hace rato ya le gane, a mi me salen mejor (¡y no son groseritos como los de él!)
Mario: ¡Belén Bogado me gana!

¿Entre los dos quien tiene mejor gusto musical?
Belén: Y bueno, acá voy a ser demasiado caradura si digo que yo porque Mario tiene unos cuantos años más trabajando como DJ y en radio, y la verdad que coincido en muchos de sus gustos. Pero yo le gano en cuanto a conocimiento de nuevos estilos y grupos de alto vuelo se refiere. ¡Como los Wachiturros por ejemplo! Jajajaja!
Mario: Por antigüedad yo, por novedad Belensunchi.

¿Retro o tecno?
Belén: Tecno!!!! ¡Muero por el bunchi tunchi - bunchi tunchi que precedió a la electrónica actual, pero retro también pega fuerte!
Mario: Decididamente Retro. Tecno era Depeche Mode, Yazoo, Thomas Dolby y Kraftwerk.

¿Quién es el más karuvaí en el desayuno?
Belén: Acá no hay discusión: Mario le baja al pan dulce primero y al rato un lomo picante con cebolla. ¡Karuvai mal luego es! ¡Menos mal que es grandote y tiene donde distribuir la grasa!
Mario: ¡En eso nadie me gana!

¿Cuáles son sus caprichos o manías?
Belén: Una manía que no me puedo quitar es llevar parte de mi ropero en el auto. Si te subís vas a encontrar zapatos, maquillaje, y más zapatos… y por ahí algún que otro chocolatín guardado para cuando me dan ataques de hambre.
Mario: ¡Muchos! Desde el almohadón para sentarme en el sofá del programa hasta el Café con leche de la cantina a las 6:30 en punto.

¿Cuál es su principal defecto o complejo?
Belén: Mi peor defecto es que soy obsesivamente perfeccionista. Encima tengo cero paciencia, y me desespera como a Marta Sánchez cuando la gente da vueltas o tarda para hacer o decir algo.
Mario: Miles, me fastidio rápido cuando alguien no entiende lo q quiero explicar por ejemplo. Y me mata la gente sin sentido del humor.

¿Cuál fue la peor pelada de sus vidas?
Belén: De estas tengo unas cuantas…Cuando empecé en los medios le entrevisté a un candidato a la presidencia por veinte minutos por ahí. Cuando le iba a mostrar a mi jefa la entrevista me di cuenta que no apreté “REC”. ¡Tuve que perseguirle a Pedro Fadul hasta su auto, pedirle que me responda de vuelta todo lo que ya le había preguntado!
Mario: ¡Hay por docenas! ¡Una vez presenté a un coro de hermosas señoritas mientras detrás de mí iban apareciendo señores robustos de mi edad!

¿Cuál es su secreto de belleza más rebuscado?
Belén: Mi mamá es mi secreto de belleza. Ella es una diosa, y siempre me da los mejores consejos para estar esplendida. ¡Ojalá llegue a estar como ella cuando tenga su edad!
Mario: Acomodar el pelo para q no se note tanto la calvicie de frente. Y por supuesto chupar panza ¡SIEMPRE!

¿Alguna vez les tocó hacer algo que juraron nunca hacer?
Belén: Cuando trabajas en los medios, nunca digas nunca, ¡que siempre terminas haciéndolo! Lo único que sí te puedo jurar, es que nunca me voy a quedar en paños menores como Mario (y eso que ese fue su video mas visto en Youtube!).
Mario: Si. En mi caso sacarme la ropa frente a cámaras para cumplir una promesa cuando le ganamos a Argentina.

¿Qué es lo peor que les pasó alguna vez ante cámaras?
Belén: Hace muchos años grabando un programa, vi que una de mis lolas estaba a punto de verse; y cuando quise acomodar mi vestido para cubrirme mirándome en pantalla, moví mi vestido hacia el lado equivocado y por un segundo, ¡se me quedo al aire! ¡Por suerte era grabado y se edito para que nunca salga al aire!
Mario: Muchas cosas, desde olvidar mi parlamento en algún programa en vivo hasta subir a un escenario sin micrófono.

¿Cuáles son los mayores pecados de los hombres paraguayos?
Belén: ¡Ay ay ay! ¡Son mentirosos, mentirosos, mentirosos…y aunque suene repetitivo, son muy machistas! Pero no todos son así. El jefesunchi (Mario), creo que zafa de esa categoría, pero la que sabe de verdad es Male, a ella tenemos que preguntarle.
Mario: Somos poco románticos, algo mentirosillos y nos cuesta horrores hacer las tareas de La casa.

¿Cuáles son los peores pecados de las mujeres paraguayas?
Belén: Somos bastante machistas también, pero aparte de eso, somos casi perfectas. Y si a veces somos exageradas y posesivas, seguro es porque nuestros hombres nos dieron alguna razón para ser así…
Mario: Son muy posesivas, algo exageradas y un poquitín gastadoras.

¿Cuál es el peor piropo que recibieron y cuál fue el mejor?
Belén: Me quiero casar contigo…es súper cursi, ¡pero me mato las veces que me dijeron!
Mario: ¡Una vez me una chica me pinchó la cola en el Coyote!

¿Qué comprarían en el Mariscal López Shopping de tener a su disposición fondos ilimitados para darse el atracón de compra de sus vidas?
Belén: Primero me internaría en la pelu del shopping y de ahí arrasaría la sección zapatos, ropa interior y por supuesto la debilidad de las chicas: ¡las joyas!
Mario: ¡Todo! Mucha ropa deportiva, un buen stock de perfumes y un reloj como la gente.

¿Qué es lo que más admiran del otro?
Belén: La capacidad de Mario de hacer tantas cosas al mismo tiempo. ¡Es un ídolo! Puede estar entrevistándole al presidente de Estados Unidos, mientras tipea los temas que va a tratar en su programa de radio más tarde y le firma un libro a un fan mientras twitea una foto de su baby Dylan…. ¡Es impresionante!
Mario: Sinceramente Belén es una maquina de laburar, ¡como yo!

¿Qué es algo que te molesta o te saca de quicio del otro?
Mario: ¡Decididamente: su risa tipo Bob Esponja! (pero admito q es muy original).
Belén: Que cuenta los mismos chistes que yo conté el día anterior como si fuera que él está estrenando, y ahí se nota que nunca atiende los chistes que cuento. Y mi risa de Bob Esponja, aunque le cueste admitir, le RE gusta.

Refugios Veraniegos de los Famosos

2012-01-26T09:23:00.000-08:00

La mayoría de las celebridades no tiene solo una casa como el resto de los mortales. Ellos cuentan con propiedades en el mundo entero. Aquellas que llaman “casa” generalmente se encuentran en ciudades grandes como Nueva York, Londres o Los Ángeles; sin embargo, sus refugios se encuentran alejados de todo. Generalmente disponen de poco tiempo para visitar estos refugios, por lo que buscan lugares donde puedan aprovechar este tiempo al máximo para relajarse y disfrutar de sus vacaciones lejos de las cámaras y las miradas curiosas. Ya sea una mansión en el sur de Francia, una villa italiana o una exótica isla privada, sus refugios veraniegos son simplemente perfectos. ¡Prepárense a conocerlos!

Mick Jagger: El líder de los Rolling Stones no cuenta sólo con una sino con dos fabulosas residencias veraniegas en Mustique, una isla privada en el Caribe. Una de ellas, “Stargroves”, es de estilo japonés y se encuentra frente a la playa, con 6 habitaciones, capacidad para 10 invitados y cuenta con un staff permanente de seis empleados. En el 2006 compró la casa de al lado, “Pelican Beach”, una propiedad con tres habitaciones y también frente a la playa. Ambas propiedades se encuentran alejadas de la mirada de curiosos gracias a la frondosa vegetación que las rodea y dotadas de todas las comodidades imaginables. Cuando no la está ocupando, Jagger alquila ambas propiedades, la más grande por 22,000 dólares y la segunda por 7,000 dólares a la semana. En el paquete entran los servicios del staff e incluso el jeep de Jagger. Los locatarios no solo tienen que disponer de una amplia cuenta bancaria para veranear como un Rolling Stone, también tienen que ser aprobados por Jagger, quien personalmente inspecciona cada solicitud de alquiler, que tiene que venir con una descripción detallada de los aspirantes. Jagger tiene una buena razón para ser tan exigente con sus inquilinos, la casa está llena de objetos personales, fotografías de la familia e incluso recuerdos de su carrera musical.

George Clooney: El famoso galán de Hollywood tiene como refugio personal una glamorosa villa en el Lago de Como, Italia. Esta exclusiva ciudad entre Italia y Suiza ha gozado de popularidad como destino veraniego durante siglos. La propiedad de 12 millones de euros se llama Villa Oleandra y fue construida en el siglo XVIII por una de las familias nobles de la zona. Clooney asegura que entre todas sus propiedades, ésta es su favorita, pues allí puede relajarse por completo al borde del lago disfrutando de los idílicos paisajes o entretener a sus invitados en paseos en lancha por el bello lago. En el lago de Como, Clooney encuentra el anonimato necesario para desconectar durante largas temporadas del ajetreo de Los Ángeles y disfrutar, siempre que puede, de unas vacaciones en compañía de sus mejores amigos. Entre sus invitados habituales se encuentran Brad Pitt, Angelina Jolie, Matt Damon, Julia Roberts y Cindy Crawford.

Brad Pitt and Angelina Jolie: Asiduos trotamundos, este dúo cuenta con propiedades esparcidaspor todo el mundo. En el sur de Francia, cuentan con un chateau del siglo XIV de 35 habitaciones que adquirieron en el 2008 por 60 millones de dólares. Chateau Miraval, se encuentra en el pintoresco pueblo de Brignol en Aix-en-Provence. La propiedad cuenta con numerosas fuentes, piscinas internas y externas, gimnasios, saunas, jacuzzis, un helipuerto, una enorme sala de banquetes, amplios viñedos y un lago privado. Otra de sus refugios se encuentra en Valpolicella, al norte de Italia. La mansión de 2000 metros cuadrados que adquirieron el año pasado por 40 millones de dólares, cuenta con 15 habitaciones, 18 mil metros cuadrados de jardines, un cine, dos pisicnas (una interior y otra exterior), tinas de hidromasaje y gimnasio. La pareja también poseen dos casas, una mansión de 3.5 millones del siglo XIX en el Barrio Francés de Nueva Orleans y una moderna casa en Los Angeles, California. Recientemente también adquirieron su propia Isla privada en “The World”, el conglomerado de islas artificiales ultra exclusivo ubicado frene a Dubai.

Johnny Depp: Al igual que Brangelina, Johnny Depp y Vanessa Paradis cuentan con una paradisiaca residencia en el sur de Francia, ubicada en Plan de la Tour, cerca de St. Tropez. Pero su última adquisición fue nada más y nada menos que una isla privada en las Bahamas. Tras enamorarse con el estilo de vida relajado de las Bahamas al filmar “Los Piratas del Caribe”, Depp compró en el 2004 “Little Hall’s Pond Cay” por 3.6 millones de dólares. Este paradisiaco refugio caribeño se ha convertido en el lugar donde acude para relajarse alejado de los paparazzi junto con su familia y amigos. La isla cuenta con seis playas de arena blanca rodeadas de arrecifes, a las cuales Depp bautizó con los nombres de su esposa, hijos y amigos. Las playas se llaman Vanessa, Lily Rose y Jack; otras llevan el nombre de sus mentores: Hunter S. Thompson y Marlon Brando y la última lleva el nombre de Heath’s Place en honor a su amigo Heath Ledger. Depp utiliza carritos de golf para recorrer la isla y como solo se puede acceder a ella por hidroavión, barco o helicóptero, Depp llega a ella en su yate “Vajoliroja”, bautizado con la dos primeras letras de los nombres de la familia depp-paradis: Vanessa, Johnny, Lily Rose y Jack.

Eddie Murphy: El famoso comediante también cuenta con una espectacular isla privada en las Bahamas, “Rooster Cay”. Murphy la adquirió en el 2007 por 15 millones de dólares. La isla se encuentra a solo 5 minutos de Nassau, y cuenta con tres paradisiacas cabañas sobre el mar edificadas con todas las comodidades, con balcones panorámicos, verandas rodeadas de vegetación y habitaciones y salas con vista al mar. La isla cuenta con muelles, una piscina y una playa de ensueño.

Leonardo Di Caprio: Di Caprio es dueño de su propia isla, “Blackadore Cay” en Belize. La descubrió mientras veraneaba en el exclusivo resort Cayo Espanto, que queda muy cerca de la isla, comprándola en el 2005 por 1.75 millones de dólares. Muy consciente del medio ambiente, Leo planea abrir su isla al público, construyendo allí un Resort de cinco estrellas construido con materiales ecológicos que incorporará fuentes naturales de energía.

Ricky Martin: En el 2008 el cantante adquirió por 8 millones de dólares una espectacular isla privada en Angra dos Reis, Brasil. Bautizada “Hush Hush”, la isla se encuentra frente a la costa de Río de Janeiro, en una zona frecuentada por los ricos y famosos por su privacidad y belleza. En ella, Ricky pasa largas temporadas con sus dos gemelos, Mateo y Valentino, completamente alejados de “La Vida Loca”.

Mel Gibson: El actor adquirió en el 2005, por 15 millones de dólares, su propia isla en las paradisiacas Islas Fiji. “Mago Island” cuenta con más de 5400 acres, lo que la convierte en una de las islas privadas más grandes del Pacífico Sur, pues es virtualmente del tamaño de un pequeño estado. Rodeada de arrecifes y blancas arenas y completamente virgen e inhabitada salvo por los cuidadores, la isla cuenta con un rico ecosistema, por lo que Mel decidió dejar la mayor parte de la isla en su estado natural. Gibson construyó solo 35 pequeñas cabañas para él, sus huéspedes y los 14 trabajadores que habitan la isla.

Muestras Galería Verónica Torres

2012-01-25T13:35:00.000-08:00

La exposición de la artista plástica Mónica Delssin y de los Escultores Roberto Ayala Hornung y Patricia Ayala (Madretierra), denominada “Surcos”estará abierta del día 7 al 18 de septiembre del corriente.

Roberto Ayala Hornung, Escultor de gran trayectoria nacional e internacional, incursiona en diferentes materiales: madera, piedra, bronce, ferro-cemento entre otros, en la búsqueda constante de expresar a través de la forma en el espacio sus más profundos saberes y sentires de lo “humano”.

La escultora Patricia Ayala (Madretierra) nos tiene acostumbrados a sus maternidades modeladas en arcilla y otras talladas en madera o esculpidas en piedra. Hoy nos presenta a modo de rescate de los “sueños infantiles” una serie de juguetes en madera policromada, con la técnica de talla directa. Estos juguetes representan diferentes formas ecuestres, donde mágicamente cabalga el imaginario popular.

La artista plástica Mónica Delssin expresa sobre su obra reciente: “Motivan mis diseños el estudio minucioso del arte indígena, todo tiene significado simbólico. El hombre transforma inconscientemente los objetos o formas en grafismos y los expresa en su religión con arte visual. “Objetos del mundo Mbya Guaraní.

Del 11 al 20 de octubre del corriente quedará inaugurada la muestra de arte indígena denominada: “Nuestras raíces”, con objetos están confeccionados por hombres y mujeres Mbya Guaraní. De entre los pueblos que conforman la Nación Guaraní, los Mbya son quienes conservan con mayor arraigo la antigua técnica del entretejido de su cestería cargada de una simbología única. A través de las tallas zoomorfas perpetúan la fauna amenazada por la destrucción de su hábitat. En ambas expresiones culturales se refleja el espíritu guaraní.

Marcelo Medina
El actual premio Matisse, galardón de Artes Plásticas más importante de nuestro país, presenta en Verónica Torres Colección de Arte, su serie denominada “Elizabeth Taylor”. En esta serie pictórica impregnada de su particular impronta imaginaria, Marcelo medina retrata a la actriz hablando en los frondosos jardines del paraíso. Cabe destacar que este mes de setiembre el artista inaugura dos muestras simultáneas en el Brasil: la 8va Bienal del Mercosur (Porto Alegre) y la 6ta Vento Sul, Bienal de Curitiba.

Verónica Torres Colección de Arte
Mariscal López Shopping, planta baja, local 26
Tel. 608 512
veronicatorresarte@gmail.com

Celebridades Duplicadas

2012-01-25T13:26:00.000-08:00

Si bien hay varios gemelos famosos, también hay numerosas celebridades de la farándula internacional que tienen una copia exacta - o casi- suya, que suele mantenerse en el anonimato. Ya sea en el cine, en la tele o en la pasarela, hay varias celebridades con un gemelo que puede presumir ser hermano de ellas. Así también hay otros que triunfan a la par que sus hermanos gemelos. ¿Quieres conocer cuales celebridades llegaron al mundo acompañadas de hermanos gemelos o mellizos? Sigue leyendo y lo sabrás.

Ashton y Michael Kutcher: El joven esposo de Demi Moore y popular actor de “That 70’s Show”, “Punk’d” y “El Efecto Mariposa” tiene un hermano mellizo nacido cinco minutos más tarde, llamado Michael. Su hermano padece de parálisis cerebral y en su infancia se le realizó un trasplante de corazón. Se sabe que Ashton se desvive por él y de niño siempre lo protegió de las burlas de los demás niños.

Scarlett y Hunter Johansson: La hermosa actriz comparte no solo comparte el ADN con su hermano gemelo Hunter, sino también su pasión por la interpretación. Si bien Hunter protagoniza papeles de menor envergadura que su famosa hermana, fue elegido como uno de los hombres solteros más sexy del 2008 por la revista People. Si bien ya actuaron junto en la película Manny & Lo en 1996, tal vez algún día, además del cartel, compartan la fama.

Kiefer y Rachel Sutherland: Como es de esperar de los hijos gemelos de los famosos actores Donald Sutherland y Shirley Douglas, ambos decidieron perseguir una carrera cinematográfica. Kiefer optó por hacerlo frente a las cámaras y Rachel detrás de ellas. Hoy Kiefer es un renombrado actor protagonista de varias películas taquilleras así como del exitosísimo drama televisivo “24” y Rachel trabaja como supervisora de post-producción y asistente de casting para el cine y la TV.

Vin y Paul Diesel: Definitivamente en esta pareja de gemelos, el que se llevó los mejores genes fue Vin. Al igual que Kiefer y Rachel, ambos trabajan en el mundo del cine, aunque en distintas áreas. Vin se ha hecho de fama por sus actuaciones en cintas de acción como “XXX” y “Rápido y Furioso” y Paul trabaja como editor cinematográfico.

Gisele y Patricia Bundchen: La espectacular súper modelo Gisele Bundchen tiene una hermana gemela, lastimosamente no idéntica; ya que Gisele hay una sola. Patricia también modeló un tiempo aunque sin alcanzar la fama alcanzada por su hermana; sin embargo, Patricia se lleva el crédito de haber contribuido al enorme éxito de su hermana, pues es su manager, trabajo que sin lugar a dudas desempeña de maravillas ya que Gisele es actualmente la modelo mejor pagada del mundo.

Alanis y Wade Morisette: Estos gemelos comparten la pasión por la música. Alanis es considerada una de las cantantes femeninas más exitosas de la historia con hits como “Ironic” y “Uninvited”. Wade también se dedica a la música, aunque no llega al rango de estrella pop de su hermana. Wade se dedica a componer canciones espirituales y relajantes para el desarrollo del yoga, del que es todo un experto.

Isabella e Ingrid Rossellini: la inolvidable Ingrid Bergman dio a luz a dos hermanas gemelas: la hermosa Isabella y la intelectual Ingrid. Isabella ha derrochado su encanto tanto en la gran pantalla como en el mundo de la moda, protagonizando tanto películas como “Blue Velvet”, como las campañas de Lancome. Por su parte, Ingrid se ha destacado en el ámbito intelectual, siendo directora de la cátedra de literatura italiana de la Universidad de Nueva York, de Cine Italiano en la Universidad de Princeton y de Literatura de Reflejo social en la Universidad de Harvard.

Eva y Joy Green: La actriz y compositora francesa Eva Green tiene una hermana gemela nacida dos minutos después de ella. Si bien no son idénticas, ambas comparten el atractivo físico y unos hermosos ojos verdes. Eva saltó a la fama como chica bond en la película “Casino Royale” y Joy casada con un conde italiano, lleva una vida tranquila y alejada de las cámaras.

Joseph y Jacob Fiennes: El bello protagonista de “Shakespeare Enamorado” y “Elizabeth” además de ser hermano del famoso actor Ralph Fiennes, tiene un hermano gemelo llamado Jacob. Jake como lo llaman en su familia, no le gusta el cine y trabaja como guardabosques.

Linda y Leslie Hamilton: Idénticas de los pies a la cabeza, la única diferencia entre estas hermanas es que Leslie es enfermera. A pesar de tener una vocación totalmente distinta a la de su hermana gemela, Leslie tuvo una breve experiencia cinematográfica actuando como doble de su hermana en la cinta “Terminator 2: El juicio Final” en 1991.

Mary Kate and Ashley Olsen: Recordadas por su papel de Michelle en “Padres forzosos”, las gemelas Olsen alcanzaron la fama antes de caminar. Saltaron a la fama con menos de un año y han sabido conservarla hasta ahora. Protagonistas de series de televisión y películas, Ashley y Mary Kate se han convertido en unas de las jóvenes más ricas de EEUU.

Frank y Ronald de Boer: Los Hermanos de Boer Frank y Ronald no solo comparten su gran parecido físico sino que además comparten la misma pasión por el futbol. La carrera de estos gemelos fue paralela. Juntos debutaron en el Ajax de Amsterdam y juntos desembarcaron en Barcelona para iniciar su aventura futbolística en la liga española vistiendo la camiseta del Barça, donde jugaron juntos hasta el 2001.

Joel y Benji Madden: los famosos integrantes y líderes de la banda de rock “Good Charlotte, además de compartir el ADN, comparten su pasión por la música, así como cientos de tatuajes en el cuerpo.

Brittany y Cynthia Daniel: Estas bellas gemelas idénticas se hicieron famosas protagonizando en la pantalla a las gemelas de la ficción Jessica y Elizabeth, en la serie “Las Gemelas de Sweet Valley”. Al terminar esta serie en 1997, Brittany siguió trabajando como actriz pero Cynthia prefirió ponerse detrás del lente, convirtiéndose en fotógrafa.

James y Olivier Phelps: Estos gemelos idénticos también dan vida en la gran pantalla a otros famosos gemelos de la ficción: Fred y George, los hermanos Weasley de la saga “Harry Potter”. Interesados desde su más tierna infancia en el mundo de la interpretación, los hermanos Phelps tardaron muy poco en conseguir el éxito. Con solo 15 años fueron escogidos para dar vida a Fred y George en la versión cinematográfica del joven mago Harry Potter.

GRACIELA PECCI: 45 AÑOS DE MODA

2012-01-25T13:13:00.000-08:00

Graciela Pecci /Fotografía: Gloria Ferrés

En esta edición les presentamos a Graciela Pecci, propietaria de la boutique “María Candela”. Graciela es una mujer dinámica, emprendedora y siempre actual. Estar al frente de “María Candela” no sólo la ha hecho ser autosuficiente desde muy joven, sino también volverse una especie de trotamundos, pues cada año viaja a distintos destinos, desde Nueva York a Dubai para abastecer su concurridísima boutique.

Este año, Graciela Pecci inicia las celebraciones de los 45 años de la apertura de “María Candela”, una boutique que desde 1967 acompaña a la mujer paraguaya vistiéndola tanto para su día a día como para sus más glamorosas noches. Desde estas páginas nos unimos a su celebración, invitándolos a conocer más sobre esta extraordinaria mujer que lleva trabajando en el rubro de la moda desde hace más de cuatro décadas.

¿Cómo y cuando nace la boutique María Candela?
¡Ay, éramos tan jóvenes! Corría el año 1966 cuando junto a mis dos hermanas, a mi mamá y a mi abuela decidimos crear juntas nuestra boutique como un proyecto familiar.

¿Cómo surge el nombre?
Este nombre siempre me había gustado por ser diferente. No era un nombre común. Lo había elegido para mi hija que no había nacido aún, pero terminó siendo el nombre de mi boutique. Pero este año, nace mi octava nieta, ¡que se llamará Candela!

¿Cómo fueron los inicios de la tienda?
Fueron muy tranquilos, tejíamos en familia y cada quien tenía su parte en la elaboración de las prendas. Empezamos con máquinas semi industriales. Hacíamos desfiles que si bien eran muy importantes, también eran muy familiares. El primero lo hice en casa de mis padres. Mis modelos eran mis amigas, luego las amigas de mis hijas. Hasta los sobrinos desfilaron, porque María Candela en una época también se dedicó a los peques.

¿Qué razones te llevaron a elegir dedicarte a la moda?
Para mí la moda es arte y yo me enamoro de todo lo artístico. Es maravilloso ver los colores y sus posibles combinaciones en las prendas. Es un constante desafío a lo creativo.

¿En todos estos años como fue evolucionando María Candela?
Evolucionó mucho, exigida por los tiempos que corren y me alegra ver los resultados. En un inicio también confeccionamos prendas by María Candela, teníamos nuestros pequeños talleres. Y luego vinieron los accesorios. Hoy contamos con todos los artículos para las necesidades de la mujer moderna, actual y con poco tiempo. Y para las que tienen mucho tiempo, es un placer distraerse con tanta variedad de accesorios.

¿En tantos años como propietaria de una boutique, cuales son las cosas más importantes que aprendiste?
Principalmente aprendí a crecer, en todos los aspectos. También a relacionarme con la gente y a desplazarme por el mundo. Para mí fue una escuela en el arte del relacionamiento, de las negociaciones y de las finanzas

Hoy en día tus hijas también forman parte del equipo de María Candela. ¿Cómo es la experiencia de trabajar en familia?
Yo crecí, con la ayuda de mis hijas Geraldine y Maia y de mi yerno Marcelo. Ellas crecieron y se formaron con ideas y conceptos modernos que contribuyeron mucho al desarrollo de María Candela. Y mi yerno, nuestro asesor financiero, también contribuye enormemente para tener siempre resultados positivos. Ellos me acompañan día a día. Puedo decir que seguimos muy en familia.

¿Cómo es la clientela de María Candela?
¡Sin lugar a dudas multifacética!

¿Cómo definirías el estilo de las prendas que se pueden encontrar en tu boutique?
Son modernas, básicas, cómodas y por sobre todo, me exijo tener todo lo último que sale en los centros internacionales del mundo de la moda, como New York, Dubái y Milán.

¿Qué significan para vos estos 45 años de María Candela?
Es una gran parte de mi vida, yo sólo tenía 20 años cuando empecé. Así como crie a mis hijos, paralelamente le dedicaba tiempo a mi MARIA CANDELA. Es mi obra, que con perseverancia la fui haciendo, sin escatimar tiempo y dedicación. Hoy comprendo, que hubo un tiempo que enseñé a mis hijos ahora yo aprendo de ellos .Como no sentir tanta felicidad, por todos estos años y esta realidad que me enorgullece. Viajé mucho y nunca desaproveché las oportunidades de hacer conocer lo que estaba a mi alcance. Hablo de muchos años atrás, cuando éramos poquísimas las casas de moda. Hoy es una competencia muy fuerte, que me exige día a día. Me causa satisfacción seguir presente hoy y haber recorrido estos 45 años.

¿Cómo seleccionan las prendas y cuál es el proceso desde que las adquieren hasta que las ponen a la venta?
Las selecciono yo misma con la ayuda de mis dos hijas. Al ser ellas más jóvenes, miran la moda con otros ojos. Me han acompañado en muchos viajes. Luego viene el trabajo que no se ve y que es mucho, como digo yo: detrás de bambalinas.

¿Qué tienen planeado para celebrar el aniversario de María Candela?
Estamos inaugurando el próximo año un nuevo local en un nuevo shopping. Me gustan los desafíos, me hacen sentir que tengo energía y muchas ganas de estar presente en el mundo laboral.

¿Cuál es la mayor satisfacción que te dio María Candela?
Sentirme autosuficiente, conocer tan importantes centros de la moda y darme una importante apertura en mi vida personal.

¿Qué proyectos tienen para el futuro?
Seguir, presente en el mundo de la moda, siempre con arte y buen gusto. Sería para mi otra gran satisfacción, que mis hijas continúen, cuando yo ya no este.

ENTREVISTA PING PONG: WALTER EVERS: LARRICA REQUENCHI VS. LADY WAWA

2012-01-25T13:07:00.000-08:00

En esta edición de nuestra entrevista Ping Pong, nuestro entrevistado vale por dos. El genial comediante Walter Evers nos contesta esta entrevista desde la óptica de dos de sus personajes más diametralmente opuestos: la concubina del mundial Larrica Requenchi y la diva internacional Lady Wawa.

Para la sesión fotográfica Walter Evers caracterizó a ambos personajes, transformándose del tímido Walter a la extrovertida Larrica, para luego entrar en la piel de la excéntrica Lady Wawa. Con su gran histrionismo, Walter responde a esta entrevista con la voz de estos divertidos personajes que caracteriza tanto en sus shows como en la TV.

Su extraordinario sentido del humor y rapidísimo ingenio lo ayudan a seguir con absoluta naturalidad nuestra consigna: la de darnos las respuestas más delirantes y ocurrentes.

¿Te considerás polémica?
Larrica: La verdá, es que el que me busca me encuentra, y yo soy la concubina del mundial, por eso toditash ahora me quieren copiar mi celular en mi pecho, y no le va a salir, porque Larrica hay una sola, por eso soy también la chonga de la Copa América; y yo cuando mi albirroja gana, ya me deshnudo nomá, sencillo es, le pique a quien le pique.
Lady Wawa: HONEY, vestir de carne cruda no es ser polémica, es tener Style. Lo casual no va conmigo, ni el poker face. A cara lavada ni al súper. ¡Antes muerta que sencilla! Como nueva reina del pop, impongo; y a la que le pique que se rasque. Cuando me aburro me hago un tocado de mi teléfono de línea baja, unos brassiers con metralleta y punto. ¡Basta de las que se visten todas iguales! El vestidito negro para salir a bailar está out my dear, out total. Recorro Asunción y finjo demencia, a ver si me agarro un bad romance.

¿Cuáles son las prendas más distintivas de tu look?
Larrica: Mi celular es mi prenda, aunque a vece no se prenda, porque no sé dónde poner el cargador. Se prenda o no se prenda, yo llevo siempre entre mishh pecho, para alentar a mi selección. También mi lunar de mi cuarto roó que ahora via a sacar una calcomanía para vender así todas las chica pueden tener su lunar de la concubina del mundial, para ser mi fam.
Lady Wawa: Hello honey! Mi conjuntito de carnaza de primera, en juego con zapatos de sesina pura, para aquellos que digan que ni mosca me sigue.

¿Cuáles son los secretos de tu éxito?
Larrica: Yo no tengo ningún shecretosss, yo le cuento toito a mis amigas las cosas, porque dishenn que entre las amigas no hay que tener secreto, y yo tengo egsito porque existo. Donde me voy mis pechos serán las murallas que alentaran a la albirroja, como dice la música “Patria Querida”, y cualquier cosa me via a deshnudar noma, para los 6000 habitante de nuestro querido país.
Lady Wawa: ¡Mucha agua oxigenada baby! Platinada un día, y si me aburro, cambio de color. Cambio de look, como de boy toys. Madonna… ¿quién es? ¿Britney? ¡cedulaaaaa! Son todas calles de Asunción sin raudales, ni baches, o sea ¡NO EXISTEN!

¿Cómo mantenés tu figura?
Larrica: Yo mantengo todo, pago todo lashh cuenta y eso, de luz, de agua… yo soy prácticamente la que mantiene la casa, porque no me gusta ser una mantenida. Me gusta mantenerme sola, no me gusta que digan por mí que alguien me mantiene, ni sponsor y nada.
Lady Wawa: I was born this way, baby!!! Yo nací así: Diosa. La naturaleza fue generosa conmigo. Lo que natura no te da, el cirujano te lo vende. La felicidad está en las pequeñas cosas, una pequeña mansión, un pequeño auto último modelo, etc, etc..

¿Rosas y peluches o Joyas y descapotables?
Larrica: Deshcapotable no me gusta, porque se va a descomponer todo mi brachin cuando llovizna, y los limpiavidrios y eso son masiado hincha. Si es que voy a andar en deshcapotable, cuidacoche y eso va a querer entrar
Lady Wawa: SORRY!! Las rosas y peluches son para el juego del amigo invisible, totalmente OUT! Para románticas ya están las telenovelas venezolanas, eso no va conmigo. Si el perro es el mejor amigo del hombre, diamonds are the best girl friend (los diamantes son los mejores amigos de las mujeres).

¿Cuáles son tus caprichos?
Larrica: Yo soy caprichosa loo, si es que no voy a sacar mi pecho en la cancha no me hallo loo.
Lady Wawa: Mi moño de pelo y yo, vamos a la cama juntas. Ella duerme donde yo duermo.

¿Tenés algún complejo?
Larrica: Si, ahora que via a desnudarme en 3D via a cobrar mucha plata y via a comprar para mi complejo deportivo con cancha, pileta, toas cosa loo, así no tengo que salir de mi casa para irme en el clú.
Lady Wawa: ¿Complejos Yo? Baby, I am a DIVA. Las reinas no tenemos eso. Si tengo alguno, directo al cirujano, eso no tiene precio, para todo lo demás existe el credit card.

¿Qué es lo peor que te dijo alguna vez un fan?
Larrica: Vo so ma linda en 3D. Masiado me enojé. Porque ellos quieren que yo me desnude no ma, y yo no soy un ojeto sesual nomá, yo tengo mis sentimiento.
Lady Wawa: Que soy copiona de Madonna. ¡Horror! Viven diciendo eso. Honey, get a life. Si te quedaste en los 80's y 90's, sorry, no es mi culpa, a renovarse mi vida. Lady Wawa es única.

¿Cuáles son tus manías?
Larrica: Yo tengo la manía de prometer que me via a deshnudar cada vez que juega el equipo de Paraguay. Porque ya prometí pue cuando Paraguay jugó y perdió contra España, y después por Cerro. Nunca ganan todavía, pero igual no ma yo hago mi deshnudo. Ya me malacostumbre todo mal ya.
Lady Wawa: Sorry baby, tengo la manía de ser tartamuda con mis músicas: ale alejandro, po po po poker face po po poker face, ra ra ah ah ah.

¿Qué es lo que más te envidian?
Larrica: Me envidian que yo recorro todo por los mundo. Me juí en España, también me juí en Europa y en las pirámide de China. Conocí todo pragticamente por mis viaje. Ahora me via a ir a desnudarme en Estado Unido, en la avenida Quinta y Estado Unido.
Lady Wawa: Fama es cuando todos conocen tu nombre, pero LA FAMA es cuando nadie sabe quién eres, pero todos quieren saber quién eres. Todas quieren fama, pero la que nace para pito nunca puede ser corneta.

¿Qué comprarías en el Mariscal López Shopping de tener a tu disposición fondos ilimitados para darte el atracón de compras de tu vida?
Larrica: No sé qué negocio pa lo que hay hacia el fondo, pero si tengo a mi disposición, via a comprar también. Aina me he de comprar todito, de la entrada hasta el fondooos.
Lady Wawa: Todo Darling. Tengo gustos muy exquisitos, y el Mariscal lo tiene todo en un mismo lugar. Eso sí cerrado para mi sola ya que los fans y los paparazzi no me dejarían tranquila.

¿Cuál es tu frase de cabecera?
Larrica: Por la cabecera de mi cama dice "no molestar" esa frase le pongo allí porque yo no quiero que me hinchen cuando estoy durmiendo, porque o sino amanezco todo pirevaí despue.
Lady Wawa: No seas victima de tu entorno, conviértete en lo que tú quieras ser. Mi mayor anhelo cambiar el mundo lentejuela por lentejuela.

¿Cuál es tu plato preferido?
Larrica: El plato hondo porque ahí entra mas la comida, viste. Todos los plato me gustan, para el asado si o shi me gusta de madera, más rico es el vacio y la costilla y eso en ese plato.
Lady Wawa: Cuando mi vestido de carne pasa de moda, me hago un rico asado, baby!! Solo como aquello que no vaya a parar a las caderas. Un minuto de placer en tu boca, toda la vida en las caderas. Por eso como sólo lo necesario para mantener este monster cuerpo.

¿Tenés algún sueño recurrente?
Larrica: Si tengo algún sueño siempre recurro al quinielero para saber que numero pa voy a jugar. Si es que soñás muerto que habla, ese es 47. A vece soy muy ocurrente cuando sueño, pero esho ya no te puedo contar ma porque es muy privado.
Lady Wawa: Sueño que soy pobre y fea, entonces me despierto de esa horrible pesadilla, me miro al espejo y me vuelvo a dormir, plácidamente baby.

¿Participaste de los festejos del bicentenario?
Larrica: Lastimosamente, me estaba desnudando otro lado, pero el año que viene ojalá se haga, mas organizado, mejor si es que hashen en verano, así vamos a poder irnos a disfrutar, porque este año hicieron en mayo y masiado frio hizo.
Lady Wawa: Estoy muy indignada por no haber sido incluida en el mapping, me dijeron que iba a estar Yo, cerrando los festejos, pero bueno, tenia concierto en Japón por eso le dije a La Kchorra que me suplante. Pero pronto iré a visitaros mis pequeños monsters paraguayos.

¿Qué pensas del fin del mundo, que tanto se habla últimamente?
Larrica: Yo no creo en esa cosa porque falta todavía el mundial de Brasil y mientra cerro no gane la libertadore y Paraguay no salga campeón del mundial, yo no creo que se acabe, porque masiado argel va a ser.
Lady Wawa: Y si es así, yo primero quiero un Bad Romance. Con tantos Judas que andan por ahí, agarro mi Telephone y le llamo a Alejandro, Ale Ale Alejandro.

¿Qué admiras del estilo de tu co-entrevistada?
Larrica: Masiado yo le admiro a ella porque es muy loca, así tavyraieté como se viste todo trambólica, y espero ser como ella alguna vez, para poder hacer los video clí, y ser cantora por todo el mundo y ya casi le eshtoy alcanzando con mi seguidore del tuister.
Lady Wawa: LOVE! La amo, adoro su lunar y me voy a tatuar uno así en su nombre. Espero hacer un dueto con ella pronto: la reina del pop y la concubina del mundial.

CRÉDITOS: Fotografía: Gloria Ferrés, Maquillaje y caracterización: Augusto Santiviago para DINO QUICK SERVICE CARMELITAS

DAVID GANDY: El Supermodelo

2012-01-25T12:53:00.000-08:00

Este modelo sin lugar a dudas es uno de los súper modelos masculinos más reconocidos y solicitados del momento. En realidad es muy fácil comprender por qué. Su físico no podría pasar jamás inadvertido; pero son sus rasgos, una mezcla perfecta entre el dandismo inglés y el magnetismo del hombre mediterráneo, lo que lo convierten en el modelo perfecto. Prueba de ello es la infinita cantidad de campañas y editoriales que temporada tras temporada protagoniza este modelo británico de 1,88.

Contrariamente a lo que hace suponer su aspecto físico de aires mediterráneos, David James Gandy es 100% británico. Nació en 1980 en un pequeño pueblo de Essex, al este de Inglaterra llamado Billericay. También contrario a las suposiciones, no era un adolescente muy popular ya que era algo gordito, por lo que no tenía mucho éxito con las chicas. Más gracias al rugby y al gimnasio logró desarrollar un físico imponente.

A los 18 años, se marchó de su pueblo natal para estudiar marketing en la Universidad de Gloucestershire. Los estudios los compaginaría trabajando para la revista Auto Express. El modelaje no estaba entre sus planes, y curiosamente surgió como consecuencia de una broma que le gastaron sus compañeros de facultad en el 2001, cuando enviaron unas fotos suyas a un concurso televisivo de la cadena británica ITV. El concurso consistía en encontrar al telespectador más atractivo y el premio era trabajar durante un año con la prestigiosa agencia de modelos Select Model Management. David Gandy fue el más sorprendido de todos al resultar ganador del concurso. A los 21 años, la broma, le abriría las puertas al mundo de la moda, donde iniciaría una exitosísima carrera.

Los primeros años de David en el mundo de la moda no fueron nada fáciles. Se presentó a infinidad de castings de pasarelas, pero siempre era rechazado. Su masculinidad le jugaba en contra, pues la estética de aquellos años se volcaba hacia tipos más andróginos y pequeños. Además se sumaba el hecho de que en sus primeros castings no le entraba la ropa, pues estaba hecha para hombres excesivamente delgados. Una y otra vez le decían que era “demasiado grande” para ser modelo. Por este motivo sus primeros trabajos no fueron nada memorables, limitándose a catálogos de marcas poco conocidas. Sin embargo, en el 2004 su carrera daría un giro inexperado, cuando fue elegido para ser la imagen de la campaña publicitaria del perfume masculino “Aqua” de Carolina Herrera.

Posteriormente su carrera empezó a despegar. En el 2005 fue imagen de Gant y Massimo Dutti, siendo el principal protagonista de sus campañas hasta el 2008. En el 2006 inicia una relación de largo plazo con la firma Dolce & Gabbana, convirtiéndose en el rostro favorito de la marca y el protagonista más icónico de sus campañas publicitarias.

La imagen de masculinidad exacerbada que transmite el modelo combinaba perfectamente con la imagen que Dolce & Gabanna busca transmitir en sus campañas masculinas, por lo que los diseñadores lo convirtieron inmediatamente en su modelo fetiche. Luego llegarían las campañas de la Fragancia “Light Blue”, un anuncio que dio vuelta al mundo y llegó a las 11 millones de vistas online, convirtiéndolo en uno de los hombres más deseados del planeta. De hecho, la gran popularidad que gozó esta campaña hace que constantemente lo paren en la calle preguntándole si es el “hombre del slip blanco”. Desde entonces ha aparecido en cada una de las campañas de D&G, quienes incluso le han dedicado un calendario en el 2008 para el cual fue fotografiado por Mario Testino y un libro en el cual se destaca su carrera como supermodelo masculino.

A parte de las campañas protagonizadas para el dúo italiano, Gandy ha sido imagen de Stefanel, junto con Gisele Bundchen, de Ermenegildo Zegna, Cavalli, Zara, Seven For All Mankind, Sergio K y rostro del perfume Zirh Ikon. También ha sido retratado para las principales revistas de moda del mundo, apareciendo en más de 25 portadas de revistas como VMan (Vogue), L’Optimum, GQ, L’Officiel, Twist, Attitude y la edición de Noviembre de Details Magazine. Ha protagonizado incontables producciones para revistas de la envergadura de Harper’s Bazaar, Glamour, Vogue y ha recorrido las más importantes pasarelas del mundo.

Ha trabajado con supermodelos como Gemma Ward, Claudia Schiffer, Naomi Cammpbell, actrices como Scarlett Johansson para la campaña de cosméticos de Dolce & Gabbana. Además en el 2010 filmó un cortometraje para la cadena de Hoteles W, con Helena Christensen como coestrella. Actualmente escribe un blog para la Vogue británica, hablando sobre su carrera en el modelaje, la moda y su pasión por los autos. Todo esto lo convierte en uno de los rostros más reconocidos del mundo del modelaje masculino y le hacen ocupar el primer podio entre los modelos británicos, y estar ranqueado entre los tres modelos más exitosos del mundo.

DIANE VON FURSTENBERG: Envuelta en Glamour

2012-01-25T12:44:00.000-08:00

“Siéntete mujer, ponte un vestido.”
- Diane Von Furstenberg

Diane von Furstenberg es una verdadera leyenda del mundo de la moda. No sólo personifica el glamour frívolo del jet-set, sino también a la mujer emprendedora, fuerte y autosuficiente. Su gran amigo, Oscar de la Renta, la describe de la siguiente manera: “Su energía no conoce límites, siente pasión por la vida, por sus hijos y amigos. Al mismo tiempo, no es una mariposa social; es una persona de gran profundidad.” Coqueta, felina, fuerte, independiente, articulada, gracias a sus diseños y trayectoria, Diane von Furstenberg ha logrado mantenerse vigente y relevante a lo largo de cuatro décadas.

Nacida bajo el nombre de Diane Simone Michelle Halfin en el seno de una familia judía de clase media alta en Bruselas, Bélgica el 31 de diciembre de 1946. Su infancia la transcurrió en internados en Suiza, Inglaterra y España. Su madre, Liliane Nahmias, superviviente del holocausto, fue una figura fundamental en su vida. Diane asegura que todas las mujeres son fuertes, agregando que el hecho de que su madre sobreviviera a Auschwitz, hizo que el miedo no fuera una opción durante su infancia, “Si temíamos a la oscuridad, mi madre nos metía en un ropero hasta que se nos pasara el miedo. Mi madre nunca me permitió tener miedo.”

Tal vez su vida hubiera sido mucho más obscura si el príncipe alemán Egon von Furstenberg, no se hubiera topado con ella, convirtiéndola en su esposa y por ende en princesa. Diane von Furstenberg y su marido reflejaban a la perfección el glamoroso y desenfrenado estilo de vida de los años 70: fiestas en el mítico club 54, amistades de la talla de Salvador Dalí, Andy Warhol, Bianca Jagger, Yves Saint Laurent y los Duques de Windsor. Al divorciarse en 1972, perdería el título de princesa, pero ganaría el de diseñadora, un título logrado por sus propios meritos, lanzando su marca epónima alentada por su amiga, Diane Vreeland, la entonces editora de Vogue.

En 1973 alcanzaría el éxito al inventar el vestido cruzado o wrap dress, un clásico atemporal sumamente popular desde la década del setenta hasta nuestros días. Para 1975 estaba fabricando15.000 ejemplares por semana de estos icónicos vestidos, consolidándose como diseñadora y apareciendo en la tapa del “The Wall Street Journal” y “Newsweek”, bajo el título de “la mujer más mercadeable desde Coco Chanel”.

El wrap dress es casi un símbolo de la elegancia sin esfuerzo. Este modelo tan importante en su carrera sigue siendo un elemento vital de su empresa, siendo incorporado año tras año en cada una de sus colecciones. Incluso uno de los primeros wrap dress se encuentra exhibido permanente en el “Costume Institute” del MET de Nueva York. Según Diane, el éxito del wrap dress se debe al hecho que ella no diseña para una persona determinada, sino “para la mujer que yo quería ser, la mujer que solía ser y en cierto grado, para la parte de aquella mujer que todavía soy”. Esto explica como este vestido y la marca en general, son deseados tanto por mujeres maduras como jóvenes. Según la misma Diane, uno de sus méritos es haber tocado a tantas generaciones con sólo un vestido.

Al alcanzar la fama, Diane expandió su negocio, registró su nombres y sus iniciales DVF. La mujer que había empezado su negocio con una valija con 12 vestidos de jersey y una inversión irrisoria, en pocos años ya tenía líneas de equipaje, bufandas, lentes, cosméticos, accesorios en cuero y artículos decorativos. En 1975 lanzó su primera fragancia, llamada “Tatiana” en honor a su hija con un éxito rotundo; vendiendo más de 40 millones de dólares para su segundo año. También publicó un libro con sus secretos de belleza.

Para los años 80, Diane había conquistado el guardarropa y el tocador femenino. Abrió su primera tienda de lujo en la 5ta Avenida de Nueva York con una nueva línea couture. Durante cuatro años ocupó un puesto en el Top 10 de los mejores negocios dirigidos por mujeres en Estados Unidos. Lastimosamente aquello que estaba destinado a convertirse en un imperio empezó a ir mal. Según Diane, “todo iba demasiado rápido y yo era muy joven. Estaba en mis veinte, no tenía experiencia, tenía dos niños pequeños, no había hecho nada parecido antes y no estaba equipada para encargarme de todo. Estaba estresada.” Diane reconoce que en poco tiempo saturó su mercado, la empresa tambaleó y cuando la delegó a otras personas desapareció. En 1985 decidió mudarse a París donde fundó “Salvy”, una editorial que manejaría por varios años junto con su superviviente línea de cosméticos.

En 1997 Diana decidió que era el momento de hacer su regreso triunfal reconstruyendo su empresa y relanzando DVF. Esta decisión fue motivada por su hija Tatiana, quien había notado que sus amigas ultra chic estaban empezando a llevar vestidos cruzados diseñados por su madre comprados en tiendas vintage. La idea que una nueva generación siguiera tan fascinada con este práctico diseño, encantó a Diane y la llevó a regresar a Nueva York para tomar nuevamente las riendas de su imperio. Las nuevas líneas de los wrap dress de Diane Von Furstenberg empezaron a venderse en Saks Fifth Avenue ese mismo año. Al poco tiempo ya lo estaban llevando celebridades como Demi Moore y Madonna. Diane había reemergido nuevamente en la movida fashion neoyorquina gracias al mismo vestido cruzado que había originado su suceso inicial dos décadas atrás, restableciendo su compañía como una renombrada marca de lujo vendida en más de 70 países.

Nada frenaría a Diane en alcanzar sus sueños. En el 2001 vuelve a casarse con Barry Diller, magnate de los medios de comunicación y anterior CEO de los estudios Paramount, su pareja desde hacía 32 años. En el 2005 el CFDA (Council of Fashion Designers of America) honró su trayectoria como diseñadora, otorgándole el codiciado “Lifetime Achievement Award”. Al año siguiente fue electa presidenta de esta organización, cargo que sigue ocupando actualmente. En el 2009 se montó una exhibición retrospectiva suya a gran escala en Moscú. Luego, por el aniversario de sus 40 años en la moda crearía la muestra retrospectiva “Journey of a Dress” que viajaría a Moscú, Sao Paulo y Beijing. Además diseñó suites para el elegantísimo Hotel Claridge’s de Londres. En el 2011 incorporó una línea de artículos para el hogar y una nueva fragancia, el perfume “Diane”.

Hoy en día la marca DVF cuenta con cuatro colecciones anuales de ropas y accesorios que comprenden zapatos, carteras, pequeños artículos en cuero, pañuelos de seda, anteojos, joyas, relojes, cosméticos y equipaje. Su estética propone muchos estampados y color. Ella misma sostiene: “me gusta pensar que mi estilo y las ropas que diseño son naturalmente elegantes y sexy. La palabra naturalmente es muy importante. Creo que genera comodidad y confianza. Pienso que no hay nada más bello que una mujer con confianza en sí misma.”

Su compromiso hacia la causa feminista puede observarse no sólo a través de sus declaraciones y diseños, sino también en su filantropía. Está en la junta directiva de la ONG “Vital Voices”, dedicada a apoyar a mujeres líderes y emprendedoras del mundo entero. También preside la fundación de la familia Diller-von Furstenberg, la cual creó el año pasado un premio con su nombre para honrar y apoyar a mujeres que han demostrado liderazgo, fuerza, valentía y compromiso con sus causas. Este premio otorga cada año 50,000 dólares a cuatro mujeres destacadas.

En una reciente entrevista, Diane von Furstenberg declaró, “Un hombre una vez me dijo que se puede perder todo en la vida, uno puede perder su salud, su fortuna, su pareja, su hijo, su trabajo. Lo que uno nunca pierde es su carácter. La vida se basa en la relación que uno tiene con sí mismo. Si hice una cosa bien en mi vida, es convertirme, desde bien temprano, en mi mejor amiga.”

Historia de los lentes de sol: Enmarcando los ojos

2012-01-25T12:40:00.000-08:00

Si se imaginan que los lentes de sol fueron inventados para proteger los ojos de los incómodos rayos de sol, están muy equivocados. Esto no fue lo que motivó su origen; pues por lo visto, en la antigüedad bastaba extender la mano sobre los ojos para proteger la mirada. Hoy en día se los considera artículos diseñados principalmente para matizar los incómodos rayos de luz intensa y proteger a los ojos de los dañinos rayos UV. Sin embargo, todos sabemos que eso de “proteger los ojos” es sólo el pretexto. ¡Seamos honestos! Nadie en su sano juicio usa lentes de sol por únicamente por proteger a sus ojos de los rayos UV. Los usamos porque dan estilo a nuestra mirada, enmarcan nuestros ojos con misterio y nos llenan de glamour en el acto.

Además todos sabemos que sirven para muchísimo más que meramente salvarnos de la incómoda resolana matutina en los ojos. Partamos del hecho que los ojos son las ventanas del alma. Y toda ventana necesita protegerse no sólo de lo que entra de afuera, sino también proteger de las miradas curiosas lo que sucede tras sus cristales. Ellos nos ayudan a salir a la calle sin maquillarnos, a mirar de reojo, a esconder lágrimas, a mirar descaradamente con disimulo, a esconder miradas delatadoras y hasta a pasar inadvertidos de incognito. Justamente por estas razones fueron inventados los lentes de sol. No para proteger a los ojos del sol, sino para hacer más discretas nuestras miradas.

Los lentes hechos con cristales de cuarzo ahumados surgen en el siglo XII en China. Eran utilizados por los jueces para esconder la expresión de sus miradas evitando revelar, con sus muy expresivas ventanitas del alma, información innecesaria en los tribunales. Como la aceptación de la credibilidad o no de las pruebas debía mantenerse en secreto por los jueces hasta finalizar el juicio, las gafas ahumadas eran muy útiles a este fin; así como también ayudaban a escudar sus expresiones mientras interrogaban a los testigos. La protección del sol jugaba sólo un papel secundario, así como lo hace hoy en día. Recién

Cuentan que el emperador romano Nerón, allá por el 60 a.C. tenía por costumbre observar los combates de los gladiadores en el circo romano a través de dos gemas de esmeralda pulidas para resguardar sus ojos del sol, algo que podría ser considerado un antecesor de los modernos lentes de sol.

Un extraño precursor de los actuales lentes de sol fue desarrollado en épocas prehistóricas por los esquimales. Los inuit, quienes tenían que proteger sus ojos de los extremadamente potentes rayos de sol reflejados sobre la nieve, idearon una especie de proto anteojos de sol. Ellos moldearon el marfil de los colmillos de las morsas para crear sus “anteojos”. Más que lentes de sol, eran una especie de antifaz con delgadas aperturas frente a los ojos para mitigar la resolana.

Como es de esperar el desarrollo de los lentes de sol es precedido en Europa por el desarrollo de los lentes de vista, los cuales aparecen alrededor del 1430. Estos lentes correctivos llegaron a China en el siglo XV y pronto los chinos los ahumaron también para que los jueces pudieran ver mejor y sin revelar sus expresiones oculares.

Los primeros marcos europeos estaban hechos de marfil, nácar, metal y carey, sostenidos por cintas. Los astutos chinos también tuvieron que ver en el desarrollo del marco moderno. Ellos agregaron pesitas de cerámica en los extremos de las cintas para que colgaran detrás de las orejas, sin necesidad de atarlos o engancharlos a las mismas. Los primeros marcos integrados a las patas aparecen en 1730 inventados por Edward Scarlett pero solamente eran aplicados a los lentes de vista ya que los lentes de sol no habían hecho aún su aparición en Europa. Unos años después, en el 1750, James Ayscough experimentaría en Londres con lentes de colores, mas no con la intención de proteger a los ojos del sol, sino porque creía que los lentes azules o verdes podrían servir para corregir ciertos problemas de vista. En el siglo XIX e inicios del siglo XX los enfermos de sífilis solían llevar lentes teñidos de amarillo o ámbar, para ayudarlos a lidiar con la híper sensibilidad a la luz, uno de los síntomas de esta terrible enfermedad.

En realidad, la popularidad de los lentes de sol, como fenómeno de moda y protección solar surge recién en el siglo XX. En la época del cine mudo, los actores de cine empezaron a usar lentes con espejos ahumados, y no precisamente porque les molestara el sol, o porque quisieran pasar inadvertidos por sus fans, sino porque las intensas luces usadas en las filmaciones irritaban mucho sus ojos, enrojeciéndolos. Esto se resolvió con la introducción de filtros ultravioletas para las luces.

Más la introducción de los lentes de sol propiamente dichos se dio gracias a un ingenioso inventor. En 1929, Sam Foster inventa los Sunglasses o “lentes de Sol”, patentándolos más adelante como “soportes visuales compuestos por lentes de colores, oscurecidos o polarizados para proteger a los ojos del resplandor del sol”. Los vendía en la rambla de Atlantic City, Nueva Jersey. Su producto se volvió muy popular entre quienes frecuentaban la playa y Foster masificó su producción. Para 1930 los lentes de sol causaban verdadero furor.

El desarrollo de los lentes de sol con filtros UV se dio gracias a la industria bélica. En 1930 el “Army Air Corps” encargó a la empresa óptica Bausch & Lomb fabricar unos lentes que protegieran a los pilotos del peligroso resplandor del sol en las grandes alturas. Los físi¬cos y ópticos de la empresa perfeccionaron un tinte especial, verde oscuro, que absorbía la luz en la banda amarilla del espectro. A inicios de la Segunda Guerra Mundial, en 1936, Ray Ban diseñó lentes de sol de estilo aviador con lentes que anti resplandor polarizados, empleando la tecnología desarrollada por Edward H. Land, fundador de la Corporación Polaroid. También diseñaron una montura ligeramente inclinada, que protegía al má¬ximo los ojos del aviador cuando éste miraba repetidamente hacia abajo, en dirección de los mandos del avión. A los aviadores se les en¬tregaron estas gafas gratuitamente, y poco después el público pudo ad¬quirir el modelo que protegía de los rayos solares, denominados lentes “Aviadores de Ray-Ban.”

Pero el mayor impulso a la difusión del uso de los lentes de sol poniéndolos de moda provino de una hábil campaña publicitaria promovida en la década de 1960 por la empresa Foster Grant, creada por el mismísimo inventor de los modernos lentes de sol, Sam Foster. Dispuestos a incrementar su mercado en el campo de las gafas de sol, esta empresa decidió recurrir a la moda y comenzó la campaña ti¬tulada “gafas de sol de las estrellas”, en la que aparecían caras popula¬res de Hollywood, como Julie Christie, Mia Farrow, Woody Allen, Anthony Quinn, Peter Sellers, Elke Somer, Raquel Welch, y Anita Ekberg. En los anuncios de las revistas y de la televisión, se repetía por ejemplo: “Isn’t thata Raquel Welch behind those Foster Grants?” (¿No será Raquel Welch detrás de esas Foster Grant?”

Al asociar los lentes de sol con las estrellas de cine, creó lo que se convertiría en una alianza ideal. Desde entonces los anteojos representarían la materialización de todo lo cool y estiloso.

Gradualmente los lentes de sol se convirtieron en toda una industria que acompaña y complementa a la moda. Los mejores diseñadores del mundo crean líneas de anteojos de sol para acompañar a sus colecciones. Hoy en día el uso de anteojos de sol se ha difundido a todas partes del mundo. Desde jóvenes a ancianos, todos aman usar anteojos de sol, ya sea por comodidad, protección, discreción o simplemente para verse fabulosos bajo el sol. ¡Si bien fueron creados para proveer sombra, su futuro es indiscutidamente brillante!

Modelos con Apellido

2012-01-25T12:33:00.000-08:00

Muchas tops del mundo de la moda, se han hecho de renombre gracias a su carrera, sin embargo otras simplemente nacieron famosas. A estas hijas de la fama, sus mismos apellidos las han convertido en blanco de los flashes desde temprana edad, y el modelaje es para ellas una elección natural. Ricas, bellas y famosas por herencia, estas chicas saben sacar provecho de la fama con la que nacieron para captar la atención de las grandes marcas.

Modelos con linaje Musical

Las primeras en la línea de las modelos con apellido, sin lugar a dudas son las integrantes del Rock Royalty. Entre estas modelos herederas de las leyendas del rock se destaca la larga prole de los Rolling Stones. Mick Jagger, el líder de esta banda, no sólo es un creador de hits, sino también un auténtico creador de modelos, pues tiene tres hijas modelos. La mayor, Jade, fruto de su matrimonio con Bianca Jagger pasó del modelaje al diseño de joyas. Elizabeth, más conocida como Lizzie, la mayor de sus hijos con Jerry Hall, es una de las modelos inglesas más cotizadas. Ha participado en las campañas de marcas como Tommy Hilfiger, Lancome, Marks & Spencer y Burberry además de ser retratada habitualmente para las revistas de moda más importantes del mundo. Georgia May, su segunda hija con Jerry Hall, es considerada como una de las chicas más populares del panorama de la moda actual, habiendo trabajado para prestigiosas revistas y marcas como Versace, Chanel, Hudson y Rimmel. Incluso, fue elegida en el 2009 como Modelo del Año en los British Fashion Awards.

Mick Jagger no es el único Rolling Stone en aportar a la pasarela. Alexandra y Theodora Richards, hijas del guitarrista Keith Richards y la modelo Patti Hansen, también tienen al modelaje como profesión. Ambas han desfilado en importantes desfiles y fueron retratadas en diversas revistas y campañas como la de Tommy Hilfiger. Alexandra es una habitué en revistas como Vogue, Glamour, Vanity Fair, ID y Harper’s Bazaar. Cuando no está posando se la puede encontrar trabajando como DJ en importantes eventos del jet set.

Kimberly, la rebelde hija de Rod Stewart y la ex modelo Alana Miles, ha agraciado las portadas de revistas como Tatler, Vanity Fair, Vogue y Elle y ha protagonizado las campañas de Max Mara, Catherine Malandrino y House of Field. Renee, la hija menor de Rod Stewart con la top model Rachel Hunter, también ha optado por seguir los pasos de su madre y su media hermana, incursionando recientemente en el modelaje y consiguiendo de inmediato la campaña de Pantene.

Frances Bean Cobain, la única hija del líder de Nirvana, Kurt Cobain y de Courtney Love no solo fue tapa de la revista Teen Vogue, y posó para la revista Elle, sino también fue imagen de Chanel. Lily Collins, hija del cantante Phil Collins, no solo posa para revistas como ID, Vogue, Teen Vogue y Tatler, sino también colabora escribiendo para ellas. India Waters, hija de Roger Waters, líder de Pink Floyd, también es modelo habiendo posado para De Beers, Monsoon, Vogue y Amica. Por su parte, Zoe Kravitz, hija de Lenny y la actriz Lisa Bonet, trabaja como modelo y actriz. Fue retratada para Jalouse, Elle y protagonizó la campaña de Alexander Wang y fue el rostro del perfume “Princess” de Vera Wang.

Otra modelo exitosa con apellido musical es Tali Lennox, hija de la cantante Annie Lennox. Ha incursionado en las pasarelas con varias marcas conocidas antes de promocionar la colección Diamond del diseñador Julien Mcdonald y la de Burberry. También es una habitué de importantes revistas como Vogue, ID, Love, y W Magazine. Igual éxito ha cosechado Amber Le Bon, hija de Simon Le Bon de Duran Duran y la top model Yasmin Le Bon al seguir los pasos de su madre. Fue ganadora de un concurso británico que determinó las diez chicas más lindas hijas de famosos, superando incluso a Liv Tyler e Ivanka Trump. Desde que fue elegida como imagen de la campaña de Pantene, no ha parado de trabajar, posando para marcas como Moschino, River Island y Smash Box, y siendo tapa de revistas como Tatler y Vanidades.

Daisy Lowe, hija de la diseñadora Pearl Lowe y del vocalista de Bush, Gavin Rossdale, e hijastra de Gwen Stefani es una de las más prestigiosas modelos británicas. Recorriendo las pasarelas del mundo y posando para revistas como Vogue, W Magazine, Tatler, Elle, GQ, Marie Claire, Harpers Bazaar, Interview, Jalouse, Teen Vogue, Nylon, In Style, I-D y Grazia. Fue retratada para campañas publicitarias para Marc by Marc Jacobs, Ana Sui, Louis Vuitton, DKNY, Mango, Esprit, Biba, Converse, Burberry, Topshop, Diesel, Pringle of Scotland, H&M y Agent Provocateur.

Pixie Geldof, hija de músico británico Bob Geldof, no solo es una de las it girls más cool de Londres, sino también es ya una consagrada modelo. Ha protagonizado las campañas de Diesel, Pringle of Scotland, CK One, Levis, Loewe y Costume Nationale y ha sido retratada para revistas como Tatler, Love, Vogue, Dazed & Confused, I-D y W Magazine. Otra modelo que ha alcanzado en poco tiempo igual éxito es Riley Keough, hija de Lisa Marie Presley y nieta del legendario rey del Rock Elvis Presley. A sido modelo para marcas como Dolce & Gabbana, Lee, Mango y ha sido fotografiada para Vogue, Dazed & Confused, I-D, Love y Russh.

Modelos con Pedigree Actoral

Así como la moda y la música van de la mano, el cine también tiene fuertes vínculos con la moda. Por esto no es de extrañar que las herederas de Hollywood también se destaquen en el modelaje. Sin lugar a dudas, la más exitosa de ellas es Dree Hemingway, hija de la actriz Mariel Hemingway y bisnieta del afamado escritor. Desde Gucci a Valentino, todas las grandes marcas de la moda se han rendido a su belleza. Es la actual imagen de Hugo Boss y Diesel y de los perfumes Lady Million de Paco Rabanne y Someday de Justin Bieber. Solo en el año pasado protagonizó las publicidades de Salvatore Ferragamo, Jean Paul Gaultier, Valentino y Gianfranco Ferré. También fue tapa de Vogue, I-D, Zoo y W Magazine y ha trabajado en importantes producciones de moda para más de 30 de las más importantes revistas de moda del mundo.

Otra exitosa modelo con un rimbombante linaje actoral es Elettra Wiedemann, hija de la actriz Isabella Rossellini, y nieta del director Roberto Rossellini y la icónica actriz Ingrid Bergman. Siguió los pasos de su madre convirtiéndose en la imagen de Lancome y también ha protagonizado las publicidades de Hogan y Banana Republic. También ha sido retratada para The New Yorker, Russh, Vogue y Muse.

Dakota Johnson, la bella hija de los actores Melanie Griffith y Don Johnson y nieta de la actriz Tippi Hedren, ni bien anunció que deseaba dedicarse al modelaje y ya estaba protagonizando la portada de la revista Vogue. ¡Para nada un mal comienzo! Al poco tiempo ya estaba protagonizando las campañas de Mango y posando para Interview. Pero su verdadera meta es la de seguir los pasos de sus progenitores en la gran pantalla.

Otra modelo con linaje cinematográfico es Lou Doillon, hija de la actriz Jane Birkin y del director francés Jacques Doillon. Fue imagen de Gap, H&M y Givenchy. Desfiló para Tom Ford y ha aparecido en revistas como Vogue, VS Magazine y Portrait.

Con semejante carga genética sin lugar a dudas, todas estas modelos de apellido estaban predestinadas a ser hermosas y no es de extrañar que el mundo de la moda no haya tardado en fijarse en ellas.

El Lujo: Lo mejor que el dinero puede comprar

2012-01-25T12:23:00.000-08:00

“Lo superfluo, cosa bien necesaria”
- Voltaire

El concepto del lujo ha estado presente en la sociedad desde los albores de la civilización. Por supuesto lo que en su tiempo un hombre de la edad de hierro podría haber considerado lujoso, dista mucho de lo que nosotros hoy en día consideramos como tal; pero el concepto es esencialmente el mismo. Por lo general, algo lujoso es algo que resulta difícil de adquirir ya sea por su escasez o singularidad. El lujo se refiere a aquellos bienes, servicios u objetos a los que otorgamos un valor agregado que excede lo estrictamente necesario y supera los medios normales de alguien para conseguirlo. Pero el hecho de que no sea absolutamente necesario tenerlo, no hace que lo deseemos menos.

Los bienes considerados de lujo van variando según el poder adquisitivo, por lo que su concepto es también sujeto a la relatividad. Una persona de escasos recursos podría considerar un lujo tener una moto en vez de su bicicleta. Una persona de clase media no vería esa moto como un lujo, pero sí tener un auto 0Km. Una persona de clase alta tal vez no vea a ese auto 0Km como un auto lujoso, pero si a un auto clásico de colección. Y así también una persona multimillonaria, teniendo quizás ya varios autos de colección, no los consideraría un lujo, pero sí aspiraría a tener un avión privado. El concepto del lujo incluso puede cambiar de acuerdo a la geografía, en los países desarrollados pasar unos días en un SPA puede considerarse un lujo, mientras que en los países en vía de desarrollos, simplemente tener un sistema de agua corriente puede ser considerado como lujo.

El lujo era igual de importante en las civilizaciones antiguas de oriente y occidente tal como lo es hoy en día. Sin embargo, en la antigüedad los bienes de lujo eran algo que sólo se podían permitir las clases pudientes; mientras que hoy en día hay ciertos productos considerados de lujo pero que se hacen más accesibles a las masas a través del mercadeo aspiracional. Esta situación complica un poco el definir al lujo hoy en día. Ya que lujo no es sólo aquello a lo que sólo pueden acceder los millonarios, también son considerados lujosas ciertas cosas que cuestan un poco más caro que el resto y que generan en las personas un sentimiento de pertenecer a un grupo de elite. Básicamente lo que importa no es la relación precio calidad, o la singularidad del producto, sino la manera en la que éste es presentado para generar la aspiración a poseerlo en el consumidor.

Esta nueva estrategia de hacer más accesible al lujo surge del hecho, de que los productos de lujo exclusivos pocas veces se convierten en un modelo de negocios sostenibles. Un claro ejemplo es el caso de los coches más caros del mundo. Con su exorbitantes precios (como el de un Bugatti de 2 Millones de dólares, o un Pagani de 1.8 millones de dólares), no es de extrañar que no puedan venderlos masivamente. En el 2009, sólo dos marcas de la lista Forbes de los 10 vehículos más caros del mundo vendieron más de 1 auto. Por ejemplo, Ferrari obtiene más ingresos a través del merchandising que a través de la venta de sus vehículos. Debido no sólo al alto costo, sino también al alto gasto de mantenimiento de los vehículos de lujo, cada vez es menor el número de personas que los adquieren, aunque todos soñamos con tenerlo. En base a esta aspiración, y apuntando a un sector más masivo se crean empresas que facilitan la experiencia del lujo a las marcas. En el caso de los automotores, existen empresas como la empresa española GT Club, que bajo el slogan de “drive your dream” (conduce tu sueño) ofrecen, a cambio de una cuota anual, la posibilidad de conducir los autos más exclusivos del mercado.

Muchas empresas de lujo como estrategia de ventas también han diversificado sus productos creando líneas que apuntan hacia a un público más masivo, conocido como clase aspiracional. Pero esta misma accesibilidad contemporánea al lujo, pone en riesgo que un producto al ser fácilmente accesible para todos pierda su carácter de lujoso. Algo que puso a varias empresas en alerta sobre la necesidad de estudiar a este nuevo y amplio mercado de consumidores de lujo ya que sus comportamientos y actitudes pueden influir enormemente en la manera en que las empresas se manejan, pudiendo incluso determinar la supervivencia o mortalidad de ciertas marcas.

En el 2006 la firma American Express elaboró el informe “21st Centurion Living” en el cual abordan las tendencias que cambian nuestra manera de percibir el lujo en nuestro siglo. Para hacerlo entrevistaron a los más prestigiosos estrategas empresariales, diseñadores, arquitectos y creadores de tendencias del mundo. En el estudio identifican cuatro aspectos predominantes en el nuevo concepto del lujo: la experiencia, el conocimiento, el valor y la conciencia ecológica. El resultado hace incapié en el lujo como experiencia, donde el énfasis no está puesto en el precio, sino en el valor de las cosas, y en la forma inteligente de consumirlas.

En este informe, el diseñador Giorgio Armani, uno de los entrevistados, expresa: “La palabra lujo se ha convertido en un sinónimo perezoso de “caro” o “actual” y muchas personas han aceptado esta definición. Sin embargo, yo creo que al menos que uno pueda percibir calidad, autenticidad y un grado de exclusividad y de intemporalidad, el precio solamente no justifica la etiqueta de lujo”.

Existen diversas concepciones de lo que significa el lujo. Y según el informe arriba mencionado, la manera de ver al lujo tiene una evolución. Primero tenemos al “lujo adquisitivo” el cual comprende ciertos productos que son percibidos como lujosos por el público simplemente porque juegan el rol de símbolos de estatus, al poner de manifiesto el poder adquisitivo de quienes los compran. Estos productos, sin ser necesariamente de mejor calidad que otros similares, son adquiridos simplemente con el propósito de ostentar riqueza y sentirse especiales. Se trata de gastar compulsivamente y exhibirse. Los consumidores buscan distinguirse del resto a través de sus autos, joyas, prendas y estilos de vida, lanzándose a una carrear por demostrar más opulencia. Los denominados “nuevos ricos” son quienes más se acercan a esta forma de entender el lujo.

Luego tenemos al denominado “Lujo Crítico”, en la que el consumidor, volviéndose más crítico, sofisticado y exigente, prefiere consumir ciertos productos que adquieren el status de bienes de lujo gracias a su calidad, durabilidad, diseño, rendimiento, o singularidad que lo hace destacarse entre otros productos similares como algo superior. El valor no está en el precio, sino en la calidad, en la singularidad y exclusividad. Quienes ven al lujo de esta manera muchas veces reaccionan contra el consumo ostentoso rechazando la exageración, las marcas visibles y la demostración de lo que se tiene. El consumidor busca disfrutar del producto que adquiere, no llamar la atención de otros con este producto. Este consumidor ya más refinado preferiría un traje hecho a mano por un buen sastre de Savile Row, por encima de uno de una importante marca de diseñador comprado de una tienda.

Luego se encuentra el “lujo del conocedor”. En este nivel, el concepto de lujo es más personal y no sujeto a modas sino a preferencias personales y conocimientos y gustos adquiridos. Aquí ubicamos a los coleccionistas de los mejores vinos, de muebles, de obras de arte que encuentran el lujo en la posibilidad de tener aquel objeto especial al cual ellos le dan valor.

Y por último tenemos al “lujo Meditativo”. Aquí lo aspriracional se convierte en inspiracional. La importancia no es dada en la posesión misma del producto sino en la experiencia que puedan sacar de él, ya sea una emoción, una satisfacción, un sueño. A través del lujo se vive una experiencia singular y se busca por sobre todo sentirnos realizados experimentar a través del producto en arte del buen vivir. Dentro de esta concepción del lujo también se inscribe el lujo que proviene de lo artesanal, de lo natural, de lo que genera conciencia ambiental, etc. Los consumidores viven el lujo como el arte de vivir diferente y buscan no solo un objeto caro, sino que éste les haga vivir una experiencia única.

En el mercado del lujo contemporáneo, las tres tendencias dominantes son la globalización, la diversificación y la fusión. Gracias a la globalización se ha aumentado de la disponibilidad de los productos de lujo, por medio de la fusión se han creado grandes compañías propietarias de distintas marcas, como los grupos como LVMH, Richemont y PPR, que lideran el mercado del lujo con productos diversificados que van desde bebidas de lujo hasta marcas de moda, joyerías y cosméticos.

La firma LVMH (Louis Vuitton Moet Hennessy) es actualmente el más grande productor de bienes de lujo del mundo, con más de 50 marcas que incluyen aquellas de sus siglas junto con otras como Mercier, Fendi, Givenchy, Bulgari, Tag Heuer, Sephora, Hublot, Le Bon Marché, Veuve Clicquot y Christian Dior Parfums, etc. El grupo PPR cuenta entre sus principales marcas subsidiarias al Grupo Gucci (Bottega Veneta, Yves Saint Laurent, Balenciaga, Alexander McQueen, Stella McCartney, Boucheron y Sergio Rossi), al grupo Puma, y al grupo FNAC. Por su parte, Richemont, cuenta entre sus marcas subsidiarias a Dunhill, Baume et Mercier, Cartier, Chloé, Mont Blanc, Net-a-Porter, Piaget, Vacheron Constantin, Van Cleef & Arpels, entre otras.

En el mercado del lujo lo que se busca es convertir a un producto o servicio en un objeto de deseo. Sin lugar a dudas el motor que nos lleva a desear el lujo es la pasión por tener un producto de funcionalidad, calidad y belleza superior y cuyo valor percibido (valor emotivo) sea también superior al valor del producto en sí. ¡No lo necesitamos, pero como lo deseamos!

Fuentes:21st Centurion Living

Ensaladas con Historia

2012-01-25T12:16:00.000-08:00

Pocos platos admiten tantas variaciones como las ensaladas. Cada región del planeta ha incorporado sus vegetales y frutas autóctonas, combinándolos y sazonándolos con mucha imaginación, para crear estos platos tan sabrosos y saludables. No se puede dar la fecha ni el lugar exacto de su aparición, por el sencillo hecho de que las verduras, base fundamental de las ensaladas, siempre estuvieron allí y fueron consumidas por el hombre desde los albores de la civilización.

Por el año 50 d.C. el naturista Plinio el Viejo, empezó a consumir sus vegetales crudos sazonándolos simplemente con sal y vinagre, llamando a esta preparación acetaria. Las ensaladas eran muy comunes entre los griegos y romanos. De hecho, la palabra “ensalada” proviene del vocablo latino de sal. Los romanos difundieron el hábito de comerlas al principio y al final de sus ágapes, pues para ellos las hojas de lechuga (originarias de Egipto) tenían virtudes terapéuticas que protegían al estómago y facilitaban la digestión. La costumbre de consumir ensaladas se perdió con las invasiones bárbaras para ser retomada nuevamente con los musulmanes. Con el descubrimiento de América, nuevas hortalizas pasaron a enriquecer el repertorio de las ensaladas. En la actualidad, los vegetales aliñados en forma de ensalada, forman parte del menú cotidiano de todo el mundo ya sea como entrada, guarnición o plato principal.

La ensalada César: Ensalada de lechuga y crotones aliñada con aceite de oliva, huevo, ajo, parmesano, jugo de limón, anchoas, salsa Worcestershire y pimienta negra. Si bien su nombre nos hace suponer que es una receta antigua creada en honor al emperador romano, en realidad fue creada en los años 20 o 30 por un inmigrante italiano en Tijuana México en épocas de la Ley Seca, cuando los californianos acudían a esta ciudad para entregarse al trago prohibido en su país. Existen tantas versiones de su origen, como variaciones en su presentación. La más aceptada cuenta que fue creada en 1924 por el chef italiano César Cardini, propietario de un local en Tijuana llamado “Caesar’s Palace”, cuando llegaron muchísimos comensales por el feriado del 4 de Julio y a falta de tomates y ya escaseando ingredientes, el chef improvisó con los restos que tenía en la cocina. La ensalada fue un éxito. En 1926, su hermano Alessandro quien había sido piloto en la primera guerra mundial, incorporó anchoas a la receta y la llamó “Aviators Salad” en honor a los pilotos de San Diego que frecuentaban el local. En 1948 Césare Cardini patentó el aderezo en Los Angeles como “Cardini’s Original Caesar Dressing Mix”, que luego fue comercializada por su compañía “Cardini Foods” en Culver, California. Otra versión atribuye su invención al cocinero Livio Santini, quien la hizo en honor al dueño del restaurante Césare Cardini. Otros cuentan que en realidad el chef que la preparó se llamaba Alessando Cardini, y la preparó en homenaje a su difunto hermano César. Sea cual fuera la versión original, lo cierto es que fue inventada en México por un tal Cardini y gracias a la Ley Seca, popularizada en California.

La ensalada Waldorf: Esta ensalada se prepara con manzanas, nueces, apio, repollo blanco y uvas pasas aliñada con mayonesa. Fue creada en 1893 en el famoso Hotel Waldorf de Nueva York. El maitre del hotel a quien se le acredita su invención, fue Oscar Tschirky, quien trabajó en el Waldorf Astoria desde su inauguración hasta Diciembre de 1943 por lo que era conocido por todos simplemente como “Oscar del Waldorf”. En 1896 Oscar publica un libro de cocina llamado “The Cook Book by Oscar of the Waldorf” en el cual incluye la receta usando sólo manzanas, apio y mayonesa. La receta original no llevaba nueces, sin embargo, con el tiempo se las incluyó en la receta, apareciendo con nueces en las publicaciones del “Rector Cook Book” de 1928 y más adelante en la publicación del “The Waldorf Astoria Cookbook” de 1981.

La ensalada Rusa: El origen de la ensalada rusa, u Olivier, se remonta a 1860, en el restaurante Hermitage de San Petersburgo; donde fue inventada por el chef y propietario, el francés Lucien Olivier. Este exclusivo restaurante de la entonces capital rusa era frecuentado por toda la clase alta y se consideraba un verdadero privilegio comer la ensalada preparada por el mismo Monsieur Olivier. Lastimosamente el chef se llevó a la tumba su receta original. Sabemos con certeza que no llevaba ni arvejas ni zanahoria, y quedó registrado en el libro “Arte Culinario” de P. Alexandrovoy de 1899, sus ingredientes eran: papa, huevo duro, lechuga, aceitunas, alcaparras, mayonesa, pepino fresco, pepinillo, faisán, gelatina de caldo de faisán, cangrejos de río, trufas y caviar. La historia de su creación es verdaderamente graciosa. Originalmente el plato se llamaba “mayonesa de faisán” y era presentado con un faisán trozado en el centro, acompañado de dados de gelatina de caldo y trufas, a un costado llevaba una torre de papa y pepinos y del otro lado los cangrejos con pepinillos y caviar; los huevos duros en pequeños trozos, sólo cumplían la función de decorar. Un día el refinado chef, vio con horror como uno de sus comensales rusos mezclaba todos los ingredientes en su plato. Muy ofendido y en respuesta a esta actitud tan vulgar, al día siguiente mezcló todos los ingredientes él mismo y se los sirvió así a su comensal. Jamás imaginó que en vez de ofender a sus comensales con este plato tan revuelto y desordenado, consiguió exactamente lo contrario. ¡El plato tuvo un éxito tremendo! Sin embargo se volvió un plato cotidiano de la gastronomía rusa recién tras la revolución y con ingredientes mucho menos costosos. El responsable de la variación actual fue el chef del restaurante “Moscva”, Iván Mijailovich Ivanov, antiguo ayudante de Olivier. En 1924, recordando el éxito de esta ensalada la incluyó en su menú, adaptándolo a la época con ingredientes más accesibles y comunes.

Fare la Scarpetta

2012-01-25T12:07:00.000-08:00

No existe nada más delicioso que, al terminar el plato, mojar el pan con la salsa que sobra hasta limpiar toda su superficie. Este acto constituye uno de aquellos pequeños placeres indebidos a los que nos entregamos sin culpa alguna en la discreción de nuestros hogares. En público por lo general nos abstenemos de esta costumbre, pues según las reglas de etiqueta, no debería hacerse; ¡pero quien no ha cedido más de una vez a esta irresistible tentación!

Lo hacemos con la salsita del guiso, con el jugo del asado y por supuesto, con lo que queda de la salsa de la pasta. Es tan común hacerlo con la pasta, que los italianos han acuñado una expresión para denominar a este acto: “fare la scarpetta” o hacer el zapatito. Esta expresión coloquial viene de la forma que toma el trozo de pan al sostenerlo con los dedos para enjugarlo con la salsa. Simplemente se toma un trozo de pan de la panera y se lo remoja con gusto en la salsa. En este preciso instante, el pedazo de pan se transforma en un zapatito estratégico que pisa la suave salsa, sumergiéndose en ella y llenándose de la sabrosa substancia.

En la antigüedad, hacer la scarpetta era una costumbre habitual y nada mal vista. En 1530 el filósofo Erasmo de Rotterdam la recomendaba en su libro “De Civilitate Morum Puerilium”, indicando que si había salsas y si los otros comensales mojaban el pan en ella, los niños también podrían hacerlo sin problemas siempre y cuando no mojara grandes fetas, ni trozos de pan que ya había mordido previamente. Pero en 1672 Antoine de Courtin la clasificaba como una costumbre de campesinos afirmando: “Hace tiempo era lícito embeber el propio pan en la salsa, bastaba solamente que no lo hubiera mordido; hoy esta usanza sería verdaderamente una usanza de campesinos.”

En los hogares italianos, no es de extrañar que al terminar de comer los anfitriones ofrezcan una mirada cómplice a sus comensales al mismo tiempo que les acercan una panera indicando alegremente: “¡Adesso facciamo la scarpetta!”(¡Ahora hacemos la scarpetta!). Sin lugar a dudas, esta tradición volvió a ser aceptada a raíz de la guerra. En muchos hogares italianos de la post guerra, la idea de desperdiciar la comida era prácticamente un pecado. Mi padre me ayudó a comprender el porqué de esta costumbre.

Él había combatido en la Segunda Guerra Mundial. Como buen tano, era todo un buongustaio. La comida para él era un verdadero deleite. Tal vez por este motivo, lo que más recordaba de la guerra era el hambre. De chica al verlo comer me llamaba la atención como pelaba el plato. Si sobraba algo de salsa, no dudaba en hacer la scarpetta hasta sacarle el lustre al plato. Una vez le pregunté por qué lo hacía, pues mi madre me había enseñado que no era buena educación hacerlo. Esta fue la primera vez que me habló de la guerra, pues era un tema que prefería evitar. Tuvimos una larga conversación que aún recuerdo, en la que me contaba como transcurrían sus días como alpino durante la guerra. Interminables caminatas en las cordilleras nevadas, cargando una mochila pesadísima, sufriendo un frío terrible y sobre todo hambre; la clase de hambre que no te deja dormir y que hace aún más intolerable el frío y el esfuerzo. La guerra le había enseñado a comer hasta el último bocado, sin dejar nada a perder y con los años jamás había logrado deshacerse de esta costumbre. Haciendo la scarpetta celebraba cada plato hasta la última gota, rindiendo un respeto casi religioso a la comida que tanta falta le había hecho en los tiempos de guerra.

Hoy en día, hacer la scarpetta, es aceptable en los almuerzos o cenas informales, familiares e incluso es socialmente aceptado en los restaurantes más casuales en Italia. Sin embargo, hacerlo en un contexto formal constituye todo un pecado. Para las normas de etiqueta, la scarpetta solo puede tolerarse en contextos caseros e informales y únicamente se permite hacerlo clavando un pequeño pedazo de pan con el tenedor, pero jamás con las manos. ¡Qué sacrilegio!

Por lo tanto, la etiqueta hoy nos deja ante un verdadero dilema: hacer o no hacer la scarpetta. ¿Qué hacer cuando terminamos el último bocado de un spaghetti alle cozze y nos encontramos observando deseosamente la tentadora salsa sobrante? Enfrentamos al plato, aún calentito e irresistible, y en fondo de nuestro corazón se libra una batalla interna entre nuestros modales y nuestra glotonería. ¿Qué hacemos? Nos adecuamos a las buenas costumbres o a nuestro sentido común que nos dice que sería una verdadera lástima desperdiciar semejante gracia de Dios.

En lo personal, ante este dilema, prefiero hacer de menos a la etiqueta. De hecho somos muchos quienes consideramos que el saborear un plato de pasta no estaría completo sin tener a mano una panera para entregarnos al puro placer de disfrutar una buena comida hasta su última gota, sin dejar rastro alguno de ella en el plato.

Hacer la scarpetta es una manera de celebrar la comida y hasta podría verse como un elogio hacia el cocinero. Hacer la scarpettta es demostrar con creces que la comida está demasiado deliciosa como para dejar siquiera una gota de ella en el plato. En efecto, está tan rica que no podemos contener el impulso de cometer un pequeño acto de mala educación.

Podríamos discutir horas sobre si es apropiado o no mojar el pan con la salsa. Pero para mí, hacer la scarpetta es un rito al cual me entrego sin culpas. Y si alguien me mira con malos ojos, prefiero contestar su mirada con una sonrisa que le informe cuan poco me importa.

AREGUÁ: Arte, tradición y siestas encantadas

2012-01-25T11:59:00.000-08:00

Sólo 28 km separan de la capital paraguaya a esta hermosa ciudad, convirtiéndola en un destino ideal para pasear los fines de semana. Esta ciudad con raíces de barro, endulzada por sus frutillas y besada por el celeste resplandor del lago Ypacaraí bajo el sol, es toda una joya en sí misma. Resistirse a su nostálgico encanto, resulta imposible.

Sus antiguas calles adoquinadas invitan a ser recorridas en largos paseos. Pasear por estas calles, envueltos en el sepulcral silencio de la siesta, es una experiencia casi mágica, donde el tiempo parece detenerse y todo parece mecerse al son del dulce arrullo de las cigarras. Para dejarse contagiar por esta sensación, basta solo un paseo por la Avenida del Lago, que parte del balneario municipal a orillas del lago Ypacaraí y termina en la hermosa Iglesia de La Candelaria, erigida sobre una colina desde la cual se puede apreciar una vista magnífica de la ciudad.

La Avenida del Lago tiene un ancho paseo central cubierto de árboles que permite caminar tranquilamente, deteniéndose a apreciar las antiguas villas de veraneo construidas entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, época en la cual Areguá era el destino obligado de las más ilustres familias asuncenas. Las preciosas casonas estivas que rodean la Avenida del Lago reflejan con imponencia aquella dorada época en que la ciudad era un aristocrático balneario, escenario de bailes, romances y murmullos que inspiraron al gran escritor Gabriel Casaccia. De hecho, a falta de un buen mapa turístico de la ciudad, recomendamos llevar una copia de “La Babosa” o “Los Herederos” para enriquecer su recorrido con excelentes descripciones de la vida que se llevaba en la época dorada de esta ciudad.

Estas casonas de la Avenida del Lago son verdaderas joyas arquitectónicas que ofrecen un atisbo al elegante estilo de vida del Paraguay de antaño. Entre ellas destacan la sede de la gobernación, patrimonio de la Familia Irala Burgos; la casa que inspiró a la Babosa, una casa blanca con una pequeña torre y un balcón lateral; la casa del renombrado escritor Gabriel Casaccia (pintada hoy en verde y bordeaux) y la magnífica Villa Gisela, una casona enteramente restaurada con frescos en las paredes y un jardín de ensueño que si bien no está abierta al público, nos permite ver una muestra de su esplendor desde sus verjas.

Los domingos, se suele montar un mercado de pulgas en el paseo central de la Avenida del Lago, donde se pueden encontrar antigüedades y curiosidades y por esta época del año, pesebres de todo tipo y tamaño. También son frecuentes las pequeñas ferias de artesanía que ofrecen variados productos en cerámica y madera. Con algo de suerte, puede encontrarse también con algún pintor pintando un paisaje al aire libre.

Una parada obligada en la Avenida del Lago es la Galería “El Cántaro”, con una colección de obras muy variada y un ambiente muy cálido. A la vuelta de la manzana se encuentra el Centro Cultural del Lago, una galería y museo con nutrido calendario de eventos creado por la pintora naif y aregueña por adopción, Ysanne Gayet. Cabe resaltar que el peculiar encanto de Areguá, ha convertido a la ciudad de la cerámica en el lugar favorito de artistas y literatos, muchos de los cuales han establecido allí su residencia. Importantes galerías como: Guggiari Arte y la galería de Luis Cogliolo han dado nueva vida a Areguá y han contribuido a magnificar su encanto a través de frecuentes tertulias artísticas y actividades culturales.

Otra parada obligada es la Estación del Ferrocarril Central, donde hasta hace poco paraba el pintoresco “Tren del Lago”. Un paseo que partía de Asunción hasta Areguá en el primer ferrocarril del Río de la Plata. Llegar a Areguá en esta locomotora a vapor propulsada a leña, hacía de la experiencia casi un viaje al pasado.

Rodeando la Iglesia, se encuentra el casco histórico de la ciudad. Este conjunto de casas coloniales con su típico “corredor yeré” constituye parte del patrimonio arquitectónico-histórico-cultural de la nación. A una cuadra de la Iglesia de la Candelaria, hasta las 16:00 horas, se puede visitar el Museo Margarita Casaccia. Esta edificación es una típica construcción colonial con mobiliario antiguo, mantenida en excelentes condiciones por los descendientes del escritor Gabriel Casaccia. Pero sin lugar a dudas, la Iglesia de la Candelaria es la corona del casco histórico. Esta ecléctica construcción de 1862 y su amplia explanada, constituyen el lugar ideal para disfrutar de una de las vistas más bellas de Areguá y del Lago Ypacaraí.

Uno de los hitos de la ciudad es el Castillo de Carlota Palmerola (1911), en la actualidad el Convento de las Hermanas Dominicas de Areguá, quienes en homenaje a su benefactora, mantienen un bello museo con las pertenencias de esta gran dama paraguaya. Entre los retratos familiares, cartas manuscritas, porcelanas francesas, catálogos de indumentaria ilustrados y preciosos muebles de la belle epoque, el cotidiano de una familia del pasado nos invade de nostalgias ajenas. No dejen de visitar la capilla, la cual me atrevo a decir es una de las más bellas de nuestro país. Siempre que no interrumpan la siesta ni sus labores, las monjitas estarán encantadas de charlar con ustedes sobre la historia de esta casa y su benefactora. El Castillo es un lugar ideal para hacer retiros espirituales o simplemente ir a descansar lejos del ruido de la capital. Los árboles aromáticos de su bello y amplio jardín invitan a tomar una siesta especialmente reparadora. Para visitar el Castillo hay que pedir cita al 0291432398.

Al lado del Castillo Palmerola, se encuentra otra residencia de esta familia: La Casa Amarilla, hoy con el esplendor de antaño devuelto gracias al esfuerzo de sus actuales propietarios, un grupo de artistas que la gestionan como galería de arte y hostal. Para reservar una habitación pueden llamar al 0981862686.

Pasando la Iglesia, casi a las afueras de Areguá, en el barrio conocido como Cocué Guazú, se encuentra el Museo del Mueble Paraguayo, con bellos ejemplares de mobiliario de la época de la Colonia hasta inicios del siglo XIX. La sede de este museo, diseñada por Carlos Colombino, así como su residencia que se encuentra al lado, son además edificaciones de especial atractivo arquitectónico.

En Cocué Guazú también se encuentra la Estación Terrena de Areguá. Un enorme disco satelital inaugurado en 1978, que tuvo un importante papel en la historia de las telecomunicaciones paraguayas, pues permitió las primeras transmisiones satelitales televisivas.

El lado más natural y exuberante de Areguá puede disfrutarse en los Cerros Koi y Chororí. El Cerro Koi es conocido por sus piedras de areniscas columnares hexagonales, formadas hace millones de años como consecuencia de fuertes eventos magmáticos. Estas formaciones son extremadamente raras y solo se encuentran en Canadá y Sudáfrica. Por este motivo ambos cerros fueron declarados “Monumentos Naturales” en 1993.

Los Restaurantes de Areguá, rinden homenaje a las tradiciones y particularidades de esta villa veraniega. No solo permiten disfrutar de un sabroso plato, sino hacerlo en un ambiente familiar, donde uno se siente en casa. Entre ellos destacan el restaurante “La Palmera” con sus tradicionales platos al tatakuá, las delicias españolas del “Restaurante de Gulliver” (con su ya famoso pan casero y alioli), las clásicas minutas de “Don Pablo” y el ambiente ecléctico de “La Vida Loca”.

Areguá invita a recorrerla con una nueva mirada, que vaya más allá de la artesanía, de las mermeladas de frutilla, de la cerámica kitsch y simplemente se contagie de su melancolía, de su opulento sopor y de la magia que se percibe en cada una de sus esquinas. Areguá invita a transformar un simple paseo en toda una experiencia.

COLECCIONES CRUCERO 2012

2012-01-10T10:42:00.000-08:00

Las colecciones crucero o resort son colecciones primavera-verano que salen fuera de temporada para cubrir las necesidades de un selecto grupo de clientes que acostumbra viajar a lugares tropicales durante el invierno o directamente vive en ciudades con clima tropical el año entero. Estas colecciones son lanzadas por las principales firmas de lujo, mientras la colección de invierno aún predomina en las estanterías de sus tiendas.

Originalmente estas colecciones extraordinarias nacieron a inicios del siglo XX para arropar a la clientela de las clases más altas, que viajaba en cruceros a lugares más cálidos huyendo del invierno europeo. Como ésta selecta clientela llevaba una nutrida vida social en sus viajes, necesitaban llevar un vestuario estivo, fresco y a la última, ya que no pensaban repetir los modelitos que habían usado el verano anterior. Como generalmente viajaban en pleno invierno, o inicios de primavera, y las tiendas aún no contaban con la colección primavera-verano, los diseñadores tenían que hacerles una colección especial.

Por entonces las colecciones crucero solían tener un marcado aire marinero, consistiendo principalmente en conjuntos frescos para usar en los cruceros mientras mataban las horas atravesando el océano. En la actualidad, estos elementos tradicionales de las colecciones cruceros siguen presente en varias de ellas, pero ya vienen de la mano con otros estilos, tomando la forma de anticipos de lo que serán las colecciones de primavera-verano.

Importantes firmas de la alta moda como Chanel, Dior, Dolce & Gabbana, Yves Saint Laurent, Gucci, Prada, acostumbran crear colecciones crucero. Estas prendas pret-a-porter veraniegas llegan a las tiendas del hemisferio norte entre noviembre y febrero; entremedio de las colecciones otoño-invierno y primavera-verano. Si bien las colecciones crucero estaban en un principio más orientadas al público femenino; en la actualidad las líneas masculinas de las casas de moda también incluyen algunos elementos cruceros ya en sus colecciones de otoño-invierno e incluso lanzan colecciones cruceros masculinas.

En las líneas cruceros, los diseñadores mezclan detalles de sus colecciones anteriores de otoño-invierno con elementos previstos para su próxima colección primavera-verano. Por lo que estas colecciones se configuran como puentes entre colecciones. Hoy en día, las colecciones cruceros son vistas como formas de anticipar el verano para los más fashionistas, constituyendo una manera de promocionar sus futuras colecciones, dando un vistazo tanto a los medios como a sus principales clientes, de lo que se verá en sus colecciones primavera-verano. Así que hoy en día, además de satisfacer a los clientes del jet set, también sirven para satisfacer las ansias de novedad de los fashionistas.

Las colecciones resort o crucero también son muy populares en las ciudades como Las Vegas, Miami, Los Angeles, Marbella, Bahamas, San Barth, Dubai, donde el clima veraniego predomina el año entero y pasar de una estación a otra implica únicamente pasar de más calor a menos calor. Estos destinos altamente turísticos son populares el año entero, sea o no temporada veraniega. Además de los turistas, también cuentan con una población fija importante, por lo que las tiendas de las principales marcas de moda, necesitan tener siempre en sus estantes y percheros, prendas idóneas para las altas temperaturas que se viven incluso durante el invierno.

Las colecciones cruceros en la actualidad están compuestas, por lo general, por prendas ligeras y variadas, propicias para todas las actividades que habitualmente se realizan durante los meses estivos. Predominan las prendas casuales, aunque también se incluyen prendas más elegantes para la noche. Desde shorts, caftanes, sandalias, trajes de baño, hasta frescos vestidos y trajes de fiesta. Los materiales predominantes son el algodón, el hilo, la seda, el jeans y la microfibra, todos ellos fáciles de empacar, ligeros y frescos.

Como dijimos anteriormente, el estilo marinero, inspirado en la temática náutica y en el glamour de los grandes yates y más elegantes cruceros y destinos de ultra mar son predominantes. También abundan los estampados florales inspirados en los trópicos y la pureza de los blancos y azules del Mediterráneo. Entre los accesorios que acompañan a las colecciones crucero, siempre se encuentran amplios sombreros, elegantes lentes de sol, bolsos playeros y hasta toallas para entregarse al sol con glamour. En esta edición les presentamos las principales Colecciones Crucero 2012.

Gucci: Frida Giannini apostó por los géneros metalizados, combinados con rayas en blanco y negro y detalles en animal print. Las rayas estilo marinero se combinan con estampados florales y búlgaros también en blanco y negro, generando un mix match de prints monocromáticos. En cuanto al animal print se le dice adiós al print de leopardo y se le da la bienvenida al print de cebra, que predomina en los bolsos y zapatos.

Chanel: Su colección presentada en el espléndido escenario de las Costa Azul en el exclusivo Hotel Eden-Roc du Cap, se inspira en la dolce vita que se vivía en el mediterráneo en los años 60. Karl Lagerfeld se inspiró en los personajes del jet set de aquella época, como Rita Hayworth y Aly Khan. Las combinaciones y contrastes en blanco y negro (emblemas de la maison) son los ejes de la colección. La gama cromática se enriquece con amarillos pasteles y lavandas. A los icónicos habituales trajes sastres y vestidos de Chanel acompañan elegantes palazos, superposiciones de chiffon y como único calzado una eclécticas botas bautizadas por Lagerfeld como Tango Thongs (Tangas Tango). Éstas son básicamente una mezcla de botas y ojotas.

Dior: Su colección crucero tiene un marcado aire retro de fines de los años 60 e inicios de los 70. Coloridos estampados geométricos, túnicas, sombreros de ala ancha, anteojos vintage, detalles en crochet, mini vestidos y collares voluminosos de aire étnico conforman la colección. Los volúmenes y colores son los ejes de esta colección. Entre los accesorios, además de los collares, destacan los enormes brazaletes transparentes y las hermosas sandalias y coloridas carteras.

Louis Vuitton: La colección es el producto de una colaboración entre Marc Jacobs, Julie Libran y la directora norteamericana y musa de Jacobs, Sofía Coppola.De hecho la colección tiene mucho del estilo de la joven directora, con atuendos de toques vintage pero que se mantienen actuales y modernos. Predominan los tonos oscuros, principalmente el negro, el gris y el azul marino, mezclados con accesorios en colores brillantes e intensos como el rojo, el verde y el índigo.

Yves Saint Laurent: Stefano Pilati presenta una intrigante mezcla de anclas, amapolas y estrellas rescatadas de los archivos de la maison. La referencia marinera se refleja en los estampados de anclas, nudos náuticos, botones dorados, blazers de marinero, pantalones anchos y las habituales franjas horizontales bicolores. El diseñador se inspiró en la colección inspirada en la temática náutica creada por Yves Saint Laurent en 1982, rindiéndole homenaje con esta colección crucero. Las anclas y estrellas fueron representadas en bordados, collares y estampados. Al blanco y negro, lo acompañaron los colores primarios: el azul, el amarillo y el rojo.

Oscar De La Renta: Con esta colección, el diseñador rinde un tributo al artista Pablo Picasso. Los estampados abstractos y geométricos reminiscentes al cubismo, poco habituales en De la Renta, predominaron en las prendas. El rojo y negro y los vestidos y trajes sastres también tuvieron protagonismo en la colección.

Cacho Falcón: Black & Light

2012-01-10T10:32:00.000-08:00

Los años pasan muy rápido, pero en su veloz trayecto nos transforman, nos marcan. La obra de Cacho, así como su misma vida es un testimonio de ello. Cacho Falcón, decidió partir rumbo a Nueva York en 1997 con la intensión de estudiar administración de empresas. Pero, por las vueltas de la vida, hoy, más de diez años después, lo recibimos nuevamente en nuestro país convertido en un exitoso artista.

Sin lugar a dudas, la ciudad de Nueva York despertó e inquietó aquellos intereses artísticos que siempre tuvo en su interior. Esto daría lugar a que la carrera de administración sea suplantada por una en fotografía, seguida por una Licenciatura en Bellas Artes.

Tanto en el arte como en la vida cada evento está relacionado con otro anterior. El desarrollo de su tesis universitaria, lo llevaría a explorar una temática con la que se identificaría profundamente y que se involucraría intensamente con su obra. El proyecto final consistía en hacer un retrato de su vida. Cacho, convencido del hecho que la vestimenta es de por sí una forma de expresión personal, empezó a narrar su historia de vida, empezando por su remera, pasando por sus jeans hasta terminar en sus zapatos. Así Cacho comenzaría a desnudar su alma, irónicamente en aquellas prendas destinadas a cubrir su cuerpo.

Otros se prenderían a esta idea de vestir la vida de uno mismo. Esto llevó al desarrollo de una línea de artwear, que el artista caratularía como “Denim Terapéutico”. Gracias a esta línea en la que la indumentaria iba de mano con la expresión artística, Cacho empezó a escuchar las historias que otros querían compartir con él para que las plasmara en sus jeans. Este proceso lo acercaría enormemente a la interioridad de sus sujetos, haciéndole cómplice de sus secretos, intimidades, tristezas y alegrías, que luego serían reveladas y liberadas a través del arte.

Muy pronto se le acabaría el espacio donde escribir, mas no se le agotarían las cosas a expresar. Las narraciones de vida de Cacho fueron invadiendo otros soportes hasta llegar finalmente a aquel que lo enmarcaría como obra artística: el lienzo. Estos lienzos se poblaron no solo de sus propias narrativas, sino también de las historias de vida de amigos e incluso personas totalmente extrañas que se acercaban a él, movido por su obra, para encargarle el registro pictórico de sus vidas e historias personales.

¿Cómo catalogar a sus obras? Tal vez como retratos. Pero son mucho más que meros retratos. Son hojas de ruta que registran los trayectos de sus sujetos por los caminos de la vida. Será por esto que son tan impactantes, tan fuertes, que hasta nos mueven a sentir como si estuviésemos invadiendo el lienzo con nuestra mirada. Los relatos son tan personales, que generan en el espectador la sensación de que está trasgrediendo un espacio privado, compartiendo algo extremadamente íntimo.

Cacho Falcón, con sólo 33 años de edad, se ha ganado un bien merecido espacio en Nueva York, tras muchos años de trayectoria, participando de importantísimos eventos por todo Estados Unidos y exhibiendo en varias muestras colectivas e individuales en el competitivo ambiente artístico de Nueva York.

Con su original y profuso estilo, pasaría de narrar su propia vida y la de sus amigos más cercanos, a retratar y vestir desnudando a celebridades como Beyonce, Michelle Obama, Carrie Underwood, Zachary Quinto, Josh Harnett, Daniela Urzi y Milagros Scmoll.

Ahora Cacho Falcón, se presenta por primera vez en su país, exhibiendo en Living Room, gracias al apoyo de Skip y Clear, su serie “Black & Light”, en la que juega con colores vivos, luces y negro, narrando distintas experiencias de vida a través de su arte.

¿Qué te llevó al arte?
Mi necesidad de expresar el proceso por el que estaba pasando. A falta de terapeuta, utilicé al lienzo como terapia.

¿Fue difícil dar tus primeros pasos justamente en la meca de los artistas contemporáneos, Nueva York?
Si tenés ganas nada es tan difícil, porque disfrutas de lo que haces. El secreto está en crear algo para vos y nadie más. Crear vos tus propias reglas y SENTIR ese proceso de creación. La gente ya se prende porque se conecta. Hay gente que no, pero eso no te tiene que importar en tu proceso de creación. Toda vez que vos estés conectado con tu obra, ya está. Esa conexión con tu proceso creativo es lo que te diferencia del resto.

¿Cómo es tu proceso creativo?
Entrevisto a mis sujetos, voy viendo sus fotos y luego juntas esas historias con las fotos creando un reflejo de su vida.

¿Tras tantos años desarrollando tu carrera en el extranjero, que significa para vos esta primera muestra individual en Paraguay?
Es importantísimo para mí poder compartir esto con mi familia y amigos pero más que nada con artistas que están en las mismas que yo. No es fácil ser artista. Sí, uno disfruta de lo que hace; pero al mismo tiempo, la inestabilidad monetaria por la que solemos atravesar los artistas, nos lleva a dudar de nosotros mismos y de la calidad de nuestro trabajo. Las cosas pasan si nos movemos. Yo por años estuve encerrado creando sin mostrar mi trabajo, pero una vez que lo mostré, la aceptación fue increíble. ¿Por qué? Porque compartí lo que creaba y le di la importancia a mi profesión.

Tengo entendido que cada cuadro tuyo relata una historia de vida. ¿Cómo va surgiendo esta narrativa?
Nace de la terapia que hice yo empezando con los jeans con historia. De ahí paso al lienzo. Básicamente me contás tu historia y yo la trazo en lienzo.

¿Cómo se dio el salto de la indumentaria al lienzo como soporte?
Me gusta el lienzo porque me da libertad de jugar más con otros medios. Aparte, la idea de tener colgado un cuadro que sea tu reflejo hace que reflexiones y tomes decisiones que pueden cambiar tu vida.

También veo que hubo un salto del monocromo al color. ¿No es así?
El color representa todo lo que nos ofrece la vida, el blanco y negro representa el no aprovechar lo que nos ofrece la vida.

Cuando te toca narrar una historia ajena y la gente literalmente desnuda sus vidas para que la retrates, me imagino que se produce un momento muy especial entre el artista y el sujeto. ¿Cómo es esta experiencia?
Obviamente crea un lazo que muchas veces termina en amistad. Me convierto en un confidente durante el proceso.

¿Tenés alguna obra especialmente significativa para vos?
La verdad que no. Todas son significativas para mí porque son parte de mi vida, literalmente.

¿Qué proyectos tenés para el 2012?
Empecé hace un año con mis clases de actuación. Seguiré con eso y el 2012 se viene con una fusión entre la pintura y la actuación.

¿Qué es el arte para vos?
Mi oxigeno.

A LA PLAYA CON GLAMOUR: TENDENCIAS EN TRAJES DE BAÑO

2012-01-10T10:26:00.000-08:00

El verano ya está aquí y de su mano llegan las tan anheladas vacaciones. ¡Si su destino es la playa de seguro están igual de ansiosas por conocer las tendencias playeras para el verano 2012! Si bien las tendencias en materia de trajes de baño se mueven en ciclos mucho más lentos que las demás tendencias, siempre hay actualizaciones. Principalmente los trajes de baño se ven influenciados por las tendencias en materia de moda en general. Continúen leyendo para informarse sobre todos los estilos, materiales, colores y cortes que se verán este verano, para asegurarse que sus chapuzones en la playa los hagan con mucho estilo.

Inspiración Vintage: Hay una escena en la película de 1956 “Alta Sociedad”, en la que Grace Kelly, al borde de una piscina empuja un pequeño barquito. Lleva puesto una malla blanca de escote halter con una pequeña falda plisada. ¡Nunca una malla lució tan elegante! Inspírense en el estilo de Grace Kelly para estar a la última. Busquen dos piezas con culottes de cintura alta, mallas con escotes en forma de corazón o halter. ¡Apuesten por los estampados náuticos y las motas!

Volados y frunces: Esta es una opción ultra femenina para destacarse en la playa. Opten por bikinis con volados ya sea en la parte superior o en la inferior. Asegúrense de llevar los volados en las zonas donde necesitan más volumen y evitarlos en aquellas donde no lo necesitan. También apuesten por las mallas con detalles drapeados y fruncidos. Se verán también mallas con volados en el escote o aplicados a manera de detalles. Eviten aquellas con excesivos volados para no lucir como una piñata.

Crochet: La inspiración años 70 es una de las principales tendencias de la temporada. Y como es de esperar, los trajes de baño también se vieron influenciados por ella. En los años 70 los bikinis, mallas y trikinis de crochet causaban furor. En el 2011 se verá un regreso triunfal de esta tendencia, convirtiéndose en una de las favoritas de la playa. Recuerden que el traje de baño en crochet, para ser perfecto, debe llamar la atención hacia las zonas más favorables de su cuerpo y disimular aquellas que lo son menos. La ventaja de los trajes de baño en crochet es que lucen fantástico tanto en la playa como fuera de ella, por lo que son ideales para llevarlos al atardecer combinados por ejemplo con algún pantalón blanco de corte recto o con shorts de jeans.

Color: Este verano apuesten por los colores de alto impacto como los tonos fucsia, corales y acqua. En los trajes de baño se verá la misma tendencia del “color block” o bloques de color, que se vio en las pasarelas. ¡Apuesten por las combinaciones más audaces y llamativas: fucsia y naranja, turquesa y rosa, verde y acqua! También se verán muchos colores flúor, ideales para resaltar el bronceado.

Estampados: Como ya lo hemos dicho, los trajes de baño se ven muy influenciados por las tendencias de la ropa de calle. Por lo tanto, en materia de estampado, esperen ver mucho animal print (sobre todo leopardo), muchas estampas florales (también con la tendencia de mix match), estampados geométricos (sobre todo de inspiración tribal) y las clásicas rayas en tonos náuticos (blanco, rojo, amarillo y azul marino). La nota ochentosa la darán los estampados fotográficos que también volverán esta temporada a la escena.

Como usar estas tendencias según su tipo de cuerpo:
Seamos francas, en materia de trajes de baño, la última palabra no la tienen las tendencias, sino nuestros cuerpos. Seguir ciegamente las tendencias, sin prestar atención a las fallas y limitaciones de nuestro cuerpo, puede tener consecuencias catastróficas a la hora de lucir glamorosa en la playa. Por este motivo, les presentamos además de esta guía de tendencias de trajes de baño, una pequeña guía para encontrar aquellas tendencias que mejor se adaptan a su figura.

Rellenitas: Abracen los estilos vintage para acentuar sus curvas y encontrar la cobertura necesaria para aquellas fallas que desean ocultar. Apuesten por las mallas enterizas de escote halter que son muy sentadoras y por los culottes, que son fantásticos a la hora de cubrir la tan odiosa celulitis de los glúteos.

Senos pequeños: Amíguense con los volados, optando por mallas y bikinis con volados en la parte superior. Éstos serán fantásticos a la hora de agregar volumen allí donde más lo necesitan. El efecto óptico será comparable al proporcionado por el mejor de los wonderbras. También pueden beneficiarse de los estilos vintage con rellenos en los pechos para generar curvas.

Senos grandes: Utilicen los volados en la parte inferior de sus trajes de baño o bikinis para balancear su figura. Los escotes halter también serán fantásticos para estilizarlas. Eviten los bikinis demasiado pequeños o sin el soporte necesario.

Piernas cortas: Para generar la ilusión de tener las piernas más largas válganse de un bikini con la parte superior estampada y una parte inferior lisa. Prefieran mallas y bikinis más cavados y eviten los culottes para no acortar su figura.

Figura tonificada: Aprovechen los bikinis con tiras finas, los bikinis de crochet y los más sexy trikinis para lucir su figura. Estas tendencias son las que más piel dejan al descubierto, por lo que lucen mejor en cuerpos bien tonificados y armoniosos.

MARÍA TERESA RECALDE: NAVIDAD NAIF

2012-01-10T10:11:00.000-08:00

A sus 32 años, María Teresa Recalde Cuevas, puede presumir de ser una artista joven con una larga trayectoria. Esto no se da muy a menudo, pero el caso es que Matete, como se la conoce, empezó a pintar de niña. Su tía, la artista Arberesa, quien la introdujo al mundo de los pinceles, detectó en sus ingenuos cuadros de niña el gesto instintivo de los artistas naif y la alentó a que se mantuviera fiel a este estilo natural en ella, dándole las herramientas técnicas para que lo pudiera expresar mejor. Así, con sólo 14 años, su precoz talento la llevó a tener su primera exposición en la Galería Técnica.

El año 1997 fue un año importante para ella. Con sólo 18 años ya tenía siete muestras a sus espaldas y sus cuadros ya se comercializaban desde hacía tiempo. Ese año marcaría el momento en el cual sus obras pasarían a formar parte de nuestro imaginario navideño. En Diciembre de ese año, cuatro de sus obras pasaron a ilustrar las tradicionales tarjetas navideñas de la Fundación Marco Aguayo. Desde entonces, ininterrumpidamente, sus lienzos, poblados de un colorido asombroso y una visión ingenua y mágica de lo nuestro, adornarían las tarjetas navideñas de esta fundación y más adelante, aquellas de las Olimpiadas Especiales.

Hoy, con más de catorce años de trayectoria pictórica y más de 95 exposiciones tanto en nuestro país como en el extranjero, Matete sigue fiel a su estilo naif, pintando con el candor de una niña aquellos encantadores lienzos en los cuales las fiestas patronales, los casamientos koyguá se magnifican en una explosión de colorido y gracia.

Este año fue especialmente productivo para Matete. Participó de una exposición colectiva internacional naif en Mónaco, en la “Galerie du Gildo Pastor Center”, tuvo su primera exposición individual el pasado 27 de julio en la galería “Verónica Torres” en el Mariscal López Shopping, su obra adornó desde producciones de moda hasta las agendas del Shopping del Sol para el año 2012 y por supuesto, también será protagonista de las tarjetas navideñas de las “Olimpiadas Especiales”.

¿Qué te llevó a la pintura?

Empecé a pintar de chica, siempre tuve fascinación y conexión con la pintura. En mi infancia recuerdo especialmente haber ido a la casa de Patricia Bozano, quien le vendía cuadros a mi mamá, y ver allí un cuadro naif que ella tenía, del cual quede fascinada con los colores. Al verlo supe que eso era lo que yo quería hacer, pintar. La hermana de mi papá era artista plástica, Arberesa. Me encantaba ir a su casa porque siempre entrabamos a su taller y ella buscaba algo para que hiciéramos mis hermanas y yo, ella fue la que me alentó a pintar al óleo cuando tenía 14 años, sabiendo, al mirar los dibujos que yo hacía, que lo mío era el estilo naif.

¿Qué artistas te inspiran?

A los 13 años quedé finalista en un concurso de artes plásticas, en el cual Ysanne Gayet era jurado y me alentó a que siguiera pintando naif. Entre los artistas nacionales me inspiró enormemente la obra de Ysanne Gayet y ella misma. Me gusta todo lo que hace, su gran aporte a la cultura y sobre todo que es una persona sumamente generosa que apoya a los artistas jóvenes. De Argentina me inspiró la obra de Aniko Szabo. Otra persona que me inspiró fue la artista Mabel Ávila. Pasaba mucho tiempo en su casa porque era muy amiga de su hija María Paz, e íbamos al mismo colegio y al baile juntas. Recuerdo que hicimos un curso de verano de pintura sobre seda con ella, me encantaba entrar a su taller y mirar sus trabajos.

¿Tuviste alguna formación técnica formal, o como artista naif, la pintura fue algo más instintivo?

La artista Arberesa me enseñó a utilizar los materiales, principalmente a manejar el óleo, pero siempre dándome la libertad de pintar instintivamente, sin ninguna imposición. Asistía a sus clases los sábados de mañana. Ella sabía guiar de acuerdo a lo que quería pintar cada persona y eso es muy importante.

¿Qué significa para vos pintar? ¿Qué sentís al pintar?

Pintar es dar color al lienzo por medio de pigmentos, pero para mí pintar es expresar lo que uno siente, es dejarse llevar, es parte del día a día, es mi hobby y trabajo a la vez, es lo que me identifica. Al pintar siento placer, porque me gusta lo que hago y me llena de satisfacción. Sin importar la responsabilidad que siento cuando tengo que entregar un cuadro en determinada fecha, al pintar me siento absolutamente libre.

¿Qué cosas te inspiran y de donde vienen las historias que pueblan tus cuadros?

Me inspiran muchas cosas: la naturaleza, los atardeceres, determinadas situaciones que vivo (por ejemplo una fiesta de San Juan, un día de campo o un festival de ballet) y el trabajo de la gente. Me inspira lo nuestro porque nos caracteriza como paraguayos, lo folklórico porque expresa la cultura de un lugar por medio de la artesanía, bailes, costumbres y tradiciones. Algo que me inspira especialmente es el color, que dependiendo de la forma que lo utilicemos sus infinitas combinaciones, nos permite percibir y trasmitir alegría. Así se van dando las historias que pueblan mis cuadros, conjugando todas estas cosas que me inspiran.

¿Tenés alguna obra que sea especialmente significativa para vos? ¿Por qué?

Una obra significativa para mí fue “Mensaje de Paz”, porque lo pinté después del atentado del 11 de setiembre. Al pintarlo quise trasmitir con el pesebre la importancia de la familia. El amarillo que usé de fondo es como una luz de esperanza y las personas con velitas recuerdan a sus seres queridos. En las ventanitas de las torres escribí la palabra vida y por último la paloma que lleva el mensaje de paz con los colores de nuestra bandera, así el mensaje es para todos. Esta obra es especialmente significativa para mí porque me produjo gran satisfacción, ya que ese año la utilizaron para las tarjetas de las Olimpiadas Especiales.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Hago bocetos si me viene alguna idea para después pintar, también hago bocetos si es una serie de cuadros para algo determinado. Luego empiezo pintando el degradé y después el resto hasta llegar a los detalles finales. Siempre tengo una idea de lo que quiero plasmar, me imagino como quedaría terminado, a veces se da como me imagine desde un principio y otras veces voy cambiando detalles por el camino.

¿Cómo surge lo de las tarjetas navideñas con tus obras?

Lo de las tarjetas navideñas con mis obras surge con la Fundación Marco Aguayo. Fui invitada por la Sra. Mirna Alfaro, después de que ella viera mis cuadros por medio de mi hermana Azul. Me pidió que realice cuatro cuadros para las tarjetas en el año 1997, las cuales fueron las primeras obras mías que ilustraron tarjetas navideñas. Lo de las olimpiadas especiales surgió después de que vieran las tarjetas de la fundación Marco Aguayo. Con ellos estoy desde el año 2000 hasta ahora. Me siento muy comprometida con estas causas porque ayudan a las personas, y eso es sumamente positivo para mí, ayudar a los demás es lo que nos hace mejores como sociedad.

¿Qué te motivó a ayudar a los atletas especiales de nuestro país?

Lo que me motiva en las olimpiadas especiales es todo lo que hacen. Aparte de ayudar a los atletas, ayudan en la parte médica y odontológica a los niños. La gente que trabaja allí esta súper comprometida, estamos en contacto durante todo el año y vemos con anticipación el motivo para las tarjetas. Este año para las tarjetas se van a utilizar dos obras mías. Para mí es una satisfacción que les guste mi trabajo, me dan la oportunidad de que se conozca más mi obra. Por lo que creo que es un apoyo mutuo, ellos me apoyaron en mi exposición con un banner y con su presencia y por supuesto difunden mi trabajo. Me siento parte de Olimpiadas Especiales y quiero dar el teléfono para los interesados en adquirir las tarjetas, el 440-845.

¿Qué proyectos tenés para el 2012?

La agenda del shopping del sol para el año 2012 se realizó con 13 cuadros míos. Uno se utilizó para la tapa y contratapa, y los otros 12 para cada mes del año. Para fin de año, tengo planeado realizar una exposición con esos cuadros en el Shopping del Sol junto con el lanzamiento de la agenda. Para el 2012 tengo pensado realizar una exposición individual para la cual voy a pintar las fiestas tradicionales de México, las fiestas tradicionales de Paraguay y aquellas de distintos lugares de América. Me gustan las fiestas tradicionales porque muestran las costumbres de un lugar, sus bailes, trajes típicos y creencias religiosas. Creo que el naif tiene una forma muy divertida de contar las diferentes situaciones que se dan en estas celebraciones tradicionales.

¿Qué es el arte para vos?

El Arte para mi es una forma de comunicar por medio de algo creado y a través del tiempo.

Por medio del arte se pueden expresar los sentimientos, pensamientos e ideas que vemos plasmados en pinturas, esculturas, letras, libros y películas.

APOCALIPSIS 2012

2012-01-10T09:55:00.000-08:00

Con esto del fin del mundo se me pasaron muchos pensamientos por la cabeza. Los primeros fueron obviamente aquellos más desesperados y absolutamente ridículos que surgen en los momentos de crisis, lamentaciones como: “tantos años coleccionando zapatos para dejar algo a la posteridad y ahora no va a quedar nada de mis Louboutins”; o preguntas existenciales como: “¿Será que me convertiré en polvo de estrellas?”

Luego tuve un periodo de agitación histérica, rápidamente solucionado con un leve aumento en mi prescripción de Prozac. Una vez reajustada mi dosis, pude pensar con claridad y empecé a idear mi bunker anti apocalipsis, el “Nicoletta Universe Apocaliptis Spa & Resort”. Le llamé a Phillipe Stark y le dije: “Phil, quiero que el Faena Universe quede básico”. El siguiente paso fueron las provistas. Si están pensando en que corrí a Clorinda a comprarme todos esos enlatados rascas de vacaí y sardinas, están mal de cerebro. Si me toca vivir en un mundo post apocalíptico, tendré que crear una burbuja glamorosa y no hay nada como las burbujitas de champagne para hacer que todo se vea más lindo. A los parajes devastadores de la hecatombe los pintaré de rosa con Navarro Correas Rosé y si me toca enfrentarme a una ola sísmica o a un meteorito inmenso lo haré regia, valiente y ebria con una copa de champagne en la mano.

Bunker, check. Champagne, check. Vestuario, check. Solo me quedaba algo para hacer antes de enfrentar al apocalipsis. Todo este tema apocalíptico me hizo dar cuenta que aun tengo muchos asuntos pendientes en este mundo. Por este motivo, ideé “La lista de Nicoletta de las cosas a hacer antes de que se acabe el mundo”. ¿Qué harán ustedes en este tiempo que nos queda? Si no tienen idea, aquí les presento mis sugerencias para que se inspiren y den algo de glamour a sus vidas antes de perderlas para siempre.

Dense el gusto con algo que siempre quisieron: ¡Hacé polvo de tu cuenta bancaria, antes de que el mundo se convierta en polvo! Un crucero por el Caribe con todas tus amigas, un zapato verde de miles de dólares, un tigre albino de mascota, fijar residencia en un spa… ¿por qué no? Mímense y háganse mimar por la sencilla razón de que ustedes lo valen. Nada más te tiene que preocupar. Basta de ahorrar, basta de tener prudencia, basta de contenerse, abstenerse y luego lamentarse. ¿Para quien vas a guardar tu platita? ¿Para los gusanos?

Hagan algo que siempre quisieron hacer: Basta de postergar. Después del 20 de diciembre del 2012 ya no van a poder dejar nada para el año que viene. Pero sean realistas y no abusen del hecho de que soñar es gratis. No pretendan cumplir su sueño de ser una top model a los cuarenta….Hasta aprender chino mandarín en un año les va a ser más fácil. Sólo espero que hagan lo que hagan, opten por hacer algo salvaje, extremo, divertido y fuera de lo común, y no un mero curso de ikebana. Llegar al umbral del fin del mundo dándose cuenta que lo que anhelan hacer es tan poco original ¡verdaderamente dan ganas de agradecer que el mundo esté llegando a su fin!

Vuélvanse locas: Si mantuvieron la cordura hasta el 2011, este año apocalíptico es el momento ideal para perderla A LO GRANDE. Compren un poni rosa y úsenlo como medio de transporte urbano, vistan de alta costura 24 horas al día y pónganse a cantar arias melodramáticas a todo pulmón mientras pasean por la calle. En los momentos de crisis, no hay nada más liberador que declarar demencia.

Saquen su Lupita Ferrer interior: Si ya están cansadas de ser chicas bien, el apocalipsis es el momento ideal para que sean BIEN MALAS. Saquen su diva interior más maléfica y conviértanse en la mala de la telenovela, que como ya les dije en ediciones anteriores, es siempre la más divertida. Si estás podridas de ser la única chubby en Ñu Gua, te autorizo plenamente a lanzarle a viva voz una maldición gitana a cuanta regia firmemente siliconada y tuneada se te cruce: “¡Escuálida odiosa, subirás todos los kilos que yo adelgace!”

Registren sus últimos pasos sobre esta tierra: Enfrentémonos a la realidad, es altamente improbable que otra persona se interese en tu vida tanto como para escribir tu biografía. Está bien. Sabemos que no tenés el corazón de la Madre Teresa de Calcuta, el cerebro de Marie Curie, la diveza en la sangre de la Callas, los genes de Kate Moss, la creatividad de Frida Kahlo, ni siquiera la caradurés de Paris Hilton. Pero el hecho que tu existencia en esta tierra sea poco memorable, no significa que no tengas que registrarla. Dedicá tu último año en este mundo destinado a desaparecer escribiendo tu autobiografía. Ya sé que nadie va a leerla; pero va a ser una forma interesante de rever tu vida, recordar tu infancia y revolver tus memorias de juventud. Algo interesante vas a encontrar. Si no hay nada, invéntate alguna historia fantástica, total no va a haber nadie para contradecirte. Al escribir tus memorias, hacelo con la ilusión de que este sea el único texto que sobreviva a la hecatombe. ¡Imaginate que fantástico sería si la rescatan los simios sobrevivientes y lo convierten en texto sagrado, convirtiéndote a vos en la diosa del nuevo mundo! ¡Qué fantastiquérrimo!

Pónganse regias: Nunca es tarde para empezar una renovación. Estoy segura que el hecho de que sólo te quede un año en este mundo, será motivación suficiente para que FINALMENTE te cargues las pilas y cumplas tu eterna promesa de fin de año de bajar 20 kilos para el año siguiente. ¡Fuerza gordi vos podés!

Depilen los pelos de su lengua: digan todo aquello que en otras ocasiones callaron por discreción, modestia, penita o vergüenza. Si estás harta del novio hippie de tu mejor amiga, decíselo. La próxima vez que estrese tu existencia, gritale bien fuerte (porque seguro el muy sucio no se limpia la cera del oído porque así es más “natural”): “NO QUIERO COMPRARTE NINGUN ATRAPASUEÑO Y NO QUIERO QUE ME HABLES MÀS DE LA PAZ INTERIOR PORQUE CADA VEZ QUE ABRIS LA BOCA LA PIERDOOOO!” Decile como si nada a tu jefe que tiene un juruné satánico, confesale a tu ex novio que no solo es pésimo en la cama, sino que eso de que “el mejor vino viene en las botellas más pequeñas” es LA mentira del milenio.

Hagan algo estúpido y rían como nunca antes rieron: En los momentos más trágicos, la risa es el mejor escape. Hagan algo que jamás harían con la única intensión de romper la monotonía o pegarse una carcajada. Peléense en twitter con la Chipera Gaga, jueguen ring raje como si tuvieran 7 años, fílmense bailando “estilo turro” y compartilo con tus amigos. Les garantizo que no hay nadie más feliz que quien sabe reírse de sí mismo, ya que nunca le falta motivo de diversión.

CARPEDIEM: A pesar de lo negativo de nuestro futuro, el 2012 es el momento idóneo para ser positivas y decirle SÍ a la vida. Párense sobre una silla y díganle SÍ a todo y vivan intensamente cada día como si fuera el último…. ¡porque, de hecho, podría bien serlo!

Amen como en una novela rosa: Si solo les queda un año más en este mundo en que vivimos, asegúrense de pasar cada uno de sus 365 días amando intensamente. Amen a sus amigos, a su familia, a su pareja. Si se acaba el mundo el 20 de diciembre del 2012, asegúrense de tener ese día bien cerca a todos sus seres queridos para abrazarlos bien fuerte.

Por mi parte voy a rezar cada uno de los 365 días del 2012 para que la profecía maya esté equivocada. Que el 2012 sea sólo otro gran fiasco como el Y2K del 2000 y el ñembo apocalipsis del 2011. Al fin y al cabo, no estamos hablando de un informe de la NASA. Estamos guiándonos por una profecía generada por una civilización que creía que el hombre fue creado de una mazorca de maíz, adoraban a una serpiente emplumada y sacrificaban a sus hijos para que llueva. De todas maneras, recemos para que los malditos mayas estén tan locos como Ixtab (su diosa del suicidio) y podamos seguir disfrutando miles de años más de nuestro querido planeta tierra. Si nos salvarnos de la hecatombe, tenemos que estar infinitamente agradecidos de que por más ingenuos que fuimos en creer en una profecía arcaica y ridícula, al menos tuvimos la fortuna de vivir tan intensamente e el 2012.

Borrasha: la gota que rebalsa la locura

2011-11-28T09:55:00.001-08:00

Como todas sabemos, en las fiestas de fin de año, además de villancicos, abundan la sidra y el champagne. Los inacabables brindis con la parentela, sumados a los 30 días de dieta de la luna que hicimos para que nos siente bien el inclemente vestidito blanco de la suerte, pueden resultar en una combinación altamente inadecuada. Estoy segura de que muchas de ustedes logran mantener la compostura. Pero seamos francas, por lo general, en las fiestas, se da lo contrario y en vez de beber con moderación terminamos pecando siendo abstemias con moderación. Como maneja nuestra media naranja, nosotras nos damos una pequeña licencia con el alcohol. Como la parentela tiende a ser tediosa, es natural que nos entreguemos a beber para hacerla un poco más interesante. ¡Como el año está a horas de acabarse, brindamos para celebrar y también para OLVIDAR!

Estoy segura que al igual que moi muchas de ustedes ya tienen bien claro que hay borracheras inocentes y borracheras calamitosas y el límite que las separa puede consistir en una mera copa demás. Para las que aún no las tienen bien diferenciadas, en esta columna les aclaro los distintos tipos de borrachera, para que intenten mantenerse borrachinas y no calamitosamente borrashaas.

Diviértanse, no abusen tanto, pero si a pesar de mis buenos consejos terminan abusando, no importa cuán calamitosa sea la borrachera que se agarren este fin de año, recuerden que a veces es mejor ser una borracha famosa por una noche, que una alcohólica anónima el resto de su vida. El 2011 se acaba y probablemente el año que viene el MUNDO se acabe, por lo que, al fin de cuentas ¡Quien te quita lo bailado! ¡Salud!

Borracheras Inocentes:

Fase Entonada: Efectivamente las doce uvas no son suficientes para contener dos copas de champagne. Por lo que al terminar la segunda copa, lo más probable es que empiecen a sentirse levemente más sueltas. Están entrando en la primera fase de la borrachera, la que comúnmente llamamos “entonación”. Una empieza a sentirse en sincronía con el ambiente. Piensa para sus adentros cosas hermosas. ¡Que linda estoy! ¡Qué lindo lugar! ¡Que linda es mi familia! Celebramos pequeños detalles, el mantel de la abuela, el hecho de que nuestro esmalte aún no se nos picó, el viento susurrando entre los árboles. ¡Todo está burbujeantemente perfecto!

Fase Amorosa: Unas copas más tarde: Nos quedamos observando las estrellas, sentimos la brisa mover nuestra cabellera, giramos la cabeza y miramos con cara de pavotas al idiota de nuestro medio pomelo disfrutando, auténticamente y contra toda probabilidad, su compañía. Extienden los brazos, y a pesar de que llegaron a la fiesta en estado de archi enemigos, le empiezan a hacer mimitos y susurrar piropitos al oído. El alcohol ya ha borrado el patético comentario que hizo sobre tu vestido nuevo antes de salir de casa, refrescando tu memoria sobre todas las razones que te hacen amarlo cuando no lo estás odiando. ¡Love is in the air!

Fase de Exaltación: El tío nos trajo su licor casero. Junto con la mezcla llega el inicio de la exaltación hacia todos quienes nos rodean. Exaltamos la amistad y todas las virtudes de nuestra familia. Agradecemos todo y cada uno de los momentos que pasamos juntos y brindamos por ellos. ¡Estás eufórica! Le abrazás a tu prima chismosa recordando sus travesuras infantiles y mirándole a los ojos le decís: “Te quieroo, como a una hermaaana, primaaaa!!” Le querés a toditos luego y se lo hacés saber al mundo entero. Hasta la suegra más arpía se convierte en un ser entrañadísimo en esta fase. Te olvidás que no le podés ver ni en figurita a la esposa chanta de tu primo y empezás con las confesiones exaltadas: “antes me caías mal, porque pensaba que eras una falsa y una pelagata interesada en la fortuna de los Fizotti, pero ahora… ahooora TEE QUIEROOO COMO A UNA PRIMAAA. ¡Vos le haces feliz a él y a él yo le quierooo comoo a un hermaaanoo!” ¡Y métale otro abrazo!

Fase Danzarina: Bailando por un sueño queda hecho un poroto. ¡La pista es tu reino y vos sos la reina de la fiesta! Empezás a menear, cachaquear, polkear, wachiturrear, reguetonear, hip hopear, hasta abajo, hasta arriba, para un lado, para el otro, demostrando que tu puedes hacerlo. ¡Ni la voz chillona de la Cachorra puede sacarte de la pista! Tu cuerpo está poseído por el demonio de la danza y derrochas tus bailes sensuales sin discriminar, implementando movimientos sexy de caderas con el tío abuelo matusalémico y hasta con el sobrinito pre púber.

Fase Talentosa: Además de tus dotes como bailarina empiezan a aparecer otras que no conocías. En esta fase surgen todos tus TALENTOS ocultos. El primero en surgir será tu don de lenguas. No sólo no te callás, ¡sino que no te callás en francés! ¡Había sido que eras políglota! Hasta a vos te sorprende. Estás tan deleitada que le empezás a hablar única y exclusivamente en francés a toda tu parentela por más que nadie entienda… ¡probablemente vos tampoco entiendas estando sobria! Junto con tu poliglotismo, será revelado tu extraordinario sentido del humor. Sacás la payasa que hay en vos. Empezás a contarle chistes hasta al mozo y por supuesto entretenés a toda la comitiva haciendo gala de tu histrionismo con mímicas, bromas pesadas, chistes verdes y payasadas. Al día siguiente no te quedará muy en claro si se reìan de tus chistes o de vos.

BORRACHERAS CALAMITOSAS:

Fase Charleta: El alcohol da alas a tu lengua y ésta empieza a tener una existencia propia. Lastimosamente esta fase suele surgir justo cuando tu lengua empieza a entumecerse, haciendo aún más evidente tu ebriedad. Ya se te olvidó el francés y empezás con el arameo etílico. Empezás a hablar como un teletubi: “¡sadud pod da famía!”; o como Lugo: “¡Sho lesh kiero deshir que no eshtoy borasshaaa!”; y el borracho de la alborada queda hecho un erudito al lado de tu léxico “estrambólico”. No conforme con degradar el idioma, sentís un impulso irrefrenable por confesar tus intimidades a todos los presentes, empezando con las narraciones reveladoras de todos tus ex. Si en la fase de exaltación le dijiste a tu suegra que la querías como a una madre, ahora te toca dar la revelación sincericida: “sueegraaa, la verdad esh que vos shos demashiado peshada!” Junto con tus revelaciones de Nostradamus, empezás con las revelaciones ajenas mandándole al frente a todos y todas: “¡Primaaa, pará de robar que todoshh shabemos ke tush lolas son falshaaas!” Al día siguiente, cuando te recuenten los hechos que olvidaste por la amnesia tu frase de cabecera será: ¡¿que yo dije que?!

Fase Mareada: Quizás dar tantas vueltas en la pista te mareó más, o tal vez fue el hecho de que a esta altura ya te bebiste hasta el agua del florero. Lo cierto es que en esta fase empezás a ver doble, la fiesta empieza a dar vueltas y cosas tan sencillas como mantener el equilibrio se vuelven imposibles. Te pasas el resto de la noche estableciendo contactos cercanos del tercer tipo con el piso, levantándote con cara de “no pasó nada” y aclarando a todo el mundo: “eshtoy bien, estoy bien”. Un recordatorio triste de esta fase calamitosa serán los múltiples moretones con los que amanecerás al día siguiente…. Y de seguro no vas a recordar cómo te los hiciste.

Fase Incomprendida: Tras tantas caídas, lo más probable es que tu ánimo también se venga abajo. A esta altura ya has perdido el cetro de reina de la fiesta y con esta pérdida del protagonismo empiezan a surgir los primeros lagrimones. La melancolía se apodera de vos y empezás a recordar entre lágrimas y lamentaciones tiempos mejores, seres queridos que ya no están y todos tus pasados momentos de gloria. De los lagrimones pasás a los sollozos convirtiéndote en la patética llorona borrasha de la fiesta.

Fase Patotera: A este punto las cosas se ponen aún más feas. De la autodestrucción pasás a la destrucción material de vasos, vestidos ajenos, y bienes muebles e inmuebles; actos que se darán por mera torpeza o por no poder refrenar tus instintos de vandalismo. Tu borrachera calamitosa ha alcanzado su máximo esplendor y te ves convertida en toda una Calamity Jane. Empiezan los primeros síntomas de paranoia. Todas las mujeres se convierten repentinamente en tus rivales y de gastar bromas pasás a la agresión verbal, y en el peor de los casos, física, haciendo volar los mechones y sonar los cachetes de cuanta chiruza se cruce por tu camino. Lo más probable es que tu conducta en esta fase te lleve a un desalojo forzoso del inmueble. Por salvarte del bochorno, tu propio cerebro borrará automáticamente de tu disco duro todo lo sucedido durante esta última fase., y cuando alguien te haga el recuento no podrás creer todas las calamidades que te mandaste y como toda borrasha arrepentida, terminarás jurando por el legado de Dior, que nunca más en tu vida vas a volver a tomar así.

ACCESORIOS DE PRIMAVERA

2011-10-28T16:56:00.000-07:00

Con el cambio de temporada, surge una nueva oportunidad para renovar nuestro guardarropa. Los accesorios constituyen la mejor opción para actualizar nuestro look sin la necesidad de invertir en una renovación total de nuestro vestuario. Ellos son los complementos ideales para infundir a nuestras prendas más básicas con lo último de las tendencias del 2011.

Los accesorios son nuestros mejores aliados a la hora de refrescar nuestro look, además de constituir la principal herramienta para imprimir nuestro sello de identidad a las prendas que compramos. Toda mujer elegante sabe que unos buenos zapatos, un buen bolso y las joyas y complementos adecuados son capaces de transformar al look más aburrido en uno que parece sacado de una revista de moda.

Además de volvernos locas, los accesorios nos ayudan a economizar. Gracias a ellos, podemos actualizar cualquier prenda de años anteriores sin necesidad de gastar en un conjunto de ropa nueva. Utilizándolos adecuadamente podemos ponernos una y otra vez un mismo vestido haciéndolo parecer recién estrenado cada vez. En esta edición les presentamos los 10 accesorios que serán sus mejores aliados a la hora de actualizar su look primaveral.

1. Mix de Pulseras: Este es un recurso fantástico para actualizar su look sin necesidad e invertir en nueva bijoux ya que de seguro ya tienen varios tipos de pulseras acumuladas de colecciones anteriores. Anímense a apilar en sus brazos múltiples pulseras de variados colores, materiales y texturas. ¡El resultado será súper divertido absolutamente actual!

2. Énfasis en las medias: En las pasarelas internacionales se vieron medias de todo tipo y largor acompañando a las sandalias y suecos de la temporada. Desde medias al tobillo hasta las medias bucaneras por arriba de la rodilla, serán una opción divertida para que las más jóvenes estén a la última con una mínima inversión.

3. Pañoletas a todo color: Carguen de color su vestuario con pañoletas y pañuelos ultra coloridos. Ya sea estampados o de un solo color y anudados de mil formas al cuello, sobre los hombros o incluso como turbantes en la cabeza, este accesorio ultra económico agregará a su look un toque personal y colorido.

4. Ojos de Gata: Las gafas más audaces de la temporada son las llamadas “ojos de gato”. Estas reciben su nombre justamente porque su diseño imita las formas de los ojos de un gato. Estuvieron muy de moda durante los años 50 y luego pasaron al olvido durante décadas, ¡pero esta temporada vuelven con todo! Son el accesorio ideal para darle un aire retro a su look. ¡Anímense a dar con ellas un toque felino a su mirada!

5. Relojes Masculinos: Esta temporada se ha visto a muchas celebridades optar por modelos de relojes diseñados originalmente para hombres, con esferas mucho más grandes y acentos masculinos, que los habituales relojes para dama. Para sumarse a esta tendencia sin necesidad de gastar un dineral, ¡pídanselo prestado a su papá, a su marido o a su novio!

6. Cintos ultra finos: Olvídense de los cintos anchos negros tan vistos la temporada anterior. La tendencia para el 2011 invita a optar por los cintos ultra finos o skinny belts. Pónganlos a la altura de la cintura, sobre camisas, blusas,vestidos y chaquetas para lograr el look de la temporada.

7. Moños en la cabeza: ¡Que mejor manera para acaparar todas las miradas que echarse un moño a la cabeza! La tendencia de la temporada propone moños de todo tipo y tamaño para adornar las cabezas de las más dispuestas a hacer de la moda un juego. Ya sea sobre hebillas o vinchas, moños de todo tipo de estilos, colores y formas darán un toque tierno y ultra femenino a su look de primavera. Un consejito para abaratar costos: ¡saquen su chica utilísima y anímense a hacerlos ustedes mismas!

8. Bolsos con Flecos: Las tendencias internacionales apuestan por looks inspirados en los bohemios años setenta. La mejor manera de lograr este look es con un bolso con flecos de correa larga (ambas tendencias muy populares para el 2011). A la hora de elegir el color apuesten por los tonos tierra.

9. Mega Plataformas: ¡Ya sea en tonos tierra o en los colores más vibrantes, de madera, corcho, goma, acrílico o esparto, esta temporada los zapatos con mega plataformas nos hará alcanzar inusitadas alturas! Estos calzados son perfectos para sentirse cómodas tanto en las ocasiones más casuales como en las más elegantes. La versión más novedosa y cómoda son las Flatforms o Planaformas, un híbrido entre plataforma y zapato plano. Esencialmente son zapatos planos puestos sobre unas plataformas enterizas altas, y constituyen la mejor manera de ganar altura con la comodidad de unas chatitas!

10. Maquillaje Impactante: La tendencia para los productos de belleza instan a apostar por los colores de alto impacto. Ya sea en la forma de sombras ultra coloridas en los ojos en tonos rosas fuertes, amarillos y azules o labiales que van desde el rosa shocking al coral y al rojo. En las uñas apuesten por los colores más insólitos, desde los tonos flúo hasta el azul más intenso.

Residencias Artísticas en Planta Alta

2011-10-28T15:32:00.000-07:00

El desplazamiento de artistas, cruzando fronteras y compartiendo conocimientos y experiencias dista mucho de ser un fenómeno reciente; muy por el contrario ha sido practicado desde la antigüedad. Sin embargo, a partir de los años 90 este fenómeno ganó una nueva dimensión bajo la forma de las denominadas “residencias artísticas”, que por entonces empezaron a proliferar por el mundo. En estas residencias, el intercambio cultural se fue organizando siguiendo distintos sistemas o modelos de residencias. Si bien cada una de ella persigue sus propios objetivos, cuentan con sistemas de funcionamiento, financiación, alojamiento, infraestructura, selección y organización variados; en todas ellas se persigue por sobretodo crear un espacio propicio para el intercambio cultural y artístico.

Hoy en día hay residencias artísticas esparcidas por todo el mundo. Cada residencia artística comprende realidades, contenidos, modelos y articulaciones de las más variadas. Algunas se enfocan en sólo un medio de expresión, mientras otras buscan estimular diversas disciplinas, fomentando incluso el diálogo o la interacción entre ellas. En las residencias se promueve el intercambio entre artistas, críticos de arte, curadores, editores, gestores culturales, gestores de programas de residencia, historiadores, profesores, alumnos y todo tipo de personas interesadas en sus proyectos.

Con las residencias artísticas se busca la formación y el desarrollo de diversos proyectos, ofreciendo no sólo alojamiento a los artistas, sino también un ambiente donde éstos puedan crear y desarrollar su obra; un espacio para la reflexión, la experimentación, la confrontación con otras realidades, el aprendizaje, el diálogo y el intercambio cultural que lleve al surgimiento de nuevas ideas y que consolide la difusión, la comprensión y la apreciación del arte en la sociedad.

Este mes la Galería Planta Alta, ubicada en Caballero 294 esq. Mariscal Estigarribia, y abierta al público de miércoles a sábado de 17:00 a 1:00, inauguró su nueva residencia artística. Para conocer más al respecto de este interesantísimo proyecto entrevistamos a Daniel Milessi, artista plástico y gestor de esta residencia que ofrece un nuevo espacio para el intercambio cultural y artístico en nuestra capital.

¿En qué consisten las residencias artísticas y cuáles son sus objetivos?

Una residencia artística es un espacio preparado para albergar artistas, investigadores, gestores y curadores de todas las ramas artísticas y de cualquier nacionalidad con la intención de explorar, examinar y expandir nuevas formas de interacción y producción artística. Con un programa de residencia intentamos promover el intercambio de ideas a través de la experiencia vivida con otros artistas, estudiantes y organizaciones culturales, así como con la propia atmósfera de la ciudad y el país. El residente vivirá en los espacios de la “Casa De Gásperi” construida a principios del siglo pasado, en el casco antiguo de Asunción. La casona se encuentra en buen estado y es considerada patrimonio arquitectónico de la ciudad. El espacio cuenta con todas las comodidades para la estadía del visitante. La casa tiene varias salas independientes donde realizamos exposiciones, talleres, charlas, ciclos de cine, conciertos, etc., y una terraza con vista a la ciudad, a pasos de varios Centros Culturales y el Centro Histórico.

A los residentes, durante su estadía, se les brinda información necesaria para que establezcan contacto y relaciones con el medio artístico local, las escuelas de arte y las universidades. Proponemos a nuestros residentes distintas formas de producción-creación-obra actual con el cruce de disciplinas. Así músicos, actores, artistas visuales y otros profesionales cuentan con un lugar donde poder mostrar su trabajo al público en general. Mediamos un espacio de intercambio entre artistas, la divulgación y circulación de sus obras.

¿Cómo surge la idea de crear una residencia artística en Planta Alta?

Hace un tiempo Planta Alta se abrió a la posibilidad de abrir espacios alternativos para producción artística en la casa. Habíamos hablado con Bettina Brizuela y Laura Mandelik (dueñas de la galería) de crear una residencia a partir de unas cuantas experiencias anteriores. Ya habían visitado y se habían hospedado artistas extranjeros en la galería, pero no formalmente. No sabíamos muy bien cómo funcionaba esto, pero fuimos contactando algunas residencias fuera del país que nos guió a un proyecto organizado con el apoyo de AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo) y la Red de Centros Culturales de España en Iberoamérica. Nos asociamos a Residencias en Red [Iberoamérica] (residenciasenred.blogspot.com) que es una red de cooperación entre residencias de artistas iberoamericanos y la AECID formada en el 2008. Entramos al final del proyecto, pero nos sirvió para empezar a entrenarnos en el tema y lograr un pequeño apoyo económico para poner a punto el espacio. Eso nos ayudó definitivamente a tener más claro el panorama de los intercambios.

¿Cómo funciona la residencia de Planta Alta?

Funcionamos bajo varios sistemas. Existen proyectos pertinentes a fortalecer la infraestructura de Residencias en Red [Iberoamérica] así como también existen convocatorias internacionales abiertas con nuestros socios de la Red. Estos proyectos son financiados por la AECID.

A la par de nuestros proyectos de Red abrimos la posibilidad a aplicar desde el extranjero independientemente pero los gastos correrían por cuenta del residente. El costo diario de la residencia es de US$ 25. Este monto es el general en casi todas las residencias de la región y alentamos a los aplicantes a proponer talleres, cursos, charlas que puedan "pagar" su estadía así como también lo ayudamos a aplicar a fondos destinados a cultura o a sponsoraje con empresas privadas.

¿Ya están trabajando en conjunto con otras residencias latinoamericanas?

Así es, en abril de 2012 tendremos nuestro primer proyecto grande con la Red. El proyecto cuenta ya con el apoyo financiero de la AECID. Se trata de una residencia "en recorrido" por los campos de batalla de la Guerra contra la Triple Alianza con cuatro artistas de Argentina, Brasil, Uruguay y Paraguay a los cuales expondremos a las distintas opiniones, historias, datos sobre el conflicto armado más grande de la historia latinoamericana. Las convocatorias se realizarán en conjunto con tres residencias socias a la red: Casa 13 de Córdoba, JACA Jardim Canadá Centro de Arte e Tecnologia de Belo Horizonte y Residencia FAC de Montevideo. Esperamos lanzar la convocatoria para fin de este año en simultáneo en los cuatro países. Los residentes vivirán juntos y compartirán la experiencia por el periodo de un mes. Al final de este periodo se hará una exposición y un material audiovisual que se difundirá en los cuatro países participantes. Ya existen intenciones de repetir la experiencia en Argentina, lo cual nos llena de orgullo.

¿Qué expectativas tienen con este nuevo proyecto?

Esperamos que se creen nuevos vínculos y afianzarnos para que este sistema de compartir arte pueda llegar a más gente en nuestro país, así como abrir la ciudad a los visitantes extranjeros. Esperamos que más adelante podamos ayudar a profesionalizar el trabajo cultural mediante estos cruces con el mundo.

¿Cómo fue su primera experiencia?

La primera experiencia que tuvimos como residencia formalmente fue la visita de Julio Lira, artista de la ciudad de Fortaleza en Brasil del 10 al 20 de Septiembre. Julio es investigador de la Universidade Federal do Ceará en Brasil y coordinador de la ONG Mediación de Saberes. En su estancia desarrolló el proyecto “Recorridos Urbanos”. Su propuesta consiste en un recorrido realizado en ómnibus por la ciudad de Asunción, donde se presentaron y discutieron los desafíos y las posibilidades de la ciudad, articulando como mediadores a personas de saberes académicos y de saberes populares. Intercambiamos ideas, interactuamos con espacios y personas de la ciudad, escenarios que surgen en cada itinerario.

También se encuentra realizando el proyecto “Escucha Nomade”, apoyado por la Secretaría de Cultura de Fortaleza (Brasil) con el Premio Ricardo Rosas. El proyecto se propone hacer por seis meses un proyecto compartido de itinerancia, que une a ambientes en un viaje de investigación en tecnología y creatividad (con énfasis en las prácticas de investigación que producen imágenes audiovisuales) en 13 ciudades de América Latina e investigadores, estudiantes y artistas en Brasil. En este punto seguimos en contacto incluso luego de la residencia para una fase de articulación con las personas interesadas en la adición de sus propios proyectos de investigación o producción.

¿Qué otras actividades tienen planeadas para este año?

Este mes nos visita Beatriz Lemos hasta el 14 de noviembre. Ella es Licenciada en Historia del Arte por la UERJ y grado de maestría en Historia Social de la Cultura PUC-RJ, trabajó entre 2002 y 2008 como asistente en la investigación y curaduría del Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi. Se dedica, actualmente a la curaduría e investigación independiente en las artes visuales contemporáneas y su evolución en redes. Es parte del equipo de coordinación del programa Residencia Terra Una, Minas Gerais, y gestiona proyectos de intercambios entre las escenas artísticas de América Latina, participando en residencias y realizando exposiciones en Brasil y en el extranjero.

En Asunción desarrollara su Proyecto “Lastro”, que consiste en la investigación y acercamiento entre las escenas de arte contemporáneo en países de Latinoamérica. Con el fin de alcanzar la profunda inmersión en los diferentes contextos, se propone visitar los veinte países que componen el concepto geopolítico de un continente latino en las Américas. Realizará entrevistas y catalogará información sobre los teóricos y gestores de las artes visuales. Su intención es elaborar un perfil del circuito local y de los artistas que poseen en sus recientes producciones conceptos vinculados a la idea de las identidades culturales.

Luego de Beatriz estamos con intenciones de iniciar un programa de intercambios con músicos, siguiendo la línea de las actividades de Planta Alta con los ciclos de jazz y conciertos. Esperamos realmente contar con el apoyo de todos a fin de propiciar el intercambio de miradas entre distintas propuestas para motivar la producción, reflexión y crítica en el contexto local.

Señora de las Cuatro Décadas: La lucha integral contra el marchitaje

2011-10-28T15:15:00.001-07:00

Muy pocas mujeres tienen el coraje de admitir públicamente su verdadera edad, y quien más quien menos se saca algunos añitos de encima cada vez que algún buey corneta hace la pregunta del millón de dólares. Como ustedes ya saben, yo cumplo treinta todos los años y lo primero que hago el 1° de enero es memorizar mi nueva fecha de nacimiento para que nadie me tome desprevenida al preguntarme cuando nací. Mentir sobre nuestra edad es algo común a partir de los treinta y ni qué decir a los cuarenta. Yo estoy tan acostumbrada a mentir mi edad, que hasta me la creo.

¿Pero qué pasa cuando por más que mentimos ya nadie nos cree? ¿Qué pasa cuando ya naaadie te dice señorita? ¿Qué sucede cuando te tiran frases como: “las mujeres de tu edad” o “allá por tu época” o “cuando vos ERAS joven? Les querés hacer picadillo con gilette herrumbrado… como mínimo.

Una se siente de otoño en primavera, a lo Rubén Darío, quiere gritar: “¡Juventud, divino tesoro, ya te vas para no volver! Cuando quiero llorar no lloro y a veces lloro sin querer”. Y lo peor es que una llora por las malditas hormonas, llora por Lugo, llora por la aftosa, hasta llora con la publicidad de Coca Cola. Y luego, una prende la radio, y escucha a Arjona cantando: “señooora, no le quite años a su viiiidaaaa, póngale vida a sus años, que es mejoooor” y llora aún más. Le querés gritar a Arjona a todo pulmón: “¡Mentirooosoooo, dejá de robar que nadie te cree tu cancioncita patética!”

Por más de que te la endulcen, la vejez es un trago amargo para toda mujer glamorosa. Lo que pasa es que llega un punto en que una se da cuenta, de que si bien te mantenés regia, los años ya han hecho de las suyas en tu ser. Como dice mi tía Chechi: “Por atrás soy un monumento, por delante, ¡un mausoleo!” Los aeróbicos no quitan las arrugas y menos aún la pinta de vieja. Por esto es vital mantenerse joven no sólo por fuera, sino también por dentro. No dejen pasar más tiempo y ¡manos a la obra!

El primer paso en la lucha contra el marchitaje empieza obviamente por el físico. Para hacer frente a la edad con regitud, mantenerse esbelta es vital. La vejez hay que sudarla gota a gota. Decile sí al cardio, al pilates, al yoga, al power plate, al spinning, al running y de paso también al tunning. Complementá tu rutina de ejercicios diarios haciendo un pacto secreto con Bacchetta, quien te ayudará a deshacerte de todo aquello que no pudiste eliminar sudando.

La renovación de tu vestuario es otro paso esencial para lograr una apariencia juvenil. Actualizá tu look y vestite de acuerdo a tu juventud interior. Pero no abuses. Tampoco es el caso de que salgas a la calle vestida como una chirolera adolescente. Mantener un espíritu joven no significa que hagas una regresión a los 17. Eliminá de tu placar todo lo que huela y luzca a naftalina. Seguí disfrutando de la moda incorporando las tendencias actuales a tus fabulosos looks diario. Doná tu chancleta a la caridad y animate a trepar esas plataformas soñadas. Sacá de tu cabeza la patética idea de que si te caés te vas a romper la cadera y vas a ver que con cada paso que des vas a sentirte más fuerte dando, como canta Arjona, “pisadas de fuego al andar”.

Una vez que tengas bajo control el marchitaje de tu cuerpo y que hayas logrado perfumar de juventud tu guardarropa naftalinezco, ya podés empezar la tercera etapa: la regeneración mental. Esto quiere decir básicamente: ¡ACTUALIZATE! Mantenete informada para no delatar tu edad con tu ignorancia o tu léxico pasado de moda. Que nadie te pesque diciendo que fulanito es “muy buen mozo” o ponderarle a tu amiga diciéndola que está “re pituca”. Incluí en tus conversaciones temas de actualidad y renová constantemente tu vocabulario, porque believe it or not, las palabras también pasan de moda. Procurá incluir en tus conversaciones neologismos y palabras como nano, emo, facha, blogger, online, software, app, chat, cool, trance. De paso actualizá también la música que escuchás y hacete fan de Lady Gaga y de los Black Eyed Peas para que tu repertorio musical no se estanque en la nebulosa retro de Mocedades y Pimpinela.

Ya que entramos al tema de la actualización es FUNDAMENTAL que además de actualizar tu vocabulario, urgentemente te pongas en campaña para amigarte con la tecnología, porque nada dice “vieja” con más elocuencia que declararse a una misma como analfabeta tecnológica. Nada de dictarle a tu hija tus mails, ni de pedirle a tu secretaria que te conteste los mensajes de texto alegando que “las letritas son demasiado chicas”. Animate a ponerle fin a tu astigmatismo con la cirugía laser y cárgate las pilas para explorar el ciberespacio y todas las aplicaciones de tu iphone o BB como la digna mujer del siglo XXI que sos.

La cuarta etapa será la más importante de tu batalla personal contra el marchitaje. Esta etapa es la de la aceptación. NO tenés 15 años, ni siquiera 20, ni 30, y aunque no se te note, vos sabes que llegaste a los 40. Los años no pasaron en vano, y si bien perdiste muchas cosas, también ganaste muchas más. Fijate como llegaste: ¡REGIA y CON EXPERIENCIA! Hacé gala de tu experiencia. Hacé gala de que ya no sos una quinceañera tonta con pajaritos en la cabeza, sino una mujer hecha y derecha y dueña de sí misma. Exorcizate de todos aquellos preconceptos y recelos que tenés sobre tu edad. Empezá a vivir tus cuarenta no como te imaginaste que los vivirías (encerrada en una cueva llorando por tu juventud perdida), sino como sabés que tenés que vivirla: como aquella mujer joven y de espíritu vibrante que sigue habitando ese cuerpito desde hace décadas.

Una vez que tengas todo lo anterior bajo control, podés empezar la última etapa de la lucha contra el marchitaje: la celebración. ¡Celebrate a vos misma! Dejá de sufrir, dejá de shorar y empezá a sonreírle a la vida, que todo se ve más lindo cuando lo mirás con ojos renovados. Mimate, superá el miedo al cambio y cambiá de actitud. No es fácil llegar regia y digna a la cuarta década, por lo que cada día de tu vida tenés que celebrar tu triunfo. ¡No solo le has ganado la batalla a la gravedad, sino también a toda una sarta de preconceptos tuyos y ajenos sobre como tenés que verte y sentirte a los cuarenta! ¡Brindá con champagne por la juventud de cuerpo y espíritu, porque sos una auténtica campeona!

Celebrá tu rostro con cada marquita que lo surque. No las veas como arrugas, sino como hermosos signos de expresión. Son el testimonio de que siempre fuiste una mujer muy expresiva, que amó, lloró y rió a gusto durante toda su existencia. Celebrá cada marquita en tu cuerpo. No las veas como estrías o celulitis, sino como hitos de tu vida. Cada una de ellas son el testimonio de los cafecitos que tomaste con tus amigas, de los bombones que endulzaron tus días, y hasta de la mágica transformación que atravesaste cuando tus hijos crecieron en tu vientre. Recordá que la juventud es cuestión de actitud y el tiempo puede marchitar muchas cosas, pero jamás logrará mancillar tu actitud. ¡SALUD!

Historia del Debut en Sociedad

2011-10-18T16:10:00.000-07:00

Cuando pensamos en una joven vestida de blanco, lo primero que se nos pasa por la cabeza es que se trata de una novia en su día de bodas. Sin embargo, para muchas mujeres de la alta sociedad, su boda no será la única oportunidad de vestir un vestido blanco de ensueño y ser el centro de atención de la fiesta, pues antes de ser novias, serán debutantes.

A pesar de que los términos “debut” y “debutante” provienen del francés para estreno, el debut en sociedad se origina en Inglaterra en el siglo XVIII, a fin de instruir a las jóvenes las costumbres de la vida social, presentándolas a la corte en un espléndido y exclusivo baile. En un inicio, el debut representaba la manera ideal de hacer saber que una mujer había llegado a una edad apropiada para aceptar pretendientes. Las hijas de los nobles y aristócratas eran presentadas al rey y a la reina en una elaborada y elegante ceremonia conocida como “Presentation at court”. Sólo podían acceder a este gran honor las chicas que eran la créme de la creme de la aristocracia.

Uno de los bailes más tradicionales era el Baile de la Reina Carlota, creado en 1780 por el Rey Jorge III en honor al cumpleaños de su esposa. Las chicas debían vestir de largo y de riguroso blanco, señal de pureza y castidad. Durante siglos esta fiesta marcaba el inicio de la temporada de bailes de la sociedad inglesa, un torbellino de eventos que duraba seis meses, en los cuales las chicas casaderas de 17 y 18 años, de las familias más encumbradas, recibían el cortejo de potenciales esposos. Pero, el conseguir un marido apropiado no era el único objetivo. También se esperaba que las debutantes adquirieran el roce social y la confianza y compostura requeridas para manejarse adecuadamente en sociedad. De hecho, debían practicar con instructores los bailes de moda, así como vals, y también perfeccionar la genuflexión hasta lograr la perfecta.

Este baile se siguió realizando cada año hasta 1958, cuando la reina Isabel II puso fin a esta costumbre. El motivo oficial fue que la reina Isabel lo consideraba una costumbre anacrónica; aunque se rumoreó que el motivo real fue que la princesa Margarita opinaba que últimamente había declinado la alcurnia de los invitados. Posteriormente el evento fue resucitado por Peter Townend, director de sociales de la revista Tatler, como un evento con fines benéficos, pero ya no se realizaba en el marco de la familia Windsor, sino frente a otros aristócratas y nobles como la Duquesa de Somerset y la Princesa Olga Romanov.

Tras perder su vinculación palaciega, este tipo de bailes empezó a ser promovido por entidades varias, asociaciones, clubes, hoteles y entidades filantrópicas del mundo entero. En los debuts actuales, las jóvenes siguen aprendiendo etiqueta, así como los bailes tradicionales y la edad en la cual se debuta oscila, según el país, entre los 15 y 21 años.

Los inmigrantes británicos llevaron a Estados Unidos la costumbre de presentar a sus hijas en sociedad. Generalmente la presentación en sociedad se realizaba de manera individual, y la debutante era agasajada por su familia con una lujosa fiesta. Las presentaciones en sociedad grupales se diferenciaban con el nombre de “Cotillion”, palabra con cierto sentido peyorativo, pues lo ideal era que la chica debutara sola, pero como no todos podían permitirse esto, distintos clubes empezaron a promoverlos. Para poder debutar no era necesario ser de una familia aristocrática, bastaba con que sea adinerada.Con los años, esta costumbre se popularizó y democratizó, abarcando a chicas de otros orígenes sociales y étnicos.

En los Estados Unidos, la era de oro de los debuts individuales fue durante los años 30, paradójicamente durantela gran depresión. Más esta no afectaba a que debutantes como Brenda Frazier, Gloria Vanderbilt, Doris Duke y Bárbara Hutton, derrocharan lujo y glamour en sus fiestas, siendo elegidas “Debutantes del año”. El encanto de su fortuna y belleza las convirtió en auténticas estrellas, acaparando todos los titulares y recibiendo alabanzas por su elegancia y refinado estilo de vida.

Hacia fines de los 60, los movimientos feministas y la movida hippie llevarían a la decadencia a los debuts. Sin embargo, en los excesivos años 80, tomaron un nuevo impulso. Pero estas debutantes poco tenían que ver con las refinadas y delicadas jovencitas que las antecedieron. A pesar de que aún estaban obligadas a lucir un vestido blanco discreto sin excesivos bordados ni escotes y sin ninguna hebra de poliéster, ellas debutaban no para encontrar marido, ¡sino para divertirse a lo grande!

Hoy se siguen celebrando debuts en todo el mundo. En París se creó en 1957 el “Bal des Débutantes” celebrado en sus inicios en el Palacio de Versalles y luego en la Ópera Garnier. El baile perduró hasta 1968, cuando las manifestaciones del Mayo Francés obligaron a suspenderlo. La tradición resucitó en 1991 en la forma del “Bal des Débutantes à l'Hôtel Crillon”. Inicialmente las debutantes parisinas vestían de blanco, pero al incorporarse jóvenes de la realeza del medio oriente, se tuvo que cambiar esta costumbre, pues allí el blanco es un color de duelo. Así, las debutantes del Hotel Crillon, si bien visten sólo de alta costura, ya no están obligadas a ir de blanco.

El mencionado baile reúne a una veintena de señoritas de la nobleza europea, de las casas reales orientales y de las familias ricas y famosas del jet set internacional. Bailan el vals, codo a codo, princesas árabes y francesas, marquesas italianas y las hijas de billonarios rusos, políticos internacionales, estrellas de Hollywood y del mundo del rock. El propósito de este debut ya no es que las jóvenes encuentren marido, sino que conozcan gente de todo el mundo, vivan una noche de ensueño, ataviadas con finas joyas y espectaculares trajes de alta costura, y contribuyan a una causa caritativa, pues gran parte de lo recaudado es destinado a una fundación benéfica.

En Viena cada año se celebra el gran baile de debutantes de la Ópera de Viena. La particularidad de este evento es que las debutantes no son elegidas por su linaje o cuenta bancaria, sino por su habilidad para bailar el tradicional vals vienés. Tras pasar una exigente audición en la cual deben mostrar su gracia al bailar el vals y someterse a dos meses de ensayos, éstas son elegibles para hacer su debut, usando largos vestidos blancos como marca la tradición y luciendo una tiara de Swarovski, obsequiada a cada debutante.

Hoy en día la tradición del debut subsiste, aunque totalmente modificada. Ya no está reservado a las chicas de la alta sociedad o de la aristocracia, pues las debutantes provienen de distintos círculos sociales. Y tal vez la diferencia más significativa es que las debutantes ya no se presentan formalmente para buscar un marido apropiado, pues las chicas de hoy más que a conseguir un buen marido, aspiran a una carrera. Para estas chicas el debut en sociedad representa una especie de rito de transición de niña a mujer, y la oportunidad de pasar una noche encantadora llena de tradición y magia.

Debutantes Famosas

Bárbara Hutton: Conocida como “la pobre niña rica”, al suicidarse su madre, cuando ella tenía sólo 6 años, heredó una de las fortunas más grandes de su tiempo. Creció sola, al cuidado de tutores. La heredera de Woolworth hizo su debut en sociedad en 1933 en una extravagante fiesta en el Hotel Ritz-Carlton de Nueva York. La fiesta tuvo un costo de 60.000 dólares (el equivalente a un millón de dólares hoy), lo que en plena depresión, fue todo un escándalo. Atormentada por la prensa, se vio obligada a partir a Europa tras su polémico debut. En su vida adulta fue tan desdichada como en su infancia, se casó siete veces, pero murió sola, sumida en la drogadicción y el alcoholismo. ¡Como si esto fuera poco, al morir, de su fortuna de más de 150 millones de dólares, solo le quedaban tres mil en su cuenta bancaria!

Brenda Frazier: Considerada la debutante más famosa de la historia, su debut, en 1938 en el Waldorf-Astoria, fue retratado por la revista Life, apareciendo Brenda en la portada de la misma. El término “Celebutante” fue creado para describir a esta joven de la alta sociedad neoyorquina. Cuentan que era tan cuidadosa de su apariencia, que a veces terminaba con el cuello adolorido por no moverlo por horas para tener un porte elegante y un peinado perfecto. Su vida, que parecía tan perfecta, en realidad fue muy triste. Tuvo dos matrimonios fallidos, sufrió de anorexia y bulimia y de numerosos desórdenes nerviosos. Al final, la más famosa e icónica socialité, terminó viviendo aislada como una ermitaña.

Doris Duke: La heredera del tabaco, apodada “Million Dollar Baby”, se convirtió en una de las mujeres más ricas al morir su padre, el fundador de la “American Tobacco Company” y de “Duke Energy”, antes de que ella cumpliese 13 años. Debutó en su mansión de Newport. A pesar de haber tenido tragedias en su vida (la muerte temprana del padre, dos matrimonios fallidos y de terminar sus días sola), se puede decir que llevó una vida interesante y plena. Su pasión por los viajes la llevó a dar dos veces la vuelta al mundo. Coleccionó obras de arte, viajó y ayudó a los demás. Al morir, donó su fortuna de más de 400 millones de dólares a diversas instituciones caritativas.

Jacqueline Bouvier: Otra famosa debutante que legró llevar una vida plena fue Jackie Kennedy (hoy más conocida como Jackie O.). Fue la debutante del año en 1947. Debutó en una sencilla pero elegante fiesta en su casa familiar de Newport junto a su hermana Caroline Lee. Luego fueron fotografiadas juntas por el gran fotógrafo de la época Cecil Beaton para un reportaje sobre las hermanas Bouvier para la Vogue americana. En 1953 se convirtió en la esposa de John F. Kennedy y en 1961 en la primera dama de los Estados Unidos, hasta la trágica muerte de su marido en 1963.

CorneliaGuest: En 1982, su debut puso nuevamente de moda al debut en sociedad en Nueva York. La hija de la legendaria musa de la moda y personificación en carne y hueso del refinamiento, C.Z. Guest, no pudo más que seguir los pasos de su madre y convertirse en la debutante del año. La fiesta tuvo la cobertura de Time, Life, People y The Washington Post. Descendiente por el lado paterno de Winston Churchill, heredera del imperio del acero de Guest and Phipps, ahijada de los duques de Windsor e íntima amiga de Andy Warhol, Cornelia unía el encanto relajado de la alta sociedad neoyorquina con una rebelde actitud rocanrolera. Fue la principal celebutante de su época y con los años se convirtió en la imagen de los cosméticos La Prairie, escribió sus memorias y se dedica actualmente a la equitación y abogar por los derechos de los animales.

STÉPHANE ROLLAND: ALTA ESCULTURA

2011-10-18T15:18:00.000-07:00

Decir que el diseñador parisino Stéphane Rolland realiza vestidos de alta costura, sería quedarse cortos. Más apropiado sería decir que crea esculturas en tela, verdaderas joyas arquitectónicas que conjugan la fuerza del diseño escultórico con la ligereza de los más finos textiles.

Stephane Rolland se ha hecho un nombre por su original y moderna interpretación de la alta costura. En cada uno de sus diseños se puede entrever su pasión por la arquitectura, la fotografía y la arquitectura.

Nacido en Paris, Rolland transcurrió su infancia en diversos países. Fue criado en Argentina, Paraguay y las Antillas Francesas. El haber viajado tanto durante su infancia le inculcó el respeto a las diferencias y despertó en él una enorme curiosidad hacia las diferentes culturas. Pero su principal pasión siempre fue la moda. El mismo asegura que toda su vida quiso ser diseñador, realizando su primer boceto a los cuatro años. Ni bien terminó el bachillerato se inscribió en la carrera de diseño de moda en “L’Ecole de la Chambre Syndicale de la haute couture” de París.

Recién graduado, fue contratado a los 20 años por Balenciaga. Al año ya fue ascendido a la posición de Director Creativo de la línea masculina y licencias internacionales, convirtiéndose en el director artístico más joven de la casa. A los 24 buscó independizarse creando su propia línea de prêt-à-porter. El suceso fue inmediato. Al año, su colección ya formaba parte del stock de 80 de las más exclusivas boutiques y grandes almacenes del mundo. A los 30 años, fue nuevamente convocado por otro gigante de la moda parisina, Jean-Louis Scherrer para que se convirtiera en el Director Artístico de su línea de alta costura, posición que ocupó por 10 años. Paralelamente, impulsado por su pasión por el cine y el teatro, Stéphane Rolland trabajó también como diseñador de vestuario, siendo nominado en el 2006 y en el 2007 al prestigioso premio Moliére, por su trabajo como vestuarista.

Su paso por estas grandes casas le dio la experiencia y madurez necesaria para finalmente lanzar en 2007 su propia marca en el mundo de la Alta Costura, convirtiéndose en miembro de la Cámara Sindical de la Alta Costura y estableciendo su casa en la ultra chic avenue George V. Su caso es bastante curioso, pues en tan sólo 4 años, logró un éxito abrumador, destacándose en el competitivo y exclusivo mundo del Haute Couture, algo que a muchos diseñadores suele llevar décadas.

En poco tiempo, ha sabido hacerse de una clientela fiel a su estilo, que va desde miembros de la realeza hasta famosos de la industria del cine y de la música. Su interpretación original de la alta costura, sumada a su visión vanguardista de este rubro tan tradicional, han hecho que su casa de alta costura prospere en plena época de crisis, cuando muchas otras casas más renombradas y añejas se han visto forzadas a cerrar sus líneas de haute couture. Y le ha ido tan bien que recientemente ha agregado una línea de accesorios en cuero y de prendas pret a porter a su marca. Para el 2012 tiene previsto el lanzamiento de una fragancia, y de una línea de joyas.

El secreto de su éxito tal vez radique en su aproximación vanguardista a la costura, cargada de innovación y modernidad, pero que a la vez mantiene todo el lujo y la extravagancias propias de la naturaleza de este rubro tan exclusivo.

En sus diseños es frecuente ver piezas metálicas, elementos laqueados o incrustaciones en vidrio, que acentúan las prendas generando un efecto inesperado y vanguardista. Sus vestidos son todo un espectáculo en sí mismos, gracias a su original y fantástica mezcla de materiales e impecable confección. Rolland es un maestro del drapeado. En sus diseños juega con el volumen, la proporción y la silueta, valiéndose de lujosos y delicados géneros y su particular toque arquitectónico para dar vida a estas creaciones nunca antes vistas, estructuradas para adaptarse perfectamente a la silueta femenina. Sus vestidos, a pesar de los extravagantes elementos que lo componen, se mueven de una manera maravillosa.

Cada una de sus colecciones podría perfectamente ser catalogadas como obras de arte. De hecho, una de sus últimas colecciones fue presentada en el museo londinense “Victoria & Albert Museum”, como parte de su serie de eventos “Fashion in Motion” (moda en movimiento). En la cual se dio destaque a los más grandes diseñadores de nuestro tiempo, exhibiendo sus intricados y sensuales vestidos en un desfile que tenía como telón de fondo al famoso museo.

El diseñador describe a su estilo como: “muy fuerte, arquitectónico y simple al mismo tiempo, ya que creo que una mujer hermosa no necesita un vestido complicado o numerosos accesorios, pues le basta un buen corte que realce su cuerpo y la natural elegancia de sus movimientos.”

En cuanto a sus fuentes de inspiración, Rolland asegura nutrirse del arte moderno, la arquitectura, la escultura y la fotografía. Esta inspiración es muy notoria en sus colecciones. En ellas literalmente la moda y el arte eclosionan magníficamente, en dramáticas piezas que más que vestidos son esculturas ambulantes. Describiendo su colección, Rolland en una reciente entrevista acotó: “Se podría decir que los bordados son étnicos-futuristas, creando proporciones nunca antes imaginadas, como esqueletos de marfil. Cada modelo es una escultura viviente – arte en vivo.”

Sus vestidos reflejan su dominio técnico de la costura, su inspiración vanguardista y su pasión por la innovación. Resulta evidente que su visión única y fuera de lo ordinario, le han ayudado a desarrollar el arte de sorprender al público en cada una de sus colecciones. Rolland no le tiene miedo a lo diferente ni a lo no habitual. Lo suyo es lo inesperado, como sus bordados escultóricos en metacrilato o los efectos laqueados que logra dar a sus géneros gracias a productos químicos desarrollados especialmente para él en un laboratorio.

Desde su arriesgada pero acertada decisión, el magistral trabajo de Rolland lo ha convertido en la nueva estrella que brilla en las pasarelas de la Alta Costura. Joven, talentoso y con muchas nuevas ideas que aportar, Stephane Rolland es sin lugar a dudas uno de los nuevos reyes de la alta moda parisina, en cuyas manos se encuentra el futuro de la Alta Costura.

LA CERVEZA EN EL ARTE PICTÓRICO

2011-10-18T15:15:00.000-07:00

"Desayuné un pedazo de pan seco y un vaso de cerveza. Es este un acto, recomendado por Dickens a los que están a punto de suicidarse, como especialmente adecuado para alejarles por algún tiempo de tal propósito. Y, aún cuando no se esté del todo en esa disposición de ánimo, está bien hacerlo de vez en cuando."

Carta de Vincent Van Gogh a su hermano Theo

18 de Agosto de 1877

La cerveza, compañera de la humanidad desde sus tiempos más remotos, no podía dejar de estar presente en su patrimonio pictórico. Esto no es de extrañar, pues los artistas siempre se han preocupado por incorporar a sus lienzos los aspectos sociales y cotidianos de la vida. Pero la relación simbiótica entre la cerveza y el arte van más allá de la mera representación. No podemos evitar asumir que esta bebida de brillante ámbar habrá servido también de inspiración a los artistas, acompañándolos en sus tertulias y ayudándolos a desinhibirse para expresar sus alegrías y exorcizar sus fantasmas.

Los maestros holandeses y flamencos no podían dejar de representar a su bebida nacional en sus lienzos. Sus bodegones por supuesto iban más allá de la mera representación de lo cotidiano. Cada objeto estaba impregnado de una profunda significación religiosa o moralista. En varios cuadros, la cerveza, bebida de la cual los holandeses no sólo eran entusiastas bebedores, sino también productores y comerciantes, pasa a representar lo mundano, en oposición a lo divino. En varias obras del holandés Pieter Claesz aparecen retratados vasos y jarras de cerveza, como en “Pipas de tabaco y brasero” o “Naturaleza muerta con arenques”.

El prolífico artista flamenco David Teniers el Joven, yerno de Jan Bruegel, no escatimó en incluir a la cerveza en sus obras que retrataban escenas de fiestas de campesinos y escenas de tabernas. Estas obras de tenor costumbrista no podían omitir a esta bebida tan popular en los países nórdicos. Entre sus obras se destacan “Fiesta Aldeana” (1643), “Bebedores y Fumadores” y “Festejo de campesinos” (1650). En el barroco holandés eran frecuentes los lienzos que representaban los placeres y las costumbres populares de las aldeas flamencas. En este concretamente observamos la danza alocada de un grupo de campesinos, celebrando con abundante cerveza. Teniers también se adentra en el género de las singeries, reflexionando sobre las costumbres de su pueblo, satirizándolas en sus lienzos al hacer que monos protagonizaran las escenas. La necedad del hombre es puesta de manifiesto por estos imitadores natos que aparecen en “Banquete de Monos”, “Monos en una Taberna”, “Monos en una bodega” y “Monos Fumadores y Bebedores”. No podemos dejar de mencionar su autorretrato, en el que vemos al joven Teniers sentado frente a un viejo barril convertido en mesa, levantando en su mano derecha una copa del dorado brebaje lista para ser degustada por el pintor.

Uno de los grandes maestros en el arte del retrato, el holandés Frans Hals, pasó la mayor parte de su vida en la Haarlem, ciudad de los Países Bajos de gran tradición cervecera. En su obra “Malle Babbe” (circa 1630) retrata a una posadera de tosco aspecto sosteniendo una típica jarra metálica de cerveza. En su rostro, la mirada perdida, la cara enrojecida y la sonrisa ladeada, ponen en evidencia el estado de ebriedad de la mujer retratada. En su hombro izquierdo se posa un búho, ave que para la iconología representa a la sabiduría. Al mirar al cuadro resulta inevitable preguntarse: ¿qué nos habrá querido decir el artista? ¿Estaría tal vez aludiendo a la supuesta sabiduría de los beodos o por el contrario, haciendo un contraste entre la ebriedad y la sabiduría? En “Alegre Comitiva” (1615), el lienzo se ve cargado de platos de embutidos, salsas y una gran jarra de cerveza que anteceden a una pareja notoriamente ebria. El hombre está tan borracho que no se percata del descarado flirteo entre su mujer y otro hombre que se encuentra detrás de ella. Aquí el significado moral resulta más patente, el pintor evidentemente está poniendo sobre aviso a los espectadores sobre los vicios y placeres de la carne.

Petrus Paulus Rubens, otro destacado pintor de la escuela flamenca, y figura insigne del barroco, en su variada temática también incluye lienzos costumbristas, como “Kermesse” (1635), una bochinchera y dinámica escena protagonizada por un grupo de hombres y mujeres de la campiña flamenca entregados al los placer de la bebida y la danza, y a las pasiones del hombre como si se encontraran en un bacanal. Podemos observar ancianos bebiendo hasta en el suelo y parejas abandonas a juegos amorosos mientras generosas jarras de cerveza riegan la escena. Este cuadro probablemente representa una boda de pueblo o la celebración del final de la cosecha y se inscribe en la tradición nórdica de las representaciones de fiestas campesinas, una temática inspirada por Piether Brueghel el Viejo.

Brueghel, uno de los más ilustres pintores flamencos del siglo XVI, se especializó en retratar paisajes poblados de campesinos, como “La Danza Campesina” (1568). En éste, se representa una celebración campestre que refleja las costumbres de la época. Se ven parejas bailando alegremente y en la mesa, como en otras obras del autor, aparecen jarras de refrescante y espumosa cerveza, fiel motor de los danzarines.

Por su parte Édouard Manet, en su afición por la vida moderna, en los últimos años de su vida da un giro a su habitual temática, dedicándose a retratar escenas de cafés y locales nocturnos parisinos, entendidos para el artista como verdaderos templos de la modernidad y donde la cerveza fluye para dar rienda suelta a la alegría. En su obra “La barra del Folies Bèrgere” (1882), culminación de los cuadros dedicados a las noches parisinas, nos muestra a Suzon, camarera del Folies Bèrgere, famoso cabaret parisino. En esta pintura cargada de detalles, se puede observar en el espejo de fondo la nutrida concurrencia del popular local, así como también varias botellas de champagne y cerveza en el primer plano. El champán era una bebida popular francesa, pero no lo era tanto la cerveza, lo que demuestra la anglomanía existente en aquella época. De hecho, las botellas de cerveza que se muestran son de la marca Bass, primera marca registrada del Reino Unido.

Vincent Van Gogh, famoso pintor holandés del siglo XIX, siguió los pasos de sus predecesores, incluyendo al dorado brebaje en varias de sus naturalezas muertas. Van Gogh tuvo una complicada relación con el alcohol. En sus inicios lo consideraba como un catalizador artístico y social, un placer que lo ayudaba a abrirse con los demás y que compartía con sus amigos Toulouse-Lautrec y Paul Gauguin. Ellos solían frecuentar cafés del Petit Boulevard para discutir sobre su arte acompañados por interminables rondas de cerveza y ajenjo. La cerveza lo ayudaba a soltarse y pasar de su habitual reserva y silenciosa timidez hasta convertirse en un alegre y parlanchín compañero en las tertulias de sus colegas pintores. En sus años posteriores, la bebida se convirtió en un tormento para él. Sin lugar a dudas es su obra “Los Bebedores” (1890) aquella que más significancia tiene para nosotros. Preocupado por recoger en sus obras los asuntos más críticos de la sociedad, en esta obra retrata a cuatro hombres de distintas edades, incluyendo a un niño, sumergidos en uno de los males de la sociedad contemporánea, la bebida. Para hacerla se inspira en un grabado de Honoré Daumier titulado “La Psicología del Bebedor, las cuatro edades”, poniendo de manifiesto la desesperada avidez y concentración con la cual sus sujetos se entregan a la bebida, como si estuvieran intentando apagar una sed a la vez física y espiritual.

PAREJAS CLICHÉ

2011-10-17T16:23:00.000-07:00

Dios los crea y ellos se juntan. Hay parejas que parecen destinadas a unirse como irrefrenablemente impulsadas por misteriosas fuerzas cósmicas. Cada vez que se produce alguna de estas alianzas estratégicas predestinadas, nace otra odiosa pareja cliché, de esas que nos hacen asumir que a la hora de formar pareja, hay personas menos originales que un Rolex de calle Palma.

BARBIE Y KEN: No podemos hablar de parejas cliché sin nombrar a esta pareja de muñecos tan odiosamente perfectos. Desde que Mattel creó a esta mítica pareja, han estado poblando las fantasías de generaciones de niñas. Pero ellos no sólo habitan las jugueterías, también hay versiones en carne y hueso rondando por el mundo; parejas más que perfectas de pies a cabeza ya sea gracias a Dios o al bisturí. Al igual que sus mellizos plásticos, sólo tienen aire en la cabeza y sus más grandes preocupaciones se reducen a ir de shopping, ejercitarse para mantenerse esbeltos y disfrutar de la vida siendo simplemente regios.

LA MODELO Y EL FUTBOLISTA: Esta pareja es tan habitual que hasta se ha acuñado un término para designar a la fémina de la relación: botinera. Ellas mueren por las pelotas…. de fútbol obvio, y acompañan a sus cracks del balón pié hasta que éstos cuelgan sus botines, momento en el cual entran nuevamente a la cancha en búsqueda de un nuevo miembro de la selección. Comparten con sus amorcitos su propensión a lesionarse; aunque ellas no se lesionan en la cancha, sino en bailando. Ellas son las que visten micro albirroja y shoran por cada penal errado por su futbolero, sobretodo porque cada gol errado significa una bonificación menos para disfrutar.

EL SANJO Y LA TERESIANA: Ellos combinan el marrón y el celeste a la perfección. Se ponen de novios antes de que se le empiecen a caer los dientes de leche y se comprometen antes de que les vuelvan a crecer los definitivos. La consigna de su vida es simple: los nenes con los nenes y las nenas con las nenas. Podrán graduarse en Oxford o Harvard, pero para ellos el eje de sus currículos será siempre su cole, ya que llevan al “soy celeste” y al “chiquitere” forever en el corazón.

LA COCINERA Y EL GORDITO: Esta pareja es un verdadero homenaje a la frase: “pancita llena, corazón contento.” Toda digna chef sabe que el estómago es el camino más corto al corazón de un hombre, y tratándose de un gordito, el camino corto se convierte en un atajo express. Por otro lado, para muchas mujeres, tener bien nutrida a su pareja es toda una garantía de “amor eterno”, no sólo por que el jamás podrá prescindir de la autora de todos sus platos favoritos, sino también sus rollitos mantendrán alejadas a todas las chiruzas indeseables.

LA MISS Y EL EMPRESARIO: Más que una pareja, esta es una alianza estratégica. Toda miss necesita un sponsor para alcanzar el cetro, y si es auspiciante del evento, mejor aún. Él la luce como un trofeo, ella lo usa como amuleto de buena suerte. Ella sueña con la “paz mundial” y si bien no logró terminar ni el primer capítulo de “Yo el Supremo”, lo cita como su libro de cabecera, junto con la biblia, OBVIO. Ella asegura que ver la sonrisa en los rostros de los niños desamparados no tiene precio, para todo lo demás, existe MASTERCARD (la de su papichulo por supuesto).

EL JEFE Y LA SECRE: El amor puede surgir en todas partes, y la oficina no es una excepción. Por la profusión de estas parejas, parece ser que Cupido adora rondar por el ámbito laboral. Por lo general estas parejas tan frecuentes surgen en la clandestinidad, y sólo muy pocas logran salir de ella. La mayoría tendrá que conformarse con encontrar un refugio a su amor únicamente entre cubículos y sillas giratorias.

LA DIVORCIADA Y EL PERSONAL TRAINER: El ser cambiada por un modelo más nuevo, lleva a muchas mujeres a encontrar refugio en los abdominales de su personal. ¡Uyyy esos abdominales y aquellos músculos tan tonificados!¡Tras tantos años de conformarse con la pancita cervecera de su ex, ella se los tiene más que merecido! En esta unión se conjugan el sudor de él y las lágrimas de ella, que tras muchas horas de ejercicio pasarán de ser lágrimas de tristeza a ser lágrimas de dicha pura.

EL PAÍ Y LA PECADORA: Esta pareja es absolutamente presidencial, aunque más polémica que la Alfano. Algunas de ellas están envueltas en el romanticismo de “El Pájaro Canta Hasta Morir”; mientras otras, en la chabacanería de Lugo y sus mujeres. En su juventud ellas aspiraron a la redención entre sus brazos, y él no se hizo rogar para tirar la sotana junto con sus votos de celibato y castidad. Fernando Armindo les podrá asegurar que pasar de paí a padre natural no es tarea fácil.

TENDENCIAS DE PRIMAVERA

2011-10-17T16:13:00.000-07:00

Directamente de las pasarelas de Nueva York, Londres, Milán y París nos llegan las tendencias de primavera 2011, invitándonos a hacer un poco de lugar en nuestro guardarropa para el color y la frescura de las prendas de la nueva temporada. Si quieren estar informadas para sus sesiones de shopping, les ruego tomen nota de lo que se viene para la primavera, para elegir correctamente las prendas que conformarán su look primaveral.

Jean Jean Jean: El género Chambray, pariente más liviano del denim ha hecho su aparición en las colecciones de Celine y D&G, bajo la forma de trajes, vestidos, shorts y pantalones en modelos relajados y ligeros. Pasen a retiro a sus chupines para dar cabida a los jeans de corte recto y amplio, se vienen con todo los modelos inspirados en los jeans de los años setenta, de cintura alta, tonos claros y botamangas bien anchas. Estos jeans son sumamente favorecedores para las mujeres con cuerpos curvilíneos. Apuesten también por las camisas de jeans amplias con las mangas remangadas ideales para llevar sobre un vestido floreado. No teman mezclar jean con jean, las tendencias permiten un look de jeans de pies a cabeza que puede ser armado con prendas del mismo tipo de lavado, como de lavados diferentes. Otro must de la temporada son los shorts de jeans holgados y con botamangas remangadas. También se destacan los vestidos de jeans cortos y las faldas en este material.

A puro color: Los colores intensos cobrarán protagonismo esta temporada tanto en géneros lisos como estampados. La consigna es apostar por combinaciones atípicas pero deliciosamente impactantes, como amarillo y violeta, naranja y turquesa, azul cobalto y amarillo o coral y fucsia. Armen su look con bloques de colores vivos y no teman parecer un cubo de Rubik ya que la osadía al combinar colores es un must de esta temporada.

Estampados de alto impacto: Como es de esperar, los estampados florales vuelven a ocupar su trono entre las tendencias de primavera. Pero olvídense de los estampados florales en tonos pasteles tan en boga la temporada anterior. Los estampados para el 2011 son de alto impacto, con colores vibrantes y combinaciones hipnóticas. Marcas como Christian Dior, D&G y Miu Miu han apostado a las estampas más atrevidas, con géneros en donde las flores son las protagonistas indiscutidas. No le teman a parecerse a una señora loca que se echó encima todo el empapelado de su departamento, la consigna es combinar géneros con distintos estampados para lograr un look mix match floral.

Toques orientales: Las influencias del extremo oriente fueron muy perceptibles en las pasarelas internacionales, desde Dries Van Noten a Vera Wang optaron por exhibir túnicas largas combinadas con pantalones cortos de estilo oriental, así como cintos obi, mangas de kimono y estampados de inspiración japonesa y china. Por supuesto la satinada textura de las sedas también trae reminiscencias del exotismo oriental.

Estampados salvajes: Los diseñadores apostaron por dar rienda suelta a sus instintos primarios. Numerosas colecciones dieron destaque al animal print y a estampados de hojas grandes que parecían sacadas de la vegetación de una selva tropical. Giambattista Valli, Alexander McQueen y House of Holland sucumbieron a los encantos de la selva y al magnetismo del leopardo y de las serpientes.

Encajes delicados: El encaje se verá en todas partes, sobretodo en prendas sofisticadas y de siluetas ultra femeninas. Doménico Dolce y Stefano Gabbana hicieron gala de su pasión por el encaje dedicando su colección exclusivamente a prendas blancas y negras confeccionadas en el más delicado broderie inglés. Los encajes empleados tanto en la colección de Dolce & Gabbana, como en las de Zac Posen, Oscar de la Renta dieron forma a prendas de estilo clásico con evocaciones antiguas, pero con un toque más audaz generando transparencias delicadas e impactantes. Apuesten por encajes de alta calidad, preferentemente confeccionados a mano y al armar su look tengan en cuenta que éste debe ser romántico pero no demasiado girly girly¸ intenten lograr un look más maduro y chic. Denle un guiño a la sensualidad pero sin exagerar optando por prendas con transparencias sugestivas.

Transparencias: Los diseñadores jugaron a los niños traviesos proponiendo muchas transparencias para esta temporada. En las pasarelas se vieron transparencias para ajustarse a distintos niveles de pudor, desde prendas en gasa, encajes y muselinas transparentes sobrepuestas a visos opacos, hasta looks más audaces que dejaban muy poco a la imaginación. Nuestro consejo para llevar esta tendencia en la vida real, aléjense del look rayos X que deja todo al descubierto y apuesten por capas de transparencias sobre géneros sólidos para generar un look sexy y translucido ideal para flirtear en las fiestas de primavera.

Noches de Disco y de bohemia: Los años 70 sirvieron de inspiración a muchas colecciones. En las pasarelas se vieron numerosos looks que parecían sacados de “That 70’s show”. Desde detalles hippies como blusas campestres, maxi faldas, maxi vestidos sueltos y con delicadas flores, suecos y pantalones pata de elefante como los que se vieron en las colecciones de Etro, D&G y Salvatore Ferragamo; hasta vestidos satinados, con detalles drapeados y escotes de vértigo muy al estilo disco de la época de Studio 54.

Nude: Los tonos neutros como el crema, arena y beige literalmente inundarán con su palidez su guardarropa esta primavera. Tanto en vestidos como en calzados, el nude será la tonalidad preponderante. Si tienen miedo de quedar muy pálidas o parecer desnudas vistiendo estas tonalidades de pies a cabeza pueden combinarlo con elementos en colores como el rojo, el coral y el infaltable negro para romper la monotonía.

2011-10-17T11:16:00.000-07:00